Tipos De Música

La Música

La palabra Música procede del latín Musica, derivada a su vez, del griego Mousike, esta última que tenía en su origen dos significados: uno general, que abarcaba todo lo relacionado con la educación del espíritu (colocada bajo la avocación de las nueve Musas o diosas de las artes), que se complementaba con la educación física o gymnastike, y otro específico de arte sonoro, que es el que ha llegado hasta nosotros.

En síntesis, la música no es más que el lenguaje artístico, cuyo medio de expresión son los sonidos, utilizando los principios fundamentales de la melodía, entre ellos tenemos: la armonía, el ritmo y el timbre, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.

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http://www.perfildemujer.com/concepto.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica

Música Antigua

Generalmente, se designa como música antigua, a la música clásica europea compuesta antes de 1.750.

Por el contrario, si hablamos de “la música en la antigüedad” ,es la historia de la música de la Edad Antigua y (dado que la música es algo connatural al ser humano, como ha probado la antropología), también de la que se producía en periodos anteriores, no históricos (La Prehistoria), a pesar de que para unos periodos habrá testimonios escritos y para otros únicamente los restos de la cultura material ligada a la música (los propios instrumentos musicales).

En el mismo orden de ideas, hablamos un poco de La música en la antigüedad clásica o greco-romana; la cual dio origen al arte clásico, que en sus aspectos de arte visual (y sobre todo en escultura y arquitectura), influyó de modo extraordinario en la conformación del arte occidental, así como su producción literaria, filosófica, científica y jurídica, lo hizo igualmente en la cultura de la civilización occidental. Los aspectos musicales, en cambio, no pudieron conservarse del mismo modo, dada su propia naturaleza efímera y su transmisión mediante el ejemplo, pues, no se desarrollaron formas de notación musical. Sin embargo hay testimonios literarios y reproducciones artísticas que permiten ver la importancia de la música en esta época.

http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_antigua

Dios de La Música

El dios de la luz, hijo de Zeus y de Latona, nació en la brillante, errática isla de Delos. Se asentó en el santuario de Delfos, tras haber dado muerte a la serpiente Pitón, y estableció allí su principal oráculo como dios de la adivinación y la mántica.

Es también el dios de la música, de la medicina y de la poesía y como tal preside el coro de las nueve Musas,” coronado de violetas", que viven en el monte Helicón. Su más famoso precepto fue una sensata recomendación psicológica: "Conócete a ti mismo".

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Origen de nuestra actual escritura musical

El origen de nuestra actual grafía musical, se encuentra en los símbolos taquigráficos que se utilizaban para anotar los discursos griegos y orientales, la llamada notación ekfonética.

Durante los siglos V y VII d.C. se fue desarrollando un sistema derivado de estos neumas [comas, acentos, puntos, rayas, etc.] mediante el cual se indicaba vagamente el esquema del movimiento melódico.

No se pretendía fijar exactamente la altura de las notas, sino sólo proporcionar una idea aproximada de la melodía, ayudando de este modo al cantante cuando le fallara la memoria. Los ejemplos más antiguos de notación musical en la Europa occidental, fueron escritos más como anotaciones para los textos que se cantaban, [notación adiastemática, es decir, neumas sin línea indicadora de altura].

Los primeros manuscritos con notación interválica, [se llama intervalo a la distancia, que separa a un sonido de otro], los cuales datan de finales del siglo IX e inicios del X. En este siglo la notación pasó de los oscuros neumas al uso de las letras latinas y se inició el proceso de escribirlas a partir de una línea.

Pronto a la primera línea le siguió otra más: el monje y músico francés Hucbaldo [c.840-930] utiliza dos líneas que marcan diferencia de quintas, es decir, una distancia de cinco tonos. Una línea representa el sonido Fa y la otra el sonido Do. Para mayor claridad, les dio diferentes colores, una roja y otra amarilla.

Alrededor del siglo XI, un monje benedictino llamado Guido D’Arezzo, desarrolló un sistema de cuatro líneas: el tetragrama. Una línea amarilla representaba el Do5 [Ut]; otra roja el Fa4; una negra él La intermedio y otra negra [encima o debajo del Mi] representaba el Re. Mediante la posición de las notas en las líneas se indica la altura de los sonidos, con la posibilidad de usar líneas adicionales inferiores y superiores. Su sistema fue aceptado y conservado hasta nuestros días como el tradicional sistema de notación del canto gregoriano. Otro aporte de Guido es el hecho de destacar la identidad de las octavas de las notas ordenándolas de abajo hacia arriba en Graves, Acutæ y Superacuæ. Modificó además los neumas, engrosándolos en forma de cabeza para indicar exactamente el sitio del sonido correspondiente.

Aunque la pauta de cinco líneas [pentagrama], que utilizamos hoy en día, ya había aparecido en el siglo .XI, no fue hasta el XVI cuando se llegó a un acuerdo general sobre su utilización. Sigue siendo el sistema más eficaz para definir la altura precisa de una nota; aunque sus cinco líneas son insuficientes para representar todos los sonidos, cuenta con las llamadas líneas adicionales; reminiscencias de la época en la que se empleaban más de cinco líneas en una pauta musical.

Por último, vemos que desde hace unos cuantos años tenemos el privilegio de poder escuchar música (y registrarla en tiempo real) cada vez que nos apetece. Esto facilita el desarrollo del “oído musical” puro, lo que permite a músicos contemporáneos componer fantásticas piezas sin saber siquiera qué forma tiene la clave de sol.

Cabe mencionar, que algunos guitarristas autodidactas han comenzado con los famosos Cancioneros para guitarra, libros-guía que ilustran con esquemas los acordes de las canciones populares del momento.

evolución de las notas: virga, punctum cuadratum y punctum inclinatum

El episema horizontal es una raya que se coloca sobre una o más notas y significa prolongación ligera y expresiva.

El clímacus indicaba escalerilla El scandicus, ascensión

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ORÍGEN DE LA MÚSICA CLÁSICA

Una sinfonía es una obra para la orquesta, dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo, por ejemplo, las contemporáneas de Arthur Honegger son de 3 movimientos.

El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Joseph Haydn, una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.

La sinfonía probablemente alcanzó su madurez con Ludwig van Beethoven. Sus sinfonías solían tener un primer movimiento Allegro de forma sonata, un movimiento lento (a veces en forma de tema y variaciones), un movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo, anteriormente lo común era un minué y trío), para finalizar con otro movimiento rápido (rondó). (Existen sinfonías con un último movimiento escrito como forma sonata).

Sinfonistas destacados de todos los tiempos:

Hay una larga lista de compositores que han abordado el género sinfónico. De entre ellos destacan unos cuantos cuyo valor se caracteriza por ofrecer un ciclo sinfónico completo de alta calidad, coherente con su línea vital y en el que, aunque puedan destacarse algunas sinfonías, todo el ciclo es de elevada calidad. Los compositores que han frecuentado con más fortuna el género han sido:

-Franz Joseph Haydn: frecuentemente considerado como "el padre de la sinfonía", sus 104 sinfonías compuestas entre 1757 y 1795 constituyen la mejor referencia para conocer la evolución de esta forma musical, que tuvo su origen en la obertura italiana de ópera. Su interés no es sólo histórico: esta impresionante serie, tomada en su conjunto, representa una cumbre de la producción musical de Occidente. Aunque merezca la pena oír todo el ciclo completo, destacan grupos de sinfonías, como las "Sturm und Drang" o las sinfonías Londres.

-Wolfgang Amadeus Mozart: Las sinfonías de Mozart están numeradas hasta 41 (aunque en realidad son más, ya que hubo interpolaciones posteriores a la numeración, por lo que, según cómo se cuenten, llegan a ser unas 50). En el caso de Mozart, las primeras 20 pueden considerarse como obras juveniles y con escasa personalidad propia. Las más interesantes son las 21 últimas, siendo las más importantes: la 25, y las llamadas «6 últimas», es decir, la 35, Haffner (1782), la 36, Linz (1783), la 38, Praga (1786) -la 37 no existe en el catálogo- y la 39, en mi bemol, la 40, en sol menor y la 41, Júpiter, compuestas en 1788.

-Ludwig van Beethoven: compuso nueve sinfonías. El ciclo completo es una obra maestra en sí, aunque destacan la 3.ª, Heroica, la 5ª, la 6.ª, Sinfonía Pastoral, la 7.ª, la 8.ª, y la novena, la Sinfonía Coral. Durante algunos años se le atribuyó una llamada "Sinfonía nº 0", descubierta a inicios del siglo XX y de la que hay registros en disco de pasta, hasta que se le quitó la atribución beethoveniana, hacia los años '60.

-Franz Schubert: 9 sinfonías siendo las más célebres la n.º 8, denominada "Inconclusa" (o "inacabada") por faltarle el tercero y cuarto movimientos, y la n.º 9, denominada "La grande".

-Johannes Brahms: 4 sinfonías. Brahms fue continuador de la obra sinfónica de Beethoven (de hecho su primera sinfonía recibió el apodo de "10ª de Beethoven". Todo el ciclo es de gran calidad, destacando la 1ª y la 4ª.

-Hector Berlioz: 4 sinfonías. El compositor francés es un caso especial del sinfonísmo. Sus sinfonías, majestuosas y revolucionarias, allanaron el terreno para la aparición de nuevos géneros más propios del período romántico, influyendo en compositores como Mahler o Richard Strauss. La Sinfonía fantástica, la concertante Harold en Italiao la coral Romeo y Julieta son los más claros ejemplos.

-Antonín Dvořák: 9 sinfonías. Frecuentemente eclipsadas por la 9ª (del Nuevo Mundo), el ciclo sinfónico de Dvořák es una sorpresa de alta calidad y elevada inspiración melódica. Son excepcionales la 6ª, 7ª y 8ª.

-Piotr I. Chaikovski: 6 sinfonías. Son especialmente importantes, y las más conocidas, las tres últimas: 4ª, 5ª y 6ª (Patética).

-Gustav Mahler: 9 sinfonías y el Adagio de la inconclusa 'décima'. Mahler supone una ruptura con el estilo sinfónico tradicional. A partir de él se da una gran crisis en la sinfonía, siendo pocos los autores que destacan en este género (aunque años después se volvió al interés por el mismo). Las sinfonías de Mahler hacen uso de recursos muy variados, tanto en la temática, como en la instrumentacion y el tratamiento de las obras: voces solistas, coros, inversión del orden de los movimientos, etc.

-Anton Bruckner: 9 sinfonías (más dos sinfonías de juventud: la 0 y la 00). La obra sinfónica de Bruckner es de concepción grandiosa. En ella abundan las melodías inspiradas en la naturaleza, y en el misticismo religioso. Requieren grandes orquestas y normalmente superan la hora de duración. Destacan la 4ª y la 7ª.

-Dimitri Shostakóvitch: 15 sinfonías. La obra de Shostakovich es un verdadero reflejo tanto del espíritu y el genio compositivo de su autor, como de la evolución del siglo XX desde la perspectiva de la Rusia soviética. Su evolución va desde las modernas y atrevidas primeras sinfonías, la vuelta al clasicismo y la tonalidad en la 5ª, el fervor patriótico en la 7ª y 11ª o la introspección personal en las dos últimas.

-Sergéi Prokófiev: 7 sinfonías. Estas obras son prueba del eclecticismo de su autor, yendo desde obras con ritmos furiosos y atrevídas armonías, hasta otras de corte más clásico. Destacan la 1ª y la 5ª.

-Jean Sibelius: 7 sinfonías. Profundamente inspiradas en los paisajes finlandeses y en las referencias del folclore nacional, poseen una gran inspiración melódica y un ambiente característico, siempre dentro de la tonalidad. Destacan la 2ª y la 5ª.

-Ralph Vaughan Williams: 9 sinfonías. El paisaje y el folclore inglés también son un referente de este ciclo sinfónico de altísima calidad. En este caso, aunque la unidad y coherencia es grande, cada sinfonía tiene un lenguaje muy particular, culminación de los distintos momentos compositivos del autor: desde la coral 1ª, la programática 2ª (Londres), la pastoral 3ª, las disonantes 4ª y 6ª, la mística 5ª, la fílmica 6ª y las experimentales 8ª y 9ª.

http://es.wikipedia.org/wiki/Sinfon%C3%ADa

Compositores de Ópera

La ópera es un arte global que combina música, literatura, acción, drama, decorados, danza, artes visuales y escenografía. El hecho de utilizar diversos lenguajes simultáneos hace que el mensaje adquiera un mayor valor y significado siendo capaz de conmover e impresionar.

Suele ser un espectáculo de grandes dimensiones no sólo por tener espectaculares montajes escenográficos y abundantes personajes (cantantes, figurantes, coristas, bailarines, etc.) sino porque también entran en juego diversos equipos técnicos y artísticos que no siempre aparecen en el escenario (director de escena, regidores, maquilladoras, sastras, técnicos etc.)

Al tratarse de una obra musical destinada a ser representada, los cantantes son también actores que representan un personaje y utilizan junto con el canto diversos recursos expresivos.

La ópera nació con el Barroco. La primera ópera barroca con importancia se considera L´Orfeo de Claudio Monteverdi, estrenada en Mantua en 1607.

La fábula de Orfeo (título original en italiano, La favola d'Orfeo) es unaópera en un prólogo y cinco actos con música de Claudio Monteverdi ylibreto en italiano de Alessandro Striggio el Joven. Se trata de una de las primeras obras que se cataloga como ópera. Fue compuesta para los carnavales en Mantua. Fue estrenada en la Accademia degl'Invaghiti en Mantua en febrero de 1607 y el 24 de febrero del mismo año en el Teatro de la corte de Mantua. Fue publicada en Venecia en 1609. En elsiglo XX fue reestrenada en una versión en concierto en París en 1904. En España se vio por primera vez el 23 de junio de 1955 en Barcelona, en el Jardí dels Tarongers de la Casa Bartomeu.

En Florencia en el año 1600 se celebra la boda entre María de Médicis yEnrique IV de Francia. A esta boda asisten Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y pariente de la esposa, y su corte. Allí asistieron a la representación de Euridice de Jacopo Peri. Supuestamente, entre los asistentes se encontraba Claudio Monteverdi, miembro de la corte de Gonzaga. Debido al éxito de la obra de Peri, Gonzaga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el mismo mito y siguiendo el estilo musical de la escuela florentina.

'La fábula de Orfeo o, abreviadamente, el Orfeo, destaca por su poder dramático y su animada orquestación. Monteverdi utilizó una plétora de instrumentos, poco usual para la época: violas, violines, flautas, oboes, cornos, trompetas, trombones, claves, arpas, dos órganos pequeños.

Monteverdi junta la monodia acompañada con coros, conjuntos vocales renacentistas y con una orquesta de cuarenta instrumentos.

Para Peri y para Caccini, la ópera era, ante todo, literatura, por lo que la instrumentación no era tan importante.

Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas tempranas, o pre-barrocas. Para el momento, la música del norte de Italia transitaba entre el estilo renacentista tardío y el barroco temprano, y los compositores vanguardistas como Monteverdi, combinaban las tendencias estilísticas que se utilizaban en los círculos musicales más importantes como Florencia, Venecia o Ferrara.

http://en.wikipedia.org/wiki/L'Orfeo

Operas[show]

Discographies[show]

Dittersdorf

Este contemporáneo de Haydn, Gluck y Mozart, fue un músico sobresaliente, creador de unas cien sinfonías y muchas otras obras, por ejemplo óperas, casi todas en el estilo vienes del Singspiel que era corriente en la época, y de las que hoy sólo se representa a veces Doktor und Apotheker. El compositor, nacido en Viena, tuvo muchos puestos como músico, pero también en otras actividades (fue inspector de bosques y corregidor).

Daniel Catán

Daniel Catán fue el primer compositor mexicano cuyas óperas se representaron en teatros de Estados Unidos. Autor de música instrumental y vocal, de versiones líricas basadas en obras literarias, de ballets y de música de películas, Catán era reconocido además porque llevó óperas en español a los grandes escenarios. “No hay muchas obras para el repertorio operístico en español y en general los empresarios le han tenido un poco de miedo y se han acercado a mi ópera con reservas. Sin embargo, mi obra ha tenido suficiente éxito como para abrir ahora un interés real y un mercado importante”, argumentó Catán.

Joaquín Rodrigo

Es el compositor español del siglo XX más reconocido a nivel mundial, por la difusión y éxito que alcanzó su obra para guitarra y orquesta, el Concierto de Aranjuez. La música de Joaquín Rodrigo representa un homenaje a las distintas culturas de España ya que se vale, como fuente de inspiración, de las más variadas manifestaciones del alma de su país, desde la historia de la España romana hasta los textos de los poetas contemporáneos.

Giovanni Battista Pergolesi

Morir a los 26 años y a través de los siglos seguir ocupando un lugar honroso en la historia de la música es algo que sólo está al alcance de un genio. Giovanni Battista Pergolesi lo fue. Su Stabat mater para voces femeninas lo prueba; también algunas de sus óperas cómicas, con las que se convirtió en una de las figuras más importantes de la historia temprana de ese género. En el siglo pasado se han hecho estudios dignos de agradecimiento sobre su vida y su obra. Aunque trabajó de igual modo la ópera seria como la cómica, es en este último subgénero en el que se destacó, especialmente en el intermedio La serva padrona.

Frédéric Chopin

No hubo otro compositor que se consagrara de un modo tan exclusivo al piano como Frédéric Chopin nacido el 1 de marzo de 1810, en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia, Polonia. Los compases iniciales de su Polonesa Militar fueron ejecutados en muchas ocasiones por Radio Varsovia para elevar el espíritu de la nación mientras el ejército de Hitler se aproximaba a la capital. Cuando la emisora de radio fue silenciada, el 1º de septiembre de 1939, el pueblo comprendió que su país nuevamente había caído en la cautividad.

Gian Carlo Menotti

Compositor y poeta italonorteamericano, nacido en Cadigliano (norte de Italia) el 7 de julio de 1911 que residió desde joven en Estados Unidos, teniendo un enorme y controvertido éxito. No es que alguien niegue o pueda negar su sentido innato del escenario; las cifras de su éxito son demasiado altas; es su estilo musical lo que suscita la más fuerte oposición entre compositores y críticos. Menotti fue un verista, un naturalista convencido, pero combinaba su realismo con muchos otros elementos.

Carl María von Weber

Weber, a quien hay que considerar uno de los pioneros de la ópera alemana y romántica, nació en Eutin, Oldenburgo, el 18 de noviembre de 1786. Aunque sólo Der Freischütz pudo conquistar un lugar en el repertorio operístico, la figura de Weber tiene una enorme importancia en la historia de la música teatral alemana. Su inspiración popular, su manera de escribir sencilla y directa, sus tiernas melodías y el sano romanticismo que lo caracterizan, junto con la maestría técnica, que se muestra sobre todo en la instrumentación, le han asegurado un lugar fijo entre los grandes de la historia de la música.

Sergei Prokofiev

Compositor de origen ucranio, de inspiración neoclásica. Aunque después de la Revolución se exilió en los Estados Unidos, más tarde volvió a la Unión Soviética donde fue objeto de los máximos honores y representó los más altos ideales del arte soviético, para perder sus privilegios por su apoyo a una obra de Muradeli criticada por la oficialidad estalinista. La política cultural calificó la obra de Prokofiev como "formalismo decadente". Como réplica, compuso obras de apoyo al ideal comunista, que le valieron la obtención del Premio Stalin en 1951.

Jacques Offenbach

Fue el principal representante del nacimiento y consagración de la opereta en sus múltiples variantes. De niño se destacó en la interpretación del violín y el violoncello, por lo que su padre decidió llevarlo a estudiar al Conservatorio de París. Intentó adaptarse al rígido plan de estudios impuesto por Cherubini, pero pronto lo abandonó por un empleo de director de la Opera Comique. Logró la fama en el Segundo Imperio de Napoleón III y su nombre quedó para siempre vinculado al bullicioso teatro cómico de París.

Niccoló Paganini

Compositor y violinista de origen italiano. Sus dotes y su apariencia le dieron fama de "diabólico", pero el público y los músicos lo idolatraban. Paganini amplió las posibilidades interpretativas del violín mediante digitaciones especiales y posiciones muy avanzadas en el diapasón, y terminó con los mitos de la necesidad de ciertas condiciones físicas para la ejecución del instrumento. Debido a su técnica y un extremo magnetismo personal, Paganini no fue solamente el más famoso virtuoso del violín, sino también, el primero en demostrar la trascendencia de la virtuosidad como un elemento en el arte.

Camille Saint-Saëns

Revelando una precocidad mozartiana como pianista y compositor, Camille Saint-Saëns fue un niño prodigio, de familia humilde, que durante su carrera estudió con varios maestros. Intentó ganar el Prix de Rome dos veces y fracasó. Estudió composición con Halévy y ganó un premio con su Oda a Santa Cecilia. Acudieron a sus conciertos de órgano en la iglesia de la Madelaine personajes de la talla de Clara Schumann, Pablo de Sarasate o Antón Rubinstein. También fue concertista y realizó prolongadas giras en las que ejecutaba sus propios conciertos de piano e incluso dirigía sus propias obras para orquesta.

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Compositores de Ballet

Bizet,Georges

(1838-1875), compositor francés miembro de una familia de músicos, conocido sobre todo por sus óperas. Su verdadero nombre es Alexandre Cesar Leopold Bizet. Nació en Bougival, cerca de París y estudió en el conservatorio de la capital francesa con el compositor francés Jacques Halevy. También estudió piano con Antoine Marmontel. En 1857 obtuvo el premio de Roma.

Entre sus óperas se encuentran Los pescadores de perlas (1863), La jolie fille de Perth (1867) y Djamileh (1872).Carmen (1875) es considerada su obra más importante. A pesar de que el éxito no fue inmediato y el músico sufrió muchísimo por la mala acogida del público, con el paso del tiempo se ha convertido en una de las óperas más famosas y conocidas. Carmen fue compuesta sobre un libreto tomado de una novela de Próspero Mérimée. Es obra apasionada, con una orquestación cuidada y de indiscutible fuerza dramática. El filósofo alemán Friedrich Nietzsche, desilusionado de la estética wagneriana, intentó poner a Bizet en el sitio del autor de Parsifal: "Con Carmen abandonamos el húmedo norte y las brumas del ideal wagneriano. Esta música posee la atmósfera seca y limpia de climas más cálidos". En todo caso Nietzsche hizo de Carmen la expresión de lo que él llamaba 'arte mediterráneo'. La música de Carmen también ha sido utilizada en la danza. En esta dirección la música de Bizet fue tomada para una adaptación para ballet por el compositor ruso Rodion Schedrin y en esta versión el papel ha sido interpretado por bailarinas como Maia Plisiétskaia, esposa de Schedrin, o la cubana Alicia Alonso. Bizet fue un extraordinario dramaturgo, y su estilo influyó en la escuela de ópera realista (verismo) de finales del siglo XIX. Otras composiciones son la Sinfonía en do (1855) concebida a los 17 años; la suite sinfónica Roma (1866-1868); música para la obra de teatro La arlesiana (1872), del escritor francés Alphonse Daudet; la obertura dramática Patrie (1873) y obras para piano y voz.

Ravel,Maurice.

(1875-1937), compositor francés que influyó poderosamente en la música del siglo XX. Nació el 7 de marzo de 1875 en Ciboure, cerca de Saint Jean de Luz. Estudió entre 1899 y 1905 en el conservatorio de París donde fue discípulo, entre otros, de Gabriel Fauré y de Gédalge. También conoció a Emmanuel Chabrier, a quien admiraba. Por sus características de timbre, armonías y asociaciones extramusicales la música de Ravel se asocia a menudo a la del compositor impresionista francés Claude Debussy. Sin embargo Ravel sentía una mayor atracción por las estructuras musicales abstractas. Su color orquestal vívido y transparente le convierte en uno de los maestros modernos de la orquestación. Entre sus discípulos más destacados cabe citar al compositor británico Ralph Vaughan Williams.

El impresionismo de Ravel se aprecia especialmente en las suites para piano Miroirs (Espejos, 1905) y Gaspar de la noche (1908) y en la Rapsodia española para orquesta (1908). Su gran talento para evocar épocas pasadas se pone de manifiesto en obras como la Pavana para una infanta difunta (1899), Valses nobles y sentimentales (1911) y La tumba de Couperin (1917), composiciones todas ellas para piano que posteriormente fueron orquestadas. Su clasicismo se aprecia en la obra para piano Juegos de agua (1902), con una estructura de sonata clásica y una textura brillante y virtuosística, así como en el Cuarteto para cuerda (1903), la Sonatina para piano (1905) y obras de cámara posteriores como la Sonata para violín y violonchelo (1922).

Entre la obra escénica de Ravel cabe citar las óperas La hora española (1911) y El niño y los sortilegios (con libreto de la escritora francesa Colette, 1925), el famoso Bolero (1928), escrito en principio como acompañamiento para la interpretación solista de la bailarina Ida Rubinstein, y el ballet impresionista Dafnis y Cloe (1912), encargo del empresario ruso Sergei Diáguilev. Diáguilev había ya escenificado arreglos de obras anteriores de Ravel como la suite Mi madre la oca (para dos pianos, 1910, y para orquesta, 1912). En los años veinte la colaboración de Ravel con George Gershwin ejerció una fuerte influencia en ambos compositores. La orquestación de las últimas obras de Gershwin es más pulida y en las dos últimas obras de Ravel se observa una sutil influencia jazzística: el Concierto para piano en sol y el Concierto para piano en re para la mano izquierda (1931), mucho más sombrío y que fue escrito para el pianista vienés Paul Wittgenstein que había perdido su mano derecha en la I Guerra Mundial. En 1932 se vio afectado por una enfermedad neurológica. El 28 de diciembre de 1937 Ravel fallecía en París.

Debussy,Claude

(1862-1918), compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música

Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se formó en el Conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la villa Medici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema 'La doncella bienaventurada' del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Primeras obras

Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces naturaleza controvertida se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes cabe destacar elCuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura escrita a los 32 años basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El músico fue un lector de Charles Baudelaire, Paul Verlaine y otros; así, la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial con la obra de estos maestros de la literatura, así como con la de los pintores impresionistas. Por eso era asiduo visitante de Mallarmé.

Su ópera Peleas y Melisanda, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la partitura realzó la cualidad abstracta y ensoñadora de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas ocasiones.

Entre 1902 y 1920 Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L'île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas.

En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918 durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.

Precursor del estilo moderno

La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala de tonos enteros, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional. Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música. Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas.

Entre otras obras importantes destacan la música incidental para El martirio de san Sebastián, (1911) de Gabriele d'Annunzio, la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de Baudelaire (1889).

Wagner,Richard .

(1813-1883), teórico y compositor alemán, una de las figuras más importantes del siglo XIX.

Nació el 22 de mayo de 1813 en Leipzig y estudió en la universidad de esta ciudad. Entre 1833 y 1839 trabajó en los teatros de ópera de Wurzburgo, Magdeburgo, Königsberg (actual Kaliningrado) y Riga. En estos años escribió sus óperas Las hadas (1833) y La prohibición de amar (1836), y varias obras orquestales, entre ellas una sinfonía compuesta a los 19 años. En 1836 residiendo en Königsberg contrajo matrimonio con la actriz Minna Planer. En Riga finalizó el libreto y los dos primeros actos de su primera ópera importante, Rienzi.

En 1839 Wagner se trasladó en barco a Londres. Durante el tempestuoso viaje por el Mar del Norte concibió su segunda ópera importante, El holandés errante (1841). A la semana de estar en Londres se trasladó a Francia y se instaló en París, donde entró en contacto con la música de Hector Berlioz. Permaneció en París, a veces sumido en la mayor pobreza, hasta abril de 1842. El 20 de octubre de 1842 se representó su ópera Rienzi en el Hoftheater de Dresde, Alemania. Su éxito propició que se representase en la misma ciudad su ópera El holandés errante el 2 de enero del siguiente año y que fuera nombrado director del Hoftheater.

Arte innovador

La ópera romántica Tannhäuser se estrenó en Dresde el 19 de octubre de 1845. Esta obra, innovadora desde el punto de vista técnico y estructural, asombró a una audiencia acostumbrada a la ópera convencional del momento y produjo una gran avalancha de críticas. Sin embargo, el compositor húngaro Franz Liszt, gran admirador de la música de Wagner y unido a él por una amistad que duró toda la vida, decidió representar la ópera Tannhäuser en Weimar, Alemania, tres años después. Este mismo año Wagner finalizó su ópera romántica Lohengrin, pero la dirección del Hoftheater de Dresde, presionada por la reacción crítica del público, rechazó la obra. De nuevo llegó Liszt en su ayuda y estrenó esta ópera el 28 de agosto de 1850 en Weimar.

Obra teórica

Wagner ejerció una importante influencia en el pensamiento de finales del siglo XIX no sólo en las artes, sino también en temas políticos como el nacionalismo o el idealismo social. En su obra Oper und Drama(Opera y drama, 1850-1851) presenta su concepción de una obra escénica de tipo revolucionario que integra elementos dramáticos, visuales y musicales hasta formar una obra de arte global o Gesamtkunstwerk. Esta idea la puso en práctica en los libretos de todas sus óperas y, cuando después de la construcción de la Festspielhaus las condiciones lo permitían, supervisaba personalmente todos los aspectos de la realización. Otras de sus obras teóricas son Über deutsches Musikwesen (Sobre la música alemana, 1840), Das Kunstwerk der Zukunft (La obra de arte del porvenir, 1849), Religion und Kunst (Religión y arte, 1880), Über das Dirigieren(Sobre la dirección, 1869), Über die Anwendung der Musik auf das Drama (Sobre la aplicación de la música al drama, 1879) y Eine Mitteilung an meine Freunde (Una comunicación a mis amigos, 1851). Wagner también escribió la autobiografía Mein Leben (Mi vida, 1865-1880).

Tomaso, Albinoni.

(1671-1750), compositor y violinista italiano conocido, sobre todo, por su música instrumental. Nació y vivió en Venecia, donde compuso la mayor parte de sus 55 óperas, como Radamisto (1698), Pimpinone (1708) o L'impresariodelle Canarie (1725). Johann Sebastian Bach admiraba sus obras instrumentales, algunas de las cuales todavía se interpretan con frecuencia, y utilizó varios de sus temas para sus propias composiciones. Entre ellas hay que destacar las sonatas en trío, los conciertos para uno y dos oboes, y el concierto de 1710 para violín y orquesta.

Boccherini, Luigi Rodolfo

(1743-1805), compositor italiano conocido por sus obras de música de cámara y por haber sido uno de los primeros grandes virtuosos del violonchelo. Nació en Lucca y estudió primero en su ciudad y luego en Roma. Formó parte de la orquesta del compositor italiano Giovanni Battista Sammartini durante un corto periodo de tiempo. Más tarde trabajó como compositor en las cortes de España y Prusia.

En 1769 se estableció en Madrid como compositore e virtuoso di camera de don Luis, infante de España. La mayor parte de sus más de 350 obras son tríos, cuartetos y quintetos para cuerda, y están marcadas por la elegancia y el refinamiento del estilo postbarroco que dominaba en su tiempo. El violonchelo es el instrumento principal en muchas de sus composiciones. Entre todos sus quintetos, el que está en la tonalidad de mi mayor (opus 13 nº 5; también numerado como opus 11), es famoso por su minué. Entre las obras para violonchelo destacan las 6 sonatas para chelo y bajo continuo y los 4 conciertos. Compuso un Stabat Mater, cantatas, 2 óperas y una misa. Boccherini murió en Madrid en la mayor miseria pues, protegido inicialmente por el infante Luis, a la muerte de éste no había conseguido el favor de Carlos IV y paulatinamente había ido deteriorándose su situación material.

Liszt, Franz

(1811-1886), pianista y compositor de origen húngaro. Fue el precursor del recital para piano y, a través de sus numerosos discípulos, el pianista más influyente del siglo XIX.

Nació el 22 de octubre de 1811 en la localidad de Raiding, cerca de Sopron. Comenzó a estudiar piano con su padre. En Viena recibió clases del pianista austriaco Carl Czerny y del compositor italiano Antonio Salieri. En 1823 marchó a París con sus padres, ciudad donde pronto se dio a conocer como pianista. Mientras tanto, tomó lecciones de composición de Ferdinando Paër, compositor de óperas italiano, y de Anton Reicha, compositor y teórico checo-francés, también maestro de Berlioz y de César Franck.

Sus obras

Liszt fue una de las personalidades más importantes de su tiempo. Aparte de sus logros como pianista y director, dio clases a más de cuatrocientos alumnos, compuso unas 350 obras y escribió o colaboró en ocho volúmenes en prosa, sin contar su correspondencia. Además realizó más de 200 paráfrasis y transcripciones de otros compositores para piano.

Sonata en si menor (1853).

Entre sus obras pianísticas destacan los doce Estudios de ejecución trascendental (1851), las veinte Rapsodias húngaras (1846-1885; nº 20 sin publicar), los Seis estudios sobre un tema de Paganini (1851), el Concierto nº 1 en mi bemol mayor (1849; revisado en 1853), el Concierto nº 2 en la mayor (1848; revisado en 1856-1861), y las piezas que forman los tres volúmenes de Años de peregrinación (1855, 1858, 1877).

sinfonías Fausto y Dante (ambas de 1857) Les préludes (1854), La armonía y forma que empleó en sus últimos trabajos anticiparon la música de algunos compositores del siglo XX.

Rossini, Gioacchino Antonio

Nació el 29 de febrero de 1792 en Pesaro, estudió en el conservatorio de Bolonia. Es autor de 37 óperas, desdeDemetrio y Polibio (1806) hasta Guillermo Tell compuesta a los 37 años (1829). Su primera mujer, la soprano española Isabel Colbran, interpretó varias de sus primeras óperas. Sin lugar a dudas la ópera más famosa de Rossini es El barbero de Sevilla, escrita en Roma en 1816. Otras óperas suyas que figuran en el repertorio actual son L'italiana in Algeri (1813), Il turco in Italia (1814), La Cenerentola (1817), Semiramide (1823) y Comte Ory (1828). En 1831 Rossini dejó de componer óperas y durante el resto de su vida sólo escribió dos obras importantes, el Stabat Mater (1842) y La pequeña misa solemne (1864). A pesar de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del mundo operístico. Falleció el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia. su Rossini utilizaba el bel cantopara crear melodías alegres de gran brillantez y emotividad.

Schubert, Franz

(1797-1828), compositor austriaco cuyas canciones (Lieder) están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX.

Nació en Lichtenthal, cerca de Viena el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco maestro de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y comenzó a estudiar en Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en cuya orquesta tocaba el violín.

Sus primeras canciones, entre ellas Hagars Klage (1811) y Der Vatermöder (1811) impresionaron a sus maestros. Cuando cambió la voz en 1813, Schubert dejó el Konvikt y comenzó a dar clases en la escuela de su padre. Al año siguiente, escribió su primera ópera, Des Teufels Lustschloss, su primera misa (en fa mayor), y 17 canciones, entre las que se encuentran Margarita en la rueca. En 1820 Schubert escribió la música para el melodrama El arpa encantada, yLos hermanos gemelos (1820), un singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas) que no tuvo demasiado éxito. También compuso música religiosa como los Veintitrés salmos y el oratorio incompleto Lazarus. Un grupo de sus canciones se publicaron en 1821. Al año siguiente compuso la Sinfonía nº 8 en si menor, conocida como la Sinfonía inacabada (Sinfonía inconclusa), y la Misa en la bemol. . El ciclo de canciones La bella molinera lo compuso en 1823, y el Octeto y las Canciones de Sir Walter Scott en 1824. Durante los dos años siguientes Schubert compuso la Sinfonía nº 9 en do mayor, conocida como La grande (1825) y el ciclo de canciones El viaje de invierno (1827). De 1828 son la Misa en mi bemol mayor, el Quinteto para cuerda en do mayor, las tres últimas sonatas y el último grupo de canciones El canto del cisne, editadas tras su muerte. Murió en Viena el 19 de noviembre de 1828 de fiebres tifoideas.

Mendelssohn, Felix

(1809-1847), compositor alemán, una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.

Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy.

A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la oberturaSueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa 'Marcha nupcial' 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo. A pesar de su incansable actividad como pianista, director y profesor, Mendelssohn fue un compositor prolífico. De sus 5 sinfonías destacan la Sinfonía italiana (1833) y la Sinfonía escocesa (1843). Su música coral y para órgano, de las más destacadas del siglo XIX, incluye los oratorios Paulus (1836) y Elías (1846) para coro y orquesta, la cantata Erste Walpurgisnacht (La noche de Walpurgis, 1832, revisada en 1843), y sus sonatas, preludios y fugas para órgano, que constituyen la aportación más importante al repertorio de órgano desde Johann Sebastian Bach. Destacan asimismo las Variations sérieuses (1841) para piano, oberturas para concierto, conciertos para violín (1844) y para piano (1831, 1837) y ocho volúmenes de Romanzas sin palabras para piano (1830-1845), compuestas algunas por su hermana Fanny.

Chaikovski, Piotr Ilich

(1840-1893), compositor ruso, uno de los músicos más destacados del siglo XIX. Nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, en la zona de los Urales, estudió derecho en San Petersburgo y recibió clases de música en el conservatorio de esta ciudad. Entre sus profesores se encontraban el compositor y pianista ruso Anton Rubinstein (1828-1894) .

Obras en general:

El voivoda (1868). De esta época también datan sus óperas Undina (1869) y Oprichnik (1872), el Concierto para piano nº 1 en si bemol menor (1875), las sinfonías nº1 (Sueños de invierno, 1868), nº 2 (1873, más tarde revisada y tituladaPequeña Rusia) y nº 3 (Polaca, 1875) y la obertura-fantasía Romeo y Julieta (1870; revisada en 1870 y 1880). las óperas Eugenio Oneguín (1878) basada en una obra de Alexander Serguéievich Pushkin, La doncella de Orleans(1879), Mazeppa (1883) y La hechicera (1887); los ballets El lago de los cisnes (1876) y La bella durmiente (1889);Variaciones sobre un tema rococó en la mayor para violoncello y orquesta (1876) y el Concierto para violín en re mayor opus 35 (1878); composiciones orquestales como la Marcha eslava (1876), Francesca da Rimini (1876), Sinfonía nº 4 en fa menor opus 36 (1877), obertura 1812 (1880), Capricho italiano (1880), Serenata para cuerdas (1880), sinfoníaManfredo opus 58 (1885), Sinfonía nº 5 en mi menor opus 64 (1888), la obertura-fantasía Hamlet (1885)

Muchas de las composiciones de Chaikovski, como El cascanueces (ballet y suite, 1891-1892), el Concierto para piano nº 2 en sol mayor opus 44 (1880), el Cuarteto de cuerda nº 3 en mi bemol menor opus 30 (1876) y el Trío en la menor para violín, violoncelo y piano opus 50 (1882), siguen siendo populares entre el público. Sus obras más conocidas se caracterizan por tener pasajes muy melódicos con movimientos que sugieren una profunda melancolía que se combinan con otros extraídos de la música popular.

Offenbach, Jacques

(1819-1880), compositor francés, autor de operetas que parodiaban la política y las debilidades del Segundo Imperio de Napoleón III. Nació en Colonia, Alemania, y su verdadero nombre era Jacob Ebers. Adoptó el seudónimo de su padre, un judío nacido en Offenbach del Main, cerca de Frankfurt. Estudió vilolonchelo en el conservatorio de París y en 1837 trabajó como violonchelista en la Opéra Comique de esta ciudad, donde en 1853 se estrenó su primera opereta en un acto, Pepito. En 1844 se había casado con Herminie d'Alcain tras convertirse al catolicismo. En 1849 fue nombrado director del Théâtre Français y más tarde dirigió el teatro Bouffes-Parisiens (1855-1861) y el Théâtre de la Gaité (1873-1875). En 1875 ya había compuesto 90 operetas, la mayoría de ellas con libretos del escritor francés Ludovic Halévy. Las obras de Offenbach más interpretadas hoy son Orfeo en los infiernos (1858) con su famoso cancán, La Périchole(1868) y su ópera lírica Los cuentos de Hoffmann (1880, galardonada de forma póstuma en 1881) con su famosa barcarola. El estilo musical de Offenbach es alegre e ingenioso. Con sus operetas (término acuñado por él en 1856 paraLa rose de Saint-Flour) impuso un género que fue imitado por Johann Strauss hijo, Arthur Sullivan y Franz Lehár y por otros autores de musicales del siglo XX. El compositor no pudo ver el estreno de su ópera Los cuentos de Hoffmann,pues murió tres meses antes en París.

Grieg, Edvard

(1843-1907), compositor noruego. Fue el más importante de su país durante el siglo XIX. Nació en Bergen el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.

En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.

Mahler, Gustav

(1860-1911), compositor y director austriaco cuya obra marca el cenit de la evolución de la sinfonía romántica. Ejerció gran influencia en compositores del siglo XX como los austriacos Arnold Schönberg y Alban Berg.

Nacido el 7 de julio de 1860 en Kalischt (Kaliste en la actual República Checa), estudió música en el Conservatorio de Viena y filosofía en la universidad de esta capital. De entre sus sinfonías, la sinfonía no numerada Das Lied von der Erde(El canto de la tierra, 1908) y cuatro de las nueve numeradas incluyen voces solistas con o sin coro. De los ciclos de canciones Kindertotenlieder (Canciones de los niños muertos, 1902) y de la colección de canciones titulada Des Knaben Wunderhorn (1888) hay versiones con acompañamiento orquestal y de piano. Las Lieder eines fahrenden Gesellen(Canciones de un camarada errante, 1883) tienen acompañamiento orquestal. También compuso canciones para voz y piano y una décima sinfonía, que dejó inacabada pero de la que existen varias versiones terminadas por otros músicos.

La obra de Mahler supone la máxima evolución de la sinfonía romántica "Para mí", solía decir, "componer una sinfonía equivale a un acto de creación del mundo". Sus sinfonías más breves (nº 1 y nº 4) tienen una duración de una hora y la más larga (la nº 3 en seis movimientos) de más de hora y media, con un primer movimiento de 35 minutos. Al mismo tiempo, a principios del siglo XX, Jean Sibelius también se replanteaba la forma musical de la sinfonía, aunque en dirección opuesta: condensando y destilando la materia musical.

Rodrigo, Joaquín

(1901), compositor español, el más famoso del periodo franquista. Se consagró en 1940 con la primera interpretación de su Concierto de Aranjuez.

Nació en Sagunto (Valencia). Quedó ciego de niño y empezó sus estudios de música relativamente pronto. Se creó un puesto en la universidad para él (1947), fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1950), se le concedieron la Cruz de Alfonso X el Sabio (1953) y la Cruz de la Legión de Honor (1963) y fue elegido miembro de la Academia Latinoamericana (1968).

Rodrigo continuó componiendo piezas vocales e instrumentales sin grandes cambios estilísticos dentro de su 'neocasticismo', según se califica el propio compositor. Es conocido sobre todo por sus obras para guitarra, aunque también compuso música para otros instrumentos, así como ópera y música coral. No consiguió repetir el éxito delConcierto de Aranjuez, pero algunas obras para guitarra y la Fantasía para un gentilhombre, para guitarra y orquesta, han cosechado éxitos considerables.

Pese a que era el mejor representante de un cierto periodo de la música española, ningún otro compositor ha seguido sus pasos y hay críticos que consideran que ha tenido un efecto negativo en el desarrollo de la composición musical de su país.

XIII

Los más prestigiados Maestros de La Música Clásica de la Historia

http://html.rincondelvago.com/compositores-clasicos_2.html

Nombre de grandes Orquestas

Wiener Philarmoniker

Berliner Philarmoniker

Concertgebow Orchestra, Amsterdam

London Symphony Orchestra

Philarmonia Orchestra

Cleveland Orchestra

Chicago Symphony Orchestra

Boston Symphony Orchestra

New York Philarmonic

Philadelphia Orchestra

http://mx.answers.yahoo.com/question/index?qid=20070714224331AAOErxw

Teresita Carreño

María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño García, (Caracas, 22 de diciembre de 1853 - Nueva York, EE.UU., 12 de junio de 1917), hija de Manuel Antonio Carreño y de Clorinda García de Sena y Toro. Fue una pianista, cantante y compositora venezolana. Ha sido denominada por muchos expertos como la pianista más prolífica de América Latina durante los siglos XIX y XX, y una de las pianistas y compositoras más importantes del mundo, considerando lo inusual de que una mujer de su época se dedicara a esa profesión.

Inició sus estudios de piano con su padre y los continuó con Julio Hohené. El 25 de noviembre de 1862 con apenas 9 años de edad, dio su primer concierto en el teatro Irving Hall de Nueva York. Asimismo, en esta importante ciudad norteamericana recibió lecciones del famoso pianista norteamericano de origen alemán Louis Moreau Gottschalk. Luego de pasar una temporada en La Habana (Cuba) y Estados Unidos donde tocó en la Casa Blanca para el presidente Abraham Lincoln, se radicó en París (1866). Allí tocó ante Pedro Roberto José Quidant, Gioacchino Rossini y Frank Liszt, quien propuso darle clases si se trasladaba a Roma, lo que no pudo llevar a cabo por razones económicas. Residenciada en París, inició su carrera de concertista que la llevó a visitar todos los países de Europa, Estados Unidos, Australia, Nueva Zelanda y África del Sur, ejecutando importantes piezas clásicas y románticas, acompañada de las más importantes orquestas dirigidas por eminentes maestros.

En 1873 se casó con el violinista Emile Sauret, pero se divorció en 1875 para casarse al año siguiente, con el cantante de ópera Giovanni Tagliapetra. Posteriormente, con su segundo marido funda una empresa de conciertos, la Carreño-Donaldi Operatic Gem Company. A mediados de 1885, volvió a Venezuela luego de una ausencia de 25 años, al ser invitada por el presidente Joaquín Crespo a dar un concierto en Caracas. En 1886 durante el tercer período presidencial de Antonio Guzmán Blanco, conocido como la "Aclamación" (1886-1888), fue comisionada por el "Ilustre Americano" para organizar la siguiente temporada de ópera de Caracas. Sin embargo, en el desarrollo de esta comisión se presentó un problema cuando el elenco que contrató para tal efecto no tuviera la calidad requerida para la ocasión. Sumado a este fracaso, la sociedad caraqueña empezó a adoptar una actitud de rechazo hacia Teresa Carreño, por ser una mujer divorciada y vuelta a casar, lo que era para el momento un escándalo. Las circunstancias antes descritas, derivaron en el boicot de las óperas presentadas y por ende en el fracaso de la temporada de ópera en cuestión.

De regreso a Europa luego de cumplirse la sentencia popular que reza que "nadie es profeta en su tierra", Teresa Carreño se desempeñó como solista de la Orquesta Filarmónica de Berlín. En esta ciudad, donde había fijado su residencia, ya divorciada de su segundo marido, conoce al pianista Eugêne D'Albert con quien se casó se casó el 27 de julio de 1892, divorciándose luego por tercera vez en 1895. Finalmente, en 1901, se casaría por cuarta y última vez con su cuñado, Arturo Tagliapetra. Al estallar la Primera Guerra Mundial, inició una gira por España, Cuba y Estados Unidos donde falleció, víctima de un agotamiento general debido a los largos años de excesivo trabajo. Entre sus obras como compositora figuran: Himno a Bolívar; Saludo a Caracas; el vals A Teresita, dedicado a su hija; el Cuarteto para cuerdas en si bemol y el Bal en revé opus 26. Sus cenizas fueron traídas a Venezuela en 1938 y desde el 9 de diciembre de 1977 reposan en el Panteón Nacional. En su honor, el principal complejo cultural de Caracas, inaugurado en 1983, lleva su nombre.

Nace en Caracas el 22.12.1853.

Muere en Nueva York (Estados Unidos) el 12.6.1917.

Teresa Carreño

Ilustración realizada por Francisco Maduro.

http://www.venezuelatuya.com/biografias/carreno.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Carre%C3%B1o

JOROPO

El joropo es una forma tradicional de música y baile que identifica plenamente al venezolano. Antiguamente “joropo” se refería a una fiesta y con el pasar del tiempo se identifica más bien como una forma de música y baile.

El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los cantos y bailes más populares dentro del flamenco. El joropo parece haber tomado del fandango el sentido de la fiesta ó baile... abandonando el galanteo amoroso propio del fandango y adopta el asido de manos y los giros del vals... Así se conserva hasta ahora.

El joropo es caracterizado por ser tan mestizado como nosotros mismos, así encontramos que lo rítmico de la melodía, el acompañamiento de arpa y cuatro, y en la versificación literaria observamos la presencia europea. En la melodía independiente identificamos la presencia del negro y en la estampa de las maracas identificamos la huella indígena.

El joropo no solo es un estilo musical, también es baile y danza, y representa además una fiesta popular, es un baile alegre que divierte y reúne a sus participantes, en cada zona geográfica toma su propia esencia, y desarrolla diferentes paso y figuras en el baile, existiendo sin embargo figuras básicas que los identifican.

Las principales figuras del joropo son el valsiao, el escobillao y el zapatiao. El primero se da en el inicio del baile, en el vals las parejas se abrazan suavemente recorriendo el espacio de baile en tres tiempos propios del vals, dan vueltas rápidas en giros espirales. El siguiente, el escobillao, es una figura donde los bailarines colocados de frente mueven los pies a manera de cortos avances y retrocesos como si estuvieran cepillando el suelo. El tercero, el zapatiao, es una figura varonil y se realiza por la pareja sin soltar el abrazo ó sueltas completamente como es propio en los llanos, en esa figura el hombre hace sonar sus pisadas del fuego mientras la mujer se limita a escobillar.

En el país identificamos, el joropo llanero, central y oriental. Igualmente en la región de Guayana, centro-occidental y de los andes se encuentra en cada una un tipo de joropo con características especificas que identifican la región.

El Joropo Llanero se caracteriza por tocarse con arpa de cuerdas de nylon, cuatro y maracas, sin embargo en muchas ocasiones se sustituye el arpa por la bandola llanera.

El Joropo Central se toca con arpas de cuerdas de metal, maracas y buche (voz), el cuatro como instrumento acompañante desaparece lo que da origen a una sonoridad mas melodiosa pero menos rítmica.

En el Joropo Oriental se adicionan otros instrumentos como la guitarra y el bandolín, el cuatro y algunas veces el acordeón y algunas veces la cuereta que es un tipo de acordeón pequeño de origen europeo. El joropo oriental se denomina también golpe.

Cualquiera que sea la modalidad el Joropo es nuestra música y baile tradicional más representativo, orgullo de nuestra patria y producto de nuestras vivencias y mestizaje.

http://www.venezuelatuya.com/tradiciones/el_joropo.htm

GAITA

Es una composición que tiene el arte de combinar el contenido de un tema que tiene una estructura formal de estrofa-estribillo, el cual el primero es entonado por un solista y el segundo por el coro; en las estrofas se utilizan cuatro versos y en el estribillo de 4, 6 u 8 versos, ambos de métrica octosílaba, aunque pueden utilizarse combinaciones de versos. La base rítmica es de 6 X 8, 6 X 12, 6 X 14, 8 X 16, también de métrica regular e irregular, rima asonante o consonante. Es decir, que en estructura, métrica, rima y cadencia pueda ser interpretada por un conjunto gaitero atendiendo la forma tradicional en su interpretación.

La gaita zuliana es un ritmo musical original del estado Zulia enVenezuela. Hoy en día es un género que se relaciona con la Navidad en toda Venezuela y en las comunidades de venezolanos alrededor del mundo en versiones de sus idiomas (porejemplo español, inglés,francés, turco, alemán, italiano, portugués y japonés entre otros). Como género musical popular se canta en grupo formado por hombres y mujeres.

Según Joan Corominas, la palabra "gaita" procede del gótico gaits(aunque aún no está muy definido), término que también utilizan las lenguas del oriente europeo (gaida en Hungría, gainda en Creta ogayda en Yugoslavia), que significa "cabra", ya que de la piel de este animal se realiza la membrana de "furro" o "furruco", instrumento emblemático de la gaita.

Los temas que tratan los intérpretes de este género van desde cantos al amor y figuras religiosas hasta temas jocosos y de denuncia. El elemento político también es protagonista de muchos temas.

http://es.wikipedia.org/wiki/Gaita_zuliana#Definici.C3.B3n_de_gaita_zuliana

OJOOOOOOOOOOOOOOOOO VARIOS…

http://ve.kalipedia.com/geografia-venezuela/tema/musica.html?x=20080802klpgeogve_32.Kes&ap=1

Aguinaldos y Villancicos

En Venezuela, los villancicos y aguinaldos casi siempre se refieren a lo mismo, pero hay diferencias, por ejemplo los villancicos son más reconocidos como cantos religiosos que tienen que ver con la Navidad y la vida de Cristo, mientras que los aguinaldos tienen que ver con las parrandas navideñas y con letras más populares.

En Venezuela el aguinaldo llego con la Misa de Aguinaldo, Novena de Navidad y la Misa de Gallo, donde la Iglesia católica conmemora el Nacimiento del Niño.

Villancicos y aguinaldos venezolanos:

- Adorar al niño

- Amanece

- Burrito Sabanero

- Din, din, din

- El Tamborilero

- Espléndida noche

- Noche de paz

- Feliz Navidad

- Feliz Año

- Niño lindo

- Ya vienen los reyes

- A ti te cantamos

- Aguinaldo margariteño

- Alegre cantemos

- El guatacaro

- El poncho andino

- En tus manos

- Luna decembrina

- Cántico de navidad

- Villancico venezolano

http://www.actualidad-24.com/2010/11/villancicos-y-aguinaldos-venezolanos.html

Orquestas Venezolanas

Hemos estado hablando de las más famosas orquestas venezolanas que en las décadas de los sesenta y setenta, amenizaron con mucho éxito, nuestras fiestas de carnaval, así como otras en nuestro territorio colombiano. Pero, adentrándonos más en el asunto, vale la pena también hablar un poco de esos vocalistas que se encargaron de popularizar muchas canciones que marcaron la pauta en esas épocas.

En la Orquesta Los Melódicos, el show se lo robaba El Ciclón Antillano Manolo Monterrey, quien en vida respondió al nombre de Manuel Dagoberto Alemán Monterrey. Poseedor de una voz educada y muy bien timbrada.

Nació un 10 de Marzo de 1.914, en Santa Clara, provincia de Las Villas, Cuba. Allí se hizo cantante e interpretando la guitarra, realizó sus primeras presentaciones en público. A los 24 años, emigró a Caracas, Venezuela, conformando en el año 38, un trío de guitarras, cuyo repertorio era música Cubana.

Además de buen cantante, Manolo se hizo conocer en la nueva tierra que tomó como suya por el resto de sus días; fue un talentoso compositor que dejó para la historia musical de Venezuela y Colombia, letras que se ahondaron en nuestro sentimiento popular, porque reflejaban las vivencias y anhelos de un pueblo que buscaba, a través de las expresiones musicales, un medio para descargar sus angustias, zozobras, alegrías y esperanzas.

En el año 42, el Mago de la música bailable en Venezuela, Luis Alfonso Larraín, lo incorpora como vocalista del género antillano en su gran orquesta de baile. Manolo se une, en esta agrupación a una constelación de estrellas, donde se destacaban, Ada Alba, Carmen Chirino, Trino Fiol, Luisin Landaez, Kiko Mendive, Carlos Torres, Tony Camargo, y el cubano Orlando Vallejo, entre otros.

Monterrey no sólo actuaba como un cantante que imprimía alegría y soltura a sus interpretaciones, sino que además, se realizaba como un compositor de éxito. Prueba de ello lo constituye el tema “Te caigo a tiros“, cuya versión la realizó magistralmente Luisin Landáez.

En el año 1.945, y luego de haberse retirado el guarachero Víctor Pérez de la orquesta Billo´s Caracas Boys, se unió a ésta como cantante estelar. En esta agrupación permanece inalterablemente hasta finales del 56, cuando, por razones de orden personal, se disuelve la orquesta que había fundado Frómeta en un 31 de Agosto de 1.940.

Junto con el famoso bolerista Rafa Galindo y el pianista y arreglista Stelio Bosch Cabrujas, funda en 1.957 la agrupación musical conocida como Los Guaracheros de Manolo. Con este grupo inician giras por Centroamérica. Una vez disuelta la agrupación, se incorpora a la orquesta de solistas de Chucho Sanoja, donde alterna con los ya consagrados Nelson Pinedo, Kiko Mendive, Pipo Rivas, Daniel Montesdeoca, Baldomero León, Rafa Galindo, Víctor Piñeros, Víctor Pérez, Héctor Barinas, Alberto Beltrán, y otros más.

En 1.962, el empresario de orquestas Renato Capriles, lo lleva como guarachero a Los Melódicos. Sus éxitos confirmaron una vez más, su calidad interpretativa. De esta importante etapa de su vida profesional, quedaron los más importantes temas de la historia musical popular de todos los tiempos, en Venezuela. Alejado de Los Melódicos, conforma la orquesta Los Armónicos, junto a Rafa Galindo, Stelio Bosch Freddy Coronado y Oscar Santana. En 1.975 regresa a su vieja casa Los Melódicos, donde permaneció hasta 1.985.

Manolo Monterrey estuvo en la escena musical hasta el momento de su muerte, un lunes 25 de agosto de 1.997, luego de una prolongada enfermedad.

Recordemos a Manolo Monterrey, escuchándolo en un número grabado con Los Melódicos de Capriles, y de la autoría del compositor colombiano Lucho Bermúdez Acosta, en una excelente versión: Los primos Sánchez.

En el mismo orden de ideas, seguimos con la salsa venezolana, aquellos temas que nos deleitaron desde los finales de los sesenta hasta mediados de los ochentas.

Siempre he sido un enamorado de las orquestas venezolanas, no sólo de salsa sino de música tropical como la Billos Caracas Boys, los Melódicos, los Blanco, Pastor López, Nelson Henríquez, Willy Quintero, el Súper Combo Los Tropicales, San Sousí, Chucho Sanoja, Orlando y su combo, entre otras.

Pero volviendo a lo que nos atañe: la salsa, destaco que cada una tuvo su propio estilo y dejó un legado a los salseros tradicionales en el Caribe colombiano.

Quién no oyó “juégale Nelson” cuando sonaba la orquesta de Nelson y sus Estrellas. Fue una época maravillosa, de la cual aún recordamos cuando escuchamos los discos de la Dimensión Latina, Ray Pérez, Oscar De León, el Sexteto Juventud, Federico y su Combo Latino, la Selección Quinta, el Clan de Víctor, Cheché Mendoza y sus Satélites, Nelson y sus Estrellas, entre otros.

Sin duda Colombia fue el destino predilecto de las orquestas venezolanas. El Festival de Orquestas de Barranquilla se hizo grande gracias a la presencia de estos grandes artistas, los cuales siempre resaltaron el apoyo que les dio el pueblo colombiano a su música.

Yo sé que cada uno de ustedes tuvo su orquesta favorita. Particularmente la mía fue Nelson y sus Estrellas, por ser una agrupación diferente a las demás. Utilizó letras muy sencillas y les introdujo arreglos muy tropicales que fueron del gusto de muchas personas.

Quién no se acuerda temas duros como el “Ritmo de allá”, “El rey del ají”, Aprieta el tumbao”, Cumban p´al Monte”, “Mi Montuno”, Bailaderos y otros de corte tropical como “Besitos del corazón”, Payaso, La Sirena” “Luna de río”, “El Porro”, El Forastero”, “Llorándote”, etc.

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La Dimensión Latina, liderada por Oscar De León y el trombonista Cesar Monge, más conocido como “Albóndiga”, fue sin duda la orquesta que llevó la salsa venezolana al punto más alto. La puso a la par de las mejores orquestas de Nueva York y Puerto Rico de ese entonces.

Quién no gozó con “Llorarás”, “Vueltas y vueltas”, Sin tu cariño” “Taboga” “Que bailen Tos”, “Sigue tu camino”, “Compadre querido”, entre otros.

Cantantes como Vladimir (bolerista), Rodrigo Mendoza, Argenis Carrullo y el mismo Oscar De León, se hicieron sentir con la Dimensión Latina, la que sirvió de albergue musical para Andy Montañez, después de su sorpresiva salida del Gran Combo de Puerto Rico.

Pero qué pasó con la salsa venezolana después de la segunda mitad de la década de los 80. Porqué desaparecieron de la escena musical esa cantidad de orquestas de gran calidad. Esa es una pregunta que queda ahí para ser resuelta.

Recuerdo que sino fuera por Naty y su Orquesta, la que impuso el éxito “Amor Anónimo” en los 80 y Amilcar Boscán con “Apariencias”, Venezuela hubiera desaparecido del ámbito salsero. Años después, con la llegada de la salsa romántica, la juventud hizo su aporte con los trabajos musicales de Adolecentes Orquesta, Salserín, Servando y Florentino, y en la actualidad Bazil Alexander, quien pegó recientemente en Colombia los temas “Llueve Otra vez y “Es tarde Ya”.

Luis María Frómeta (Billo):

Luis María Frómeta, mejor conocido como Billo, creador de la orquesta, nace el 15 de noviembre de 1915 en la ciudad de Santo Domingo, capital de la República Dominicana. Años después se traslada, junto a su padres y hermanos, a residenciarse en San Francisco de Macorís, ciudad del interior de la república. En la escuela primaria era materia obligada la música, asistiendo diariamente a la academia antes de entrar a clases.

En esa academia aprende teoría y solfeo con el profesor Sixto Brea, armonía y composición con el profesor Rafael Pimentel y saxofón y clarinete con el profesor Oguis Negrete.Conoció en esa academia a dos compañeros que fueron sus grandes amigos: Simón Damirón y Rafael Minaya (Tatán).

Billo a los 15 años fue fundador y primer director, con el grado de Capitán, de la Banda del Cuerpo de Bomberos de Ciudad Trujillo, compuesta por 48 profesores. Lo que fue una buena oportunidad para practicar y ampliar sus conocimientos de armonía y composición, así como sus pasos en el campo de la instrumentación. También fue fundador de la Orquesta Sinfónica de Santo Domingo.

En el año 1933 se traslada de nuevo a la capital y comienza a dar clases de guitarra a domicilio, hace arreglos pequeños para conjuntos musicales y es cuando conoce a un amigo invalorable que le proporcionó trabajo en un teatro como saxofonista en la orquesta que acompañaba a los artistas que pasaban por la ciudad. Este joven brillante, estudiante de violín no era otro que Freddy Coronado, quien lo anima a formar un grupo que se llamó Conjunto Tropical y que trabajaba en la emisora de radio HIN.

La reunión de Freddy Coronado, Simón Damirón, estudiantes de Ingeniería, Ernesto Chapuseaux y el Maestro Billo, estudiantes de Medicina, dio como resultado la formación de una orquesta de baile que se denominó Santo Domingo Jazz Band, la cual fue dirigida por Damirón al principio y luego por Billo, al irse el primero a vivir a Puerto Rico.

Billo al ingresar a la Universidad de Santo Domingo como estudiante de Medicina tuvo que abandonar toda actividad musical hasta que su inclinación natural lo obligó a retirarse a los tres años de estudio, dedicándose por completo a sus funciones como director de orquesta.

Billo y sus compañeros de orquesta parten de Santo Domingo el 26 de diciembre de 1937, del Puerto del Río Ozama a bordo de un barco llamado «Sordwagen», teniendo que viajar en la carbonera, sin comida ni la más mínima atención, teniendo que comer naranjas, pan, queso y algunas cosas más para alimentarse durante el viaje.

Según las palabras del propio Maestro Billo Frómeta, la orquesta no era sino una copia de las de moda en aquel entonces: Orquesta de Rafael Muñoz de Puerto Rico y la Casino de la Playa de Cuba.

A Venezuela llegaron el 31 de diciembre de 1937, para tocar en el Roof Garden, primer local danzante de prestigio en la Caracas de entonces, ubicado en pleno centro de la ciudad, en la esquina de La Torre, frente a la Plaza Bolívar. Los hermanos Sabal, dueños del Roof Garden, decidieron cambiarle el nombre de la orquesta por el de Billo’s Happy Boys. Este cambio de nombre produjo protestas en la República Dominicana porque se evitaba la mención de la capital de aquel país. Este inconveniente y la prórroga consecutiva del contrato fueron obligando a los músicos y cantantes a permanecer en la ciudad de Caracas, cada uno de los integrantes de la orquesta ganaba 73 bolívares. Incluyendo al director. Para aquella época no había programas de radio con orquesta, por lo que Billo se limitaba a sus actuaciones en el Roof Garden todos los día, menos los lunes, de 10 de la noche a 4 de la madrugada, más el Vermouth Danzante de los domingos entre las 12 del mediodía y las 5 de la tarde. Radio Caracas transmitía los bailes.

En 1939 Billo se vio afectado por el tifus, los médicos dijeron que era imposible salvarlo. La orquesta se disolvió.

Pero Billo hizo quedar mal a los médicos y meses después, tras haber perdido el cabello, volvió a tomar la batuta y el saxofón.

En 1958, a la caída del gobierno del General Pérez Jiménez, Billo sufrió una serie de ataques, quizá desatados por la envidia ante los éxitos que cosechaba, teniendo que enfrentar demandas y hasta un veto por parte de la Asociación Musical de D.F. y Estado Miranda, prohibiéndole actuar de por vida en Venezuela.

El maestro Billo Frómeta se va a Cuba donde realiza algún trabajo musical y graba con una orquesta integrada por músicos de la isla.

En esa breve época de Billo en Cuba son varias las grabaciones que se editan en Venezuela con los sellos disqueros «Sonus» y «Venevox», en las cuales cantan Víctor Piñero, Alberto Beltrán, Pío Leiva, Carlos Díaz, etc.

En mayo de 1960 regresa Billo a Caracas y le es levantado el veto en una asamblea de la Asociación Musical convocada para tal fin, que en su mayoría vio como injusta y personal la medida en contra del Maestro.

Su gran ilusión se iba a cumplir el día 28 de abril de 1988, dirigiría la Orquesta Sinfónica de Venezuela en el majestuoso Teatro Teresa Carreño, en el marco del homenaje que por sus cincuenta años de vida artística en Venezuela le brindaría Caracas, esa Caracas a la que tanto le cantó, sus mejores amigos y artistas que le acompañaron durante su carrera musical, iban a cantarle en un concierto en su honor.

Pero un día antes, el 27 de abril de 1988, cuando termina el ensayo de la canción «Un Cubano En Caracas» sufre un derrame cerebral, la emoción que le produjo el momento, lo hizo desplomarse ante la mirada de los músicos que minutos antes lo aplaudieron de pie. El Maestro Billo muere una semana después, el 5 de mayo de 1988.

Con la muerte del Maestro Billo se cierra una página importante en la historia musical venezolana, por cuanto su orquesta animó el espíritu nacional y le enseñó a querer no solo a la música nativa, sino también el excepcional merengue de su tierra que llevaba en su sangre, en su oído musical y componía con extraordinaria facilidad cada una de sus canciones o piezas musicales que luego interpretaría con su famosa orquesta Billo’s Caracas Boys.

El Maestro Billo ocupó en vida y ocupará por siempre, un lugar muy especial en el mundo de la música popular latinoamericana.

Fue músico de nacimiento, intuitivo en el sentido de que aún descartando sus muchos años de aprendizaje teórico y la constante práctica y ensayo, llevaba en su sangre el don melódico y rítmico, además era observador estudioso de la idiosincracia popular, la que siempre supo captar genuinamente y traducir al pentagrama con sencillez, por eso triunfó una y otra vez por encima de los obstáculos que se le presentaron en su agitada carrera musical de 50 años en Venezuela y el mundo bailador.

Esta fue la vida de un hombre que se convirtió en el gran personaje de la música bailable de Venezuela, que compartió gratos momentos con su música y ha sido el más aplaudido director de orquesta en Venezuela con su orquesta Billo’s Caracas Boys, la orquesta más popular de Venezuela

La orquesta Billo’s Caracas Boys nace el 31 de agosto de 1940. Después de la disolución de la Billo’s Happy Boys y de varios contratiempos y afecciones de salud, Billo Frómeta organiza su orquesta y debuta en el Roof Garden. Ese día se da inicio a la trayectoria más larga y completa que alguna orquesta haya desarrollado en Venezuela y en otras partes del mundo.

En el nacimiento de la orquesta Billo’s Caracas Boys, fueron parte interesante el cantante Kuroky Sánchez y el saxofonista y violinista Freddy Coronado, el bolerista era César Espín.

Al terminar su contrato con el Roof Garden fueron llamados para inaugurar un local cuyos dueños eran Roberto Levy y Luis Plácido Pisarello, su nombre Sans Souci, los cantantes eran Víctor Pérez y Rafa Galindo.

Para los años 50 la orquesta Billo’s Caracas Boys competía con los grandes de la canción popular como Luis Alfonso Larrain, Pedro J. Belisario, Aldemaro Romero, Chucho Sanoja, Rafael Minaya, la Orquesta Aragón, la Sonora Matancera y Dámaso Pérez Prado, entre otros.

El primer programa de radio famoso en Venezuela, en cuanto a lo musical se refiere, fue «A gozar muchachos», que presentó Radio Caracas a las 5 de la tarde desde el año 1945 hasta 1957. Otros programas radiales que tuvieron a la Billo’s Caracas Boys como atracción principal fueron: Variedades ESSO, Refresco Musical Coca Cola, Fiesta Fabulosa, Hora íntima con Billo Frómeta, Dancing Sociedad, Aplauso al Mérito, La Canción Palmolive, A Gozar Fortuna y Gran Reserva Musical. Los programas que actualmente se escuchan en las radios del país son: Una Hora con Billo, Billo en Continente, Billo y Algo Más, y Melocolobillo.

La orquesta Billo’s Caracas Boys actuó en los más vistos y exitosos programas de televisión: La Revista de Billo (1954), Cita con Saume (1960), Esta Noche Billo (1961), El Show del Pueblo (1969), De Fiesta con Venevisión (1970) Gane y Siga con Musiú y Sábado Sensacional (1970/1994).Con Billo ha estado toda una constelación de estrellas de la animación y locución, en las presentaciones por radio, salones de baile y estudios de televisión que a continuación mencionamos: Luis Plácido Pisarello, José Matías Rojas, Magin Pastor Suárez (fundador y creador del programa «A Gozar Muchachos), Amable Espina, Víctor Saume, Marco Antonio Lacavalerie, Henry Altuve, Rubén Darío Villasmil, Delio Amado León, Juan Francisco Rodríguez (quien bautizó la orquesta con el eslogan («La Más Popular de Venezuela»), Jesús Adolfo Maldonado, Guillermo Rodríguez Blanco (Julián Pacheco), Héctor Hernández Vera, Amador Bendayán, Gilberto Correa, Enrique Bolívar Navas, Rudy Márquez, Carlos Guzmán, Eva Gutiérrez y Daniel Sarcos.

Como resultado de una serie de medidas aplicadas contra el Maestro Billo, la orquesta paraliza sus actividades en 1958, para volver a reunirse y reaparecer el 14 de julio de 1960. Allí empieza lo que Billo llamaba jocosamente la tercera república, es decir la tercera etapa de su actividad musical en Venezuela.

Fue la época en que Billo presenta como bolerista a Felipe Pirela, joven marabino de 17 años, quien venía de actuar con la orquesta Los Peniques en el famoso Show de las Doce, animado por Víctor Saume, y como guarachero a Cheo García.

Uno de los primeros éxitos de Felipe Pirela fue el bolero de Italo Pizzolante «Puerto Cabello», así como también «Caraqueñita», «No Vale la Pena», «Por la Vuelta», «Para qué recordar», «Quisqueya», Pobre del Pobre», El Malquerido», «Sombras» y los Mosaicos del 1 al 10, con los cuales inició una serie interminable de éxitos a nivel nacional e internacional.

Por su parte Cheo García se convirtió en uno de los guaracheros más populares de toda la región del Caribe, infinidad de actuaciones y grabaciones (más de 400) que se convirtieron en grandes éxitos discográficos, siendo las más populares «Ariel», «La Vaca Vieja», «Compadrito», «Caballo Alazán, «Al Paso», «Bacosó», «Jardinero», «Canto a Caracas», «Pájaro Picón» y los Mosaicos, del 1 al 48, etc.

La primera grabación de Cheo García con la orquesta Billos fue el tema musical «El Pájaro Chogüi», popularizado por Néstor Zavarce. Antes de irse Felipe Pirela el Maestro Billo había reforzado su magnífica pareja de cantantes con otro maracucho, Joe Urdaneta y compuso la canción «Tres Regalos», dedicada a Maracaibo. Al irse Felipe Pirela, entra José Luis Rodríguez, quien había formado parte del grupo Los Zeppys, en septiembre de 1963, sin sospechar nadie, ni él mismo, que se convertiría en el gran cantante hispano-americano que ha llegado a ser mundialmente famoso.

José Luis Rodríguez permaneció con la orquesta Billo’s Caracas Boys por espacio de tres años, hasta 1966. Siendo sus grandes éxitos «»Vida Consentida», «Quiero Verte Una Vez Más», «Charlemos», «Tarde Gris», «Nada», «Un Cigarrillo, la Lluvia y Tú», «Y qué Quieres», «El Mundo», «Nuestro Balance» y muchas otras.

Al retirarse José Luis Rodríguez, en el año 1967, entra en la orquesta con una figuración muy breve el cantante Nelson Henríquez, después siguieron en el mismo año 67, Rafel Araque, Humberto Zárraga, quien estuvo en la orquesta hasta 1968, y Rafa Galindo de 1968 a 1969 siendo esta sus tercera etapa, ya que también estuvo de 1940 al 1946 y de 1952 hasta 1957

A la salida de Joe Urdaneta, ingresa a la Billos otro maracucho Memo Morales quien si tuvo una actuación prolongada y exitosa que duró 12 años, con voz y talento especial para cantar los aires españoles, razón por la cual se le llama «El Gitano Maracucho» logrando éxitos como los pasodobles «Fea», «Ni Se Compra Ni Se Vende», «Cuña Cañi», «Si Vas a Calatayud», «Adiós España», y los boleros morunos «Niña Isabel», «Te Lo Juro Yo», «Mambo Moruno», entre otros.

En los años 70 continúan los triunfos de la orquesta Billo’s, siguen actuando los cantantes Cheo García y Memo Morales, es el momento cuando el 15 de julio de 1971 entra el bolerista Ely Méndez, quien ha quedado de manera permanente, ya tiene 24 años consecutivos en la orquesta.

Ely Méndez graba su primer L.P con Billos el 19 de octubre de 1971, que se tituló «Billo’s 72» cantando el bolero de Román Martínez»Por Qué» y «Nocturnal» de José Sabre Marroqui, en el Mosaico No. 29.

Con la orquesta Billo’s Caracas Boys, desde su fundación han estado los cantantes Kuroki Sánchez y César Espín (fundadores en el año 1940), Víctor Pérez, Rafa Galindo, Manolo Monterrey, Miguel Briceño, Alcy Sánchez, Marcvo Tulio Maristany (que grabó ocasionalmente), Luisín Landáez, Rafa Robles, Cheo García, Yayo Montes, Felipe Pirela, Joe Urdaneta, Memo Morales, Gustavo Farrera (que entra por Memo Morales en al año 1967), José Luis Rodríguez (que entra por Felipe Pirela en septiembre de 1963), Oswaldo Delgado, Ender Carruyo (que entra por Cheo García en 1981), Raúl Mora, Abel García, Erick Francheschi, Renzo Lares, Luis Múñoz, Jesús Whette, Freddy Laya, Chuchú Bravo, Jesús Briceño, Jorge Suárez, Abraham Casanova, Wolfgann Perdomo, Cheo Mijares, Marío Roco, y en la actualidad Ely Méndez, José Lugo, José Martínez y Milton Pereira.

En febrero de 1986 la orquesta Billos es contratada para actuar en los Carnavales de Tenerife - Islas Canarias.En Santa Cruz de Tenerife, la capital, la gente se aglomeraba a las puertas de la plaza de toros, mucho tiempo antes de que abrieran y una vez dentro, con la orquesta Billo’s Caracas Boys aquello se convertía en una locura colectiva. También fue memorable la actuación en la Plaza España con un público de más de 250.000 personas.En los años 87 y 88 la orquesta fue incluida en el libro de Récords Guinness, la Billos actuó por 7 años consecutivos en los Carnavales de las Islas Canarias

La discografía de la orquesta Billos es una de las más extensas dentro del catálogo venezolano. La lista que presentamos a continuación no incluye todas las ediciones ya que son muchas las selecciones y recopilaciones que se han hecho. En esta lista, sin embargo, se incluyen las grabaciones que se hicieron con el nombre de Billo’s Happy Boys, Billo’s Caracas Boys, y Orquesta Billos, además de algunas producciones apartes dirigidas por el Maestro Billo Frómeta.

Las primeras de ellas fueron realizadas en acetato a 78 revoluciones por minuto, la gran mayoría sin embargo fueron ediciones hechas como «Long Play» (LP) o discos de larga duración, a 33 1/3 rpm. Sin embargo una gran parte de las viejas grabaciones, así como las nuevas, se consiguen en Disco Compacto (CD).

Grabaciones editadas por la R.C.A. Victor

Billo’s Happy Boys / Recordando al Roof Garden / Epoca de Oro de Billo (5 volúmenes) / Aquellos Boleros de Billo

Grabaciones editadas por Sonus

Nocturnal (Alfredo Sadel - Orquesta dirigida por Billo Frómeta) / Billo en Hi-Fi / Fiesta con Billo / Billo - Miltiño / Billo and his Salon Orchestra / Carnaval con Billo (Canta Víctor Piñero) / Billo, su inspiración, sus intérpretes

Grabaciones editadas para el sello Venevox

Evocación / La Lisa - Maracaibo / Tres Viejos Amigos (Grabado en Nueva York, en los estudios Beltone Recording Corporation el 13 de julio de 1959) / Baile en Carnaval / Navidad con Billo / Oyendo a Billo / Billo presenta a Candita Vásquez

Grabaciones editadas por Gramsa (Serfaty)

Exitos de Billo / Mi música es para ti / 25 años con Billo / Para bailar con la Billo’s Caracas Boys

Grabaciones editadas por Caraballo Gramcko

Paula (Grabado el 20 de octubre de 1960

Grabaciones hechas en Discomoda

Comunicando / Pobre del pobre / Canciones de ayer, hoy y siempre / Tres Regalos / Historia de mi Orquesta / Esta Noche Billo / Mosaico a la Billo, Volumen I / Impactos de Billo / Recordando a Felipe Pirela con Billo / Lo Mejor de la Más Popular de Venezuela / 11 Intérpretes de Billo / Lo mejor de la época de oro de Billo / Superéxitos de la más popular de Venezuela Billo’s Caracas Boys / Lo Mejor de Cheo García con Billo

Grabaciones hechas en Fonograma

Billo en Fonograma / Mosaico 10 / 2 sets con Billo / Billo en Colombia / Mosaico a la Billo, Volumen II / Billo en Santo Domingo / Cantares de Navidad / Billo en Puerto Rico / El Yo-yo / Billo y su Música / Fin de Año / Mosaico 17 / Niña Isabel / Voces de Billo - José Luis el Galán Cantante / Voces de Billo - Memo Morales el Gitano Maracucho / Voces de Billo - Cheo García el Idolo del Saladillo / Viva Memo y Olé / Cumbiando con Cheo / Nuestro Balance / Anoche No Dormí / Exitos de Billo / Desde 1937 a 1966 bailando con Billo / Resumen de éxitos / La Renga / Felices Fiestas / Se Necesitan Dos / Billo y su Ritmo / La Rubia y la Trigueña / Carnaval con Billo / Album Canto a Caracas (Orquesta de Cuerdas de Billo Frómeta)

Grabaciones hechas en Discoteca

Todo lo que tengo / Billo 69 / La más popular de Venezuela / Billo 70 / El Pajarillo / Billo Canta Sus Canciones / Billo 71 / La Onda de Billo / Billo 72 / Mosaico a la Billo, Volumen III / Billo Contra Sonora / Billo 72 1/2. / Billo & Sonora, Volumen II / Billo 73 / Billo & Sonora, Volumen III / Billo 73 1/2. / Mosaicos a la Billo del 30 al 35 / Billo Versus Dimensión / Billo 74 / Billo 74 1/2. / Billo 75 / Billo 75 1/2. / Billo 76 / Doctores en Ritmo, Billo y Miltiño / Exitos de Memo Morales con Billo / Billo 76 1/2. / Billo 77 / Billo 771/2. / Billo 78 / Billo 78 1/2. / Billo 79 / Billo 79 1/2. / Billo 80 / Billo 80 1/2. / Billo Costa Colombiana / 20 Exitos con Billo

Grabaciones editadas por Disqueras Unidas - Velvet

Billo Ayer, Hoy y Siempre / Fiesta con Billo / Cocktail Musical «Billo» / Y Para Todo el Año / Billo y sus Invitados / Billo 81 1/2. / Billo es Billo / La Nota de Billo / A Gozar Muchachos / La Verdad Billo es Billo / La Gata Borracha / Caracas Quiere Una Gaita / Billo en Meridiano / Oye a Billos / Nuevo Circo / A Gozar Muchachos, Volumen II / Que Siga La Fiesta / Juntos Los Grandes Del Baile / Sigan Bailando / 50 Aniversario (La noche del Gran Salón) / Juntos De Nuevo Los Grandes Del Baile / Viva La Billo’s / El Sonido de Billo / La Medallita

Premios nacionales:

Guaicaipuro de Oro 17 veces

Meridiano de Oro 15 veces

Rafael Guinand 2 veces

Discomoda de Oro 14 veces

Premio Ronda 3 veces

Venus de la Prensa 1 vez

Casa del Artista 1 vez

Musa de Oro 8 veces

Mara de Oro 5 veces

Cardenal de Oro 7 veces

Premio Espectáculo 3 veces

Escenario Juvenil 3 veces

Premios Internacionales:

Candilejas Nueva York

El Dorado Santo Domingo

Ace Nueva York

El Congo de Oro Carnaval de Barranquilla

El Teide de Oro Tenerife

Manta Sabandeña La Laguna-Islas Canarias

Bambuco de Oro Barranquilla

Record Guinness:

La orquesta Billo’s Caracas Boys entró en el libro de los Records Guinness gracias a su participación, junto a Celia Cruz, en el baile de carnaval de 1987, en Santa Cruz de Tenerife, donde se concentraron cerca de 240.000 personas

http://www.lastfm.es/music/Billo%27s+Caracas+Boys/+wiki

http://www.correvedile.com/cantantes

Simón Díaz - Historia Musical

Simón Díaz (1928- ). Es el más célebre músico, compositor e intérprete del género popular venezolano y su obra es considerada como uno de los legados más importantes tanto para la música popular venezolana, como para el repertorio musical del resto del continente. Conocido mayormente por el rescate de la Tonada Llanera, Simón Díaz, convencido de que la tonada del llano venezolano es un aire musical de características únicas, se dedicó enteramente a difundirla, estudiarla y componerla hasta constituirla en un auténtico género musical en el que han conseguido expresarse grandes artistas como Mercedes Sosa (Argentina), Gaetano Veloso, Iván Lins y Joyce (Brasil), Joan Manuel Serrat (España), Danny Rivera, Ednita Nazario, Cheo Feliciano y Gilberto Santa Rosa (Puerto Rico),Franco De Vita (Venezuela), entre otros. Así mismo, destacados directores y compositores de la música académica han llevado las tonadas de Simón Díaz al lenguaje de la orquesta sinfónica y arreglos corales, sellando de esta manera el carácter universal de este género musical.

Pero los músicos no han sido los únicos atraídos por las tonadas de Simón Díaz, también lo han sido artistas de otras disciplinas como es el caso de la reconocida coreógrafa alemana Pina Bausch, quien incluyó algunas de estas tonadas de Simón Díaz para musicalizar su obra "Nur Du". Por otra parte, el reconocido director de cine Pedro Almodóvar también incluyó en la banda sonora de su película "La Flor de mi Secreto", una tonada de Simón Díaz que lleva por nombre "Tonada de Luna Llena", en versión de Gaetano Veloso.

Su pasión por el canto y la actuación lo lleva al teatro, el cine y la televisión, proyectándose en los años 60 como uno de las más grandes humoristas de Venezuela y símbolo de las más genuinas expresiones del folklore y la cultura popular.

Del trabajo realizado en su país: Hasta el momento ha sido actor principal de 3 obras de teatro y 5 largometrajes, ha producido y conducido 12 diferentes programas de TV de altísima sintonía, todos diseñados para promover la música venezolana, y uno de ellos, lo dedicó a la enseñanza de la cultura popular sólo para niños, éste programa estuvo 10 años en el aire, y de esta experiencia Simón Díaz pasó a llamarse "Tío Simón", nombre con el que se le conoce cariñosamente. Mantuvo la conducción de un programa diario para la radio por espacio de 25 años, también dedicado al folklore y la música venezolana; en su record discográfico cuenta con más de 70 producciones musicales. Son innumerables las actuaciones artísticas que ha realizado a lo largo de su carrera, y en la que ha compartido el escenario con artistas como Mario Moreno "Cantinflas", Plácido Domingo, Lucho Gatica, Marco Antonio Muñís, Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui, entre otros. De esta fructífera carrera, celebró en el año 1998, "Los 50 años de Vida Artística".

Ha recibido los premios más importantes que otorga su país en materia musical. Fue distinguido con la más alta condecoración que otorga el estado venezolano, como lo es la "Orden del Libertador en su Orden de Gran Cordón", constituyéndose en el único artista nacional al que se le haya impuesto dicha distinción. Ha representado a su país en Francia, Inglaterra, España, Polonia, Hungría, Irak, Estados Unidos, México, Panamá, Puerto Rico, Ecuador, Chile, Brasil, Cuba y Colombia.

Conocido internacionalmente por ser el autor de "Caballo Viejo" (también llamada Bamboleo), las composiciones de Simón Díaz, al margen de la tonada, han sido interpretadas por artistas como Plácido Domingo, Ray Conniff, Julio Iglesias, Celia Cruz, Rubén Blades, Gilberto Santarrosa, Gipsy Kings, Tania Libertad, María Dolores Pradera, Armando Manzanero, Barbarito Diez, Ry Cooder, Martirio y Oscar de León.

De este modo, Simón Díaz, además de ser el personaje icono de la venezolanidad, es también uno de los compositores populares más valiosos y universales de América Latina, convirtiéndose así en una referencia obligada y pieza indiscutible de la historia de la música popular, tanto en Venezuela como en el resto del mundo. La prestigiosa cadena de televisión A&E Mundo ha producido un documental en su espacio “Biography” dedicado a la vida de Simón Díaz que se estrenó en el mes de septiembre de 2004.

http://www.simondiaz.com/biografia.html

Música Moderna

Biografía de Chino y Nacho:

Chino y Nacho, es un dúo de la música urbana de Venezuela, que ahora se está dando a conocer por todo el mundo. Ellos salieron del grupo llamado Calle Ciega, el cual se desintegró. Estos dos ex-integrantes de la banda decidieron dejarla, para codearse con los haces del reggaetón y vivir una verdadera vida de reggaetoneros y no de una banda de nenes.

Chino cuyo verdadero nombre es Jesús Alberto Miranda Pérez, y Nacho cuyo verdadero nombre es Miguel Ignacio Mendoza, mejor conocidos como Chino y Nacho, son dos jóvenes que a fuerza de talento, constancia y mucha entrega se convirtieron en los soberanos absolutos del reggaetón venezolano para luego probar con otros sonidos propios de la movida urbana.

Chino:

Nombre completo: Jesús Alberto Miranda Pérez (El Chino)

Edad: 24 años.

Fecha de Nacimiento: 15 de Noviembre de 1984.

Lugar de Nacimiento: Caracas.

Estudios: segundo semestre de Idiomas.

Signo Zodiacal: Escorpión.

Experiencia: Antes de debutar como parte del dueto “Chino y Nacho” formó parte de los grupos Calle Ciega, Scala 1, Censura C y el Reality Show de Venevisión Generación "S".

Se define como: Un joven que quiere vivir en el escenario y que hace de la música su trabajo.

Nacho:

Nombre completo: Miguel Ignacio Mendoza (Nacho)

Edad: 25 años.

Fecha de Nacimiento: 22 de Agosto de 1983.

Lugar de Nacimiento: Lecherías, Estado Anzoátegui

Estudios: Comunicación Social, dos años de Derecho y de Ingeniería electrónica.

Signo Zodiacal: Leo.

Experiencia: : Antes de debutar como parte del dueto “Chino y Nacho”, formó parte de los grupos Calle Ciega, Los niños del swing, Equilibrio y el Reality Show de Venevisión Generación "S".

Se define como: Un chico al que le gusta tener su propio estilo; es decir; ser incomparable.

Chino y nacho: reyes de la música urbana

Jesús Alberto Miranda Pérez, y Miguel Ignacio Mendoza, mejor conocidos como Chino y Nacho, son dos jóvenes que a fuerza de talento, constancia y mucha entrega se convirtieron en los soberanos absolutos del reggaetón venezolano para luego probar con otros sonidos propios de la movida urbana.

Nacidos para la música y convertidos en destacados intérpretes y compositores gracias al trabajo junto a distintas agrupaciones, estos artistas decidieron emprender camino como dúo en 2007 y su nombre se ha convertido en sinónimo de éxito, lucha, entrega, constancia, versatilidad, música y madurez… una madurez que han logrado desde su primer año de trabajo gracias a vivencias dentro y fuera de los escenarios. “Somos unos muchachos luchadores, dispuestos a recorrer cualquier parte del mundo para llevar nuestra música. Estamos hechos de grandes decisiones y de tomar riesgos buscando crecer, sino, basta recordar nuestra salida de la agrupación más famosa de Venezuela, en el momento de más auge, para emprender una carrera como dúo y logramos un gran apoyo por parte de toda Venezuela”, comentan Los Mackediches.

Chino y Nacho no sólo están hechos de música; también están formados por el sentimiento y los valores inculcados por sus familias, a quienes consideran la base de su éxito y de sus inmensas ganas de llevar su música a todos los rincones del planeta. En la familia desarrollan su lado más sensible y la dedicación al público que va más allá de los escenarios, pues muestran su lado humano al apoyar la labor de fundaciones y hospitales y comparten su talento sin necesidad de publicidad.

Talento que trasciende el escenario

Su primera placa discográfica, titulada “Época de Reyes” dejó en evidencia la fusión que predomina en su trabajo plasmada en un disco doble: uno totalmente urbano y otro romántico por excelencia. “Ese hombre soy yo”, fue su primer tema promocional y a éste siguieron otros que llegaron al sitial de honor con fuerza indetenible: “Voy a caer en la tentación”, “Vagabundo de amor”, “Dentro de mí” y “Me mata, me mata”.

“Somos dos artistas urbanos con un talento que nos ha llevado a experimentar diversas fusiones en nuestros ritmos y melodías, además de letras profundas, poéticas y en su mayoría románticas que permiten a los jóvenes de todos los estratos sociales contar con canciones dignas de escuchar, dedicar y disfrutar”, comenta el dúo consentido de Venezuela.

Artistas urbanos que reflejan experiencias de vida y sentimientos, Chino y Nacho debutaron en el reggaetón y expandieron su radio de acción a otros géneros musicales: “Algunos sólo se encasillan en el perreo, pero nosotros damos mayor importancia a las melodías y los ritmos al punto de poder fusionar nuestro reggaetón y nuestro pop con la sesión de cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Venezuela y compartir con grandes músicos venezolanos de la talla de Huáscar Barradas y José Gregorio Oquendo. También hemos compartido con artistas de otros géneros y eso nos enriquece musicalmente”.

Dueños de un swing romántico que engancha a público de todas las edades, Chino y Nacho saben plasmar en vivo lo que interpretan en un disco acompañados de una banda de músicos de primera línea y un nutrido grupo de bailarines que hacen posible un performance original. Por si fuera poco, son jóvenes visionarios y dueños absolutos de su carrera que no han escatimado recursos en emprender viajes que han tenido como resultado canciones junto a los grandes productores Eliel (Don Omar), Memo (Puerto Rico), Noriega (Puerto Rico) y Richy Peña (productor de Don Omar, Rell, Nelly), eso sin contar su mancuerna con los venezolanos Daniel y Yein, quienes a su juicio son los dueños de los temas más pegados de la música juvenil actual en Venezuela.

Su talento, viva expresión de Venezuela, sorprendió al señor William Omar Landron, mejor conocido como Don Omar, con quien compartieron en Nueva York la grabación de la canción y el videoclip de “Dentro de mi” contando con la producción por Richy Peña; proyecto que forma parte de “El orfanato” la escuela de la música, iniciativa mediante la que el “King of kings” se encarga de buscar y lanzar nuevos talentos a nivel mundial. “Don Omar surgió como una especie de mentor de Chino y Nacho; estamos muy agradecidos porque es un gran ejemplo musical y trabajar junto a él nos ha permitido aprender mucho más sobre el mercado mundial del reggaetón y probar con otros sonidos, lo que se evidencia en nuestro primer trabajo”.

Chino y Nacho son ritmo, voz y corazón de la música hecha en Venezuela y por esa razón han sido invitados de excepción en los eventos más importantes: conciertos, ferias y festivales, El Miss Venezuela, la Clausura de la Copa América, la producción del mensaje Navideño de Venevisión y el popular Festival de la Orquídea así como participaciones en los programas más populares. Han sido distinguidos con importantes premios de la industria, como el Mara de Oro, han engalanado importantes campañas publicitarias de productos consumo masivo y cada día son personajes más cotizados en la escena del entretenimiento siendo responsables de dar vida a temas de telenovelas como fue el caso del tema “La Vieja esa” para “¿Vieja yo?”, dramático de Venevisión, y hasta incursionar en este mundo con participaciones especiales como actores.

Reyes Supremos

La carrera de los Reyes del romantiqueo no estaría completa sin el apoyo incondicional que les brindan las fans y los medios de comunicación, quienes siguen atentos cada paso de su exitosa carrera. “Estamos agradecidos. Cada éxito y cada logro es parte del cariño de nuestra gente, las más de cien mil muchachas del club de fans, de los medios de comunicación. Queremos ser ejemplo de perseverancia para aquellos niños y jóvenes que nos siguen y quieren cumplir sus sueños”.

Con ellos se escribió un nuevo capítulo en la historia musical venezolana. Luego de marcar pauta con su “Epoca de Reyes” Chino y Nacho preparan al público para el impacto de “Supremo”, segunda producción discográfica que brinda un abreboca a ritmo de pop y merengue: el pegajoso tema “Niña Bonita”, que alcanzó el primer lugar de popularidad en apenas un par de semanas en cartelera.

“Supremo” descubre el verdadero sonido de Chino y Nacho, ese al que ellos mismos definen como “algo distinto, electrónico‚ bailable y agresivo”. En esta producción repiten mancuerna con el productor Richy Peña, quien ha sido pieza clave en darle forma a ese sonido internacional que ya comienza a abrirse caminos en Colombia, Puerto Rico y Estados Unidos con notable aceptación. “Estamos trabajando sin descanso, estamos creciendo como artistas y seres humanos. Sin duda lo más importante es el reconocimiento y el respeto del público que podemos percibir en cualquier lugar donde estemos y por ello nos alegra llegar a los venezolanos y a públicos como el colombiano, el boricua y hasta el estadounidense con lo que mejor sabemos hacer: música”.

Además, continúan aliados al talento más rutilante de la escena musical internacional al realizar canciones junto a los más destacados exponentes del reggaetón y la música urbana en un álbum que titularán “Compañía Real”, CD que incluye trabajos con talento venezolano e internacional como es el caso de Voz Veis, Hany Kauam, Endry Arrieta, los boricuas RKM y Ken Y, Tony Daze, entre muchos otros.

Incansables, talentosos y versátiles, Los Mackediches sacuden cada escenario que pisan. Artistas, músicos y compositores, también se han dejado llevar por el arte histriónico en cada uno de sus videos y además de alistar su sexto videoclip en breve harán lo propio al debutar en el cine de la mano del director venezolano César Oropeza en la cinta “Muere Callao”, donde pondrán a prueba sus dotes artísticas con algo de acción y romance.

Sumado a esto, Chino y Nacho incursionan en el mundo de los negocios con su propia línea de ropa y un videojuego que pronto saldrá al mercado. Franelas, gorras, hebillas para cinturones, suéteres, blusitas y sensuales piezas de ropa interior para damas forman parte de la colección con diseño atractivo y colores intensos con los que Los Mackediches imponen moda.

“Tenemos opciones para chicos y chicas, la línea está hecha con materiales de calidad, colores de moda y diseños bien modernos, es un proyecto que se hizo realidad y ya está de venta al público a través de nuestro perfil en Facebook pero pronto llegará a diversas tiendas. También alistamos para dentro de poco el lanzamiento de nuestro video juego, algo divertido, con nosotros como caricaturas al estilo Mario Bros”, concluyen entusiasmados estos jóvenes venezolanos nacidos para hacer historia.

Chino y Nacho son sin duda alguna los reyes de la música en Venezuela… un dúo “Supremo”.

http://www.musica.com/letras.asp?biografia=20312

Daddy Yanki

Nombre artístico de Raymond Ayala; Puerto Rico, 1977) Cantante, compositor y productor puertorriqueño. Raymond Ayala era sólo un niño de trece años de la población de Río Piedras cuando se interesó por la música y empezó a cantar temas rap.

A pesar de esto, sus inicios más o menos profesionales en el mundo de la canción de Puerto Rico vinieron de la mano del conocido artista D.J Playero. Fue entonces cuando nació la figura de Daddy Yankee.

En los comienzos de su carrera coqueteó con ritmos tan latinos como el merengue y la salsa, pero se puede decir que sus mayores éxitos a nivel internacional le han llegado cuando ha compuesto e interpretado sus ya famosas canciones de rap latino y reggaeton.

Este cantante recibe diversos sobrenombres dentro de la industria musical. En estos circuitos es conocido como 30-30 por el mensaje que contienen las letras de sus canciones, un certero retrato de muchos aspectos de la vida cotidiana de Puerto Rico. También se ha ganado el título de Rey de la Improvisación por su especial habilidad creativa, una virtud que ha hecho a Daddy Yankee ser el vencedor durante cinco años seguidos de diversos Street Jam Reggae Awards.

Daddy Yankee ha sabido construir su triunfante carrera musical combinando en cada uno de sus trabajos el reflejo de la realidad social de su país con los ritmos más sensuales. Con esta mezcla ha hecho posible que muchos jóvenes latinos se identificaran con sus canciones.

El primer disco de Daddy Yankee en solitario se publicó en el año 2000 con el título de El Cartel. Su gran éxito hizo posible el lanzamiento en 2001 de El Cartel II. Las grandes ventas conseguidas por ambos álbumes significaron para este cantante su reconocimiento con sendos Discos de Platino.

En el año 2002 asumió la identidad de El Cangri para realizar bajo su propio sello (Los Congris Inc.) su trabajo El Cangri.com. En este disco se incluye el tema El gran robo, que contó con la colaboración excepcional de Lito en su grabación. Justo ese mismo año llevó a cabo el primer Reggaeton Tour, una gira promocional de conciertos diseñada para darse a conocer en diversas ciudades de Estados Unidos. Con este objetivo se subió a escenarios de Filadelfia, Spreengfield, Massachussets y Boston.

A la discografía de Daddy Yankee se le suma la grabación en el 2003 de su tercer disco, Los Home-runes. Una vez más contó con el apoyo de sus numerosos fans, que se lanzaron a la compra de este trabajo convirtiéndolo en otro gran éxito de ventas. Su última obra discográfica lanzada al mercado hasta el momento es Barrio Fino, que vio la luz el 13 de julio del 2004. Uno de los temas más conocidos de este disco es Gasolina, que poco tiempo después de su estreno consiguió encaramarse en los primeros puestos latinos de las prestigiosas listas de la revista norteamericana Billboard.

La carrera musical de Daddy Yankee va más allá de la publicación de sus discos. Desde muy joven ha colaborado con numerosos músicos como el grupo Mani y ha tenido el honor de compartir escenario con estrellas de la talla de Olga Tañón y Domingo Quiñones, los respectivos reyes del merengue y la salsa latinos. También viajó hasta la ciudad de Nueva York para grabar con NAS, uno de los raperos americanos más famosos.

Las canciones de Daddy Yankee se han incluido en diversos discos de otros artistas. Así, el nombre de Daddy Yankee se ha visto asociado a producciones como The Piece Maker (de D.J Tony Touch), a La Trayectoria (con el tema Metela con candela) y a The Best Reggeton Beats, donde interpreta Gata gangsterjunto a Don Omar. Incluso en el año 1998 una de sus canciones, Posición, formó parte de la banda sonora original de la película One Tough Cop.

Daddy Yankee

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/daddy_yankee.htm

Pitbull

Armando Christian Pérez (n. Miami, Florida, 15 de enero de 1981), más conocido como Pitbull, es un productor musical de ascendencia cubana que en sus inicios de carrera empezó con géneros como el reggaetón y el hip hop. Posteriormente se especializó más en los géneros electro house, y dance pop, pasando también por muchos otros, ya que es uno de los artistas más solicitados para colaboraciones con diversos cantantes como Shakira, Jennifer López, Ne-yo, Marc Anthony, Enrique Iglesias, Usher, Fergie, Havana Brown, Chris Brown, entre otros. Creció en Little Habana, una sección de Miami conocida por su gran población de ascendencia cubana.

Entre sus éxitos musicales se encuentran los sencillos «Culo»,<<Dance again>>, <<On the floor>>, <<Maldito Alcohol>> «I Know You Want Me», «Hotel Room Service», «Give Me Everything», «Rain Over Me», «International Love», «Back In Time» y Get It Started junto a Shakira.

Biografía

Pitbull, cuyo verdadero nombre es Armando Christian Uria Ruiz Pérez, nació el 15 de enero de 1981 en La habana Cuba. Creció influenciado por el poeta latinoamericanista cubano José Martí (el motivo era que su padre quería que no olvidara sus raíces ya que se sentía orgulloso de ser cubano) y en especial por el Miami Bass Rap. Sus padres se separaron cuando él tan sólo tenía cuatro años de edad. El motivo fue que su padre empezó a consumir y a traficar con drogas, a parte de ello el alcohol era lo único que quería en esos tiempos, cosa que hartó a su madre y que se convirtió en divorcio. Pitbull, influenciado por las calles de Miami, comenzó a ganarse la vida traficando con drogas porque a su familia le faltaba dinero para pagar lo imprescindible ya que eran muchos hermanos. Pero en las calles de Miami fue donde Lil Jon vió a un corro enorme de gente, lo que sería normal cuando sucede una pelea. Pero entonces se abrió paso entre la multitud y vió a Pitbull rapeando. Tras ello, Lil Jon le preguntó que si era normal que toda esa gente le estuviera haciendo corro, él le contestó que normalmente era lo que sucedía cuando comenzaba a rapear y entoncés le dió un importante consejo : "Tienes talento, deberías dedicarte al mundo de la música". Aquellas palabras quedaron grabadas en la mente de Pitbull y tras ese día empezó a componer sus propias canciones, dejando atrás el mundo de las drogas. Pitbull se movía por todo Miami, en batallas de gallos, pequeñas fiestas ... pero esto no le dió dinero, ni fama, por lo tanto Lil Jon le dejó escapar, cosa que destrozó a Pitbull y le conllevó a volver a las drogas.

Inicios

Hizo su debut oficial en la música en 2002 con un álbum de Lil Jon. Llevó a cabo varios mixtapes y finalmente para identificar su estilo, mezcló el hip-hop con el reggaeton. En 2004, Pitbull lanzó su álbum debut M.I.A.M.I (Money is a Major Issue, que en castellano significa "El dinero es un asunto importante"). Esta primera prueba es solicitada por el público y vende más de 500.000 ejemplares. Pitbull, desde entonces, ha publicado otros cinco álbumes (el último "Planet Pit", publicado en 2011).

El cantante estudió en la escuela superior de ingeniería y en esos años hacía freestyle, sin embargo, sabía que tenía que hacer algo más para sobresalir y decidió tomarse el rap en serio por lo que empezó a escribir canciones y emprendió la búsqueda de un nombre. Un amigo suyo, al escuchar su estilo, le dijo que al momento de rapear tenía el mismo estilo de un perro pitbull porque al morder dejan la mandíbula clavada y no dejan escapar a lo que estén mordiendo que fue con lo que identificó Pitbull por la manera de conseguir su sueño y fue en ese momento que se decidió por ese nombre.

Su inicio en la música se dió a finales de la década de los noventa, cuando Pitbull tuvo la oportunidad de grabar el exitoso tema "Lollipop" con el cantante Luke de 2 Live Crew y fue gracias a esta colaboración que aprendió lo fundamental del negocio. En 2002, el cantante tuvo la oportunidad de colaborar en el álbum "Kings of Crunk", junto a los cantantes Lil Jon y los East Side Boys y fue este material que formó parte de la segunda parte de la película The Fast & The Furious que se estrenó al año siguiente. Además, lanzó varias compilaciones que contenían temas de estilo libre y remixes de canciones populares del género rap.

Dos años después, en 2004, Pitbull lanzó su álbum debut llamado "M.I.A.M.I.", dentro del cual se encontraba el sencillo "Culo", el cual fue producido por Lil Jon y los Díaz Brothers. Posteriormente, en 2006, no sólo fue invitado en el programa South Beach de la televisora UPN, sino que grabó el sencillo "Nuestro Himno" en colaboración con Wyclef Jean, Carlos Ponce y Olga Tañón.

Su segundo álbum, del año 2006,se lo dedicó a su difunto padre que se tituló "Mariel”, que fue el barco que trajo a su padre y a miles de cubanos a los Estados Unidos de América. En el álbum aparecieron artistas invitados muy reconocidos en el mundo del hip hop como Fat Joe, Bun-B, Wyclef Jean, Shakira y otros.

Fue en noviembre de 2007 cuando Pitbull lanzó su tercer álbum llamado "The Boatlift" con un genero dance, el cual fue promocionado por la canción titulada "Secret Admirer" en la cual colaboró Lloyd, luego fueron lanzadas las canciones "Go Girl" y "The Anthem". En el año 2010 publica el álbum "Armando". En 2011 Pitbull publica "Planet Pit", sumando con éste 5 álbumes de estudio con su peculiar genero electro-house .

En 2012 publica la banda sonora de la película Hombres de Negro III, llamada Back in Time.1

http://es.wikipedia.org/wiki/Pitbull_(cantante)

Orquestas Venezolanas

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar

La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar es una de las orquestas más importantes de Venezuela y Latinoamérica. Fue creada el 12 de febrero de 1975por el maestro José Antonio Abreu1 , y cuenta con muchos instrumentistas de alto nivel, entre los que destacan el Maestro violinista Pablo Stredell Violista Roisber Narváez el chelista Abner Padrino Reyes y por la percusión Félix Mendoza.

La orquesta es "el producto más acabado" del Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela.2 Los integrantes de la orquesta provienen de diversas partes de Venezuela y se considera que son los mejores de cada una de las orquestas locales. Algunos consideran que ser miembro de la orquesta es un paso muy importante en la carrera de los músicos sinfónicos venezolanos. Muchos de sus miembros han recibido apoyos para estudiar en prestigiosas escuelas y conservatorios alrededor del mundo.

Para muchos el nivel de la orquesta es comparable al de cualquier orquesta europea.3 Ha trabajado con directores e intérpretes reconocidos mundialmente, y ha recorrido Europa, Asia y América en varias giras, recibiendo buenas críticas.

Fue una de las orquestas favoritas del director mexicano Eduardo Mata. Grabaron juntos una serie de discos de música latinoamericana, que incluye obras de Villa-Lobos, Ginastera, Carlos Chávez y Antonio Estévez. La orquesta, que ha recibido el apoyo de todos los gobiernos venezolanos, ha sido exitosa gracias a la labor incansable del maestro José Antonio Abreu, quien ha logrado el reconocimiento internacional a su trabajo, al extremo que en muchos países quieren replicar la fórmula creada por él.

Hoy funciona en el Centro Latinoamericano de Acción Social, estructura diseñada tomando en consideración requisitos especiales de acústica. Tiene diversos espacios distribuidos en áreas de instrucción musical, salas de ensayo instrumental y de práctica coral, biblioteca, salas de conciertos incluyendo la gran Sala Simón Bolívar con un aforo de 1100 personas y que posee un gran órgano tubular donado por la Fundación Polar, teatro, salas de música de cámara y una concha acústica al aire libre, en la zona sur del edificio y que formará parte del Parque Los Caobos, así como talleres de fabricación de instrumentos musicales, un espacio para el Centro Nacional Audiovisual de Música Inocente Carreño CNAMIC, cabinas de grabación, camerinos, cafeterías, servicios administrativos y sanitarios. Además, cuenta con equipos especiales como sistema mecánico teatral, iluminación profesional, sistemas de sonido y video y servidores y redes con conexión nacional e internacional. Es la sede permanente de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar

Orquesta sinfónica Simón Bolívar durante una actuación en el

http://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_Sinf%C3%B3nica_Sim%C3%B3n_Bol%C3%ADvar

Orquesta La Dimensión Latina

Historia

Inicios

Se presentó por primera vez el 15 de marzo de 1972 en la cervecería "la Distinción" de Caracas. Fundada por Oscar D'León, César Monge("albóndiga"), José Rodríguez (Joseíto), José Antonio Rojas, Elio Pacheco y Jesús (Chuito) Narváez. Su primer disco fueuna grabación compartida con el Clan de Víctor en 1972, en el que se incluía el primer éxito de la orquesta; "Pensando en ti", interpretado por el sonero Oscar D'León.

Durante el año 1973 la orquesta gana reconocimiento y participa en eventos importantes, como el carnaval de Maracaibo, lanzando su segundo álbum "Triunfadores". En 1974 se une a la orquesta el bolerista Wladimir Lozano, con lo que la agrupación gana en profundidad interpretativa, de la dupla del llamado Sonero Mayor y Lozano dio germen a importantes interpretaciones y éxitos comerciales que le ganaron a la banda reconocimiento internacional.

La consagración

Es sin embargo la siguiente producción de la orquesta la que para algunos críticos sea la más lograda e icónica, en "Dimensión Latina 75", temas de extraordinario éxito comercial como “Taboga”, “Llorarás”, “Paramparam”, LaVela" y" Cañonazo" catapultaron la carrera de la Dimensión y les dio un lugar de reconocimiento en el mundo de la salsa que, en ese momento, estaba casi apartado a las orquestas del boom salsero de Nueva York.

En producciones siguientes se incluyeron nuevos logros comerciales e interpretativos, temas como "Dolor cobarde", "El frutero" y "Dormir contigo" se integran al repertorio y la banda alcanza un clímax artístico destacado.

Posterior a su presentación en Estados Unidos la Dimensión produce el disco "La Dimensión Latina en Nueva York" (1977), el cual sería el último disco de la orquesta con Oscar D'León, quien abandonaría la agrupación para iniciar una exitosa carrera en solitario.

La era Montañéz

Ante la ausencia de D'León, la Dimensión Latina llama al conocido gaitero zuliano Argenis Carruyo para la grabación del disco "La Dimensión Latina 77 Internacional". Ese mismo año se une a la orquesta el afamado cantante boricua Andy Montañez, voz líder del Gran Combo de Puerto Rico. El 11 de noviembre de 1977, ya con Montañez como voz líder, laDimensión Latina encabeza el festival "Salsa International" en el Madison Square Garden de Nueva York, organizado por Ralph Mercado y con la presencia, entre otros, de Wilfrido Vargas y Cheo Feliciano.

Andy Montañez permaneció con la orquesta hasta 1980 grabando 8 discos, incluyendo éxitos como "El Eco De Un Tambó" del maestro Tite Curet, "Linda Minerva" cantado a dúo con Argenis Carruyo, "Ave Maria Lola", "Por el Camino", "Bombolaye", y contribuciones boricuas como "Cantante Errante" del compositor Johnny Ortiz y "Quisiera Saber".

Patrimonio Cultural

Con 30 discos, la Dimensión Latina se ha consagrado como una de las agrupaciones salseras de mayor renombre en la música caribeña y el espectáculo; por ello, el 24 de julio de 2003, la Alcaldía Metropolitana de Caracas, la declaró Patrimonio Histórico Cultural de Caracas.

Durante la década de 1990 el éxito de la orquesta fue variable, sin embargo continuaron su producción musical ininterrumpidamente.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_Dimensi%C3%B3n_Latina

Dimensión Latina

La Dimensión Latina es una agrupación venezolana de salsa fundada en Caracas en 1972. Es uno de los más exitosos e influyentes grupos musicales formados en Venezuela, y el representante más reconocido del país en el género salsa. Durante los años 1970 y 1980 la Dimensión Latina fue la agrupación bandera de Venezuela en la llamada edad de la oro de la salsa, produciendo una larga discografía que generaron extensas giras internacionales.

Algunos de los miembros originales de la banda posteriormente crearon otras exitosas orquestas de salsa o música tropical, incluyendo a César Monge, Elio Pacheco, Jesús Narváez y el vocalista principal Oscar D'León, quien más tarde fue sustituido por Argenis Carrullo y el portorriqueño Andy Montañéz. Por su carrera artística, el 24 de julio de 2003, la Alcaldía Metropolitana de Caracas, la declaró Patrimonio Histórico Cultural de Caracas.

Historia

En 1971 Oscar D'León tocaba el bajo para el quinteto de música caribeña Los Junior en un local llamado La Sabra. Era frecuente que tras cerrar La Sabra, Los Junior fueran a la cervecería La Distinción donde tocaba el grupo Los Satélites del zuliano José Rafael Mendoza (Cheche). En diciembre de 1971 Los Satélites fueron despedidos de La Distinción y D'León ofreció al dueño una nueva orquesta sin aún tenerla. Este nuevo grupo fue bautizado Oscar y sus estrellas. El 15 de marzo de 1972, antes de una presentación en "La Distinción",[4] el jazzista Víctor Cuica, entonces miembro de la orquesta, sugirió que le cambiasen el nombre a Dimensión Latina. El cambio fue aceptado por mayoría.

La primera alineación de la Dimensión Latina era una orquesta fuerte en trombones formada, entre otros, por el director musical y trombonista César Monge "Albóndiga", José Rodríguez y Elio Pacheco. Wladimir Lozano se uniría más tarde para compartir responsabilidades de vocalista con D'León. En 1972 la banda firmó con la disquera Top-Hits (más tarde TH-Rodven y sello de D'León hasta 1991) con la cual editaron su álbum debut, una grabación compartida titulada El Clan de Víctor y Dimensión Latina. Este disco produjo el éxito radial Pensando en ti.

En 1973 la banda ganó el Meridiano de Oro y en 1974 reclutó al bolerista Wladimir Lozano para compartir las responsabilidades vocales con D'León. Para finales de los setenta La Dimensión Latina era el grupo bandera de salsa en Venezuela, pero diferencias entre los miembros llevaron a la salida de D'León en 1976. En su lugar entró Gustavo Carmona en el bajo y Argenia Carruyocomo vocalista por un sólo disco (Dimensión Latina 77). Carruyo fue sustituido por Andy Montañéz, el entonces vocalista del Gran Combo de Puerto Rico. El 11 de noviembre de 1977 la orquesta se presentó en el Madison Square Garden de Nueva York como invitado a un festival de salsa organizado por Ralph Mercado.

Wladimir Lozano dejó la banda en 1978 y Jesús Narváez hizo lo mismo en 1979 para formar la Orquesta Amistad. Rodrigo Mendoza fue reclutado para compartir las voces con Montañez, quien también grabó intermitentemente con Carruyo hasta su salida en 1980. La orquesta posteriormente grabó con Carruyo, Wladimir Lozano, Edgar Rodríguez y Freddy Nieto, y colaboró con La Crítica de Oscar D'León en 1982.

En 1988 el nombre de la banda fue vendido al empresario Luis Pérez, quien mantiene la banda activa tanto en el estudio como en escenarios. Los discos producidos en los años 1990 y 2000 utilizan una nueva alineación, pero reciben tanto a Carruyo como a Montañéz como invitados especiales en las voces.

La Dimensión Latina en la cervecería La Distinción.

La Dimensión Latina grabando su primer LP en 1972.

http://venciclopedia.com/index.php?title=Dimensi%C3%B3n_Latina

Orquesta Salsaboryson

La Orquesta Salsaboryson nace en el año 2006 por iniciativa de su actual director Alberto González, quien después de transitar por varias agrupaciones de la capital decide formar su propio proyecto.

Su actividad ha transcurrido en la ciudad de Caracas, Venezuela, en distintos escenarios, como es el caso del Festival de Salsa del Oeste y las tomas de plazas de la Fundación para la Cultura y las Artes de la Alcaldía de Caracas (FUNDARTE), así como los Carnavales y el ciclo de salsa Hay fuego en el 23, en 2007, o la clausura de los VII Juegos deportivos del Sindicato de Empleados Públicos SUNEP-IPASME, la Feria Musical Electoral del Consejo Nacional Electoral (CNE) y los Carnavales del año 2008. También se ha presentado en locales caraqueños como El Maní es Así, Latinos All Stars, Mambo, la cervecería La Asunción, El Sarao o El Punto de Encuentro, por sólo mencionar algunos. Ha alternado con agrupaciones tales como la Dimensión Latina, Magia Caribeña, Hildemaro, El Sonero Clásico del Caribe, Noche Caliente y El Combo Antillano, entre otros.

En su primera producción musical, la Orquesta Salsaboryson rinde tributo al maestro Ray Barreto. En ella, denominada

Montuno a Barreto, destacan 11 temas musicales que reflejan la trayectoria musical de este prestigioso músico, al presentar una muestra del sabor y son montuno que tanto destacaron a Barreto.

Con una conformación atípica para las tradicionales orquestas de salsa, el sonido propio de la Orquesta Salsaboryson resalta la conjugación melódica de tres metales –trombón, trompeta y flauta–, en una base armónica natural –el piano y el bajo–, y un trío de ritmos propios de la salsa –el timbal, tumbadoras y congas–, en donde se puede pregonar con gusto latino. Salsaboryson intenta posicionarse entre las referencias venezolanas de la salsa, demostrando que en Venezuela hay sabor latino y resistencia salsera para rato.

Integrantes:

-Ronald Becerra – timbal

-Jesús A. Cedeño M. – bajo

-Julio “El Son” Farías – voz

-Alberto González – flauta, coros y dirección musical

-Richard López – bongó y campana

-Mauricio Marín – voz

-Abilio Marrón – trombón

-Luis Enrique Pérez – piano, coros y subdirección

-Luis Rangel – trompeta

-Jean Paul Sojo – congas

http://www.venezuelademo.com/musicos/artistas/orquesta-salsaboryson.pdf

Aventura fue una agrupación de bachata dominico-estadounidense. El grupo se formó en 1994 en el Bronx, Nueva York, por Anthony Santos,Lenny Santos, Max Santos y Henry Santos. Siendo autodidactas tuvieron una gran determinación para entrar en la industria de la música. Aventura hizo su debut oficial en 1999, con la esperanza de romper esquemas en la bachata dominicana tradicional. Partieron de su base y la fusionaron con ritmos modernos como el hip hop y el R&B. En2002, la canción Obsesión fue número uno en Italia durante dieciséis semanas consecutivas.

Mientras que el grupo hacía presentaciones tanto en inglés como en español, fue ampliamente ignorado por gran parte de los medios de comunicación de habla inglesa durante la primera parte de su carrera.

Después de años planeando una separación temporal, Lenny y Maxlanzaron un grupo independiente de Aventura. En abril de 2011, Anthony y Henry firmaron contratos por separado para lanzarse como solistas. La agrupación está supuesta a volver en el 2013.

Trayectoria

En las primeras etapas el grupo se hacía llamar Los Tinellers (en alusión a teenagers en inglés), residían en el condado del Bronx, y efectuaron sus primeros trabajos musicales en la ciudad de Nueva York. El estilo musical de Aventura está compuesto primordialmente de fusiones musicales con base en la bachata dominicana; como los miembros de esta agrupación fueron criados en los Estados Unidos, su estilo musical ha sido influenciado por los ritmos populares que se escuchan allí: hip hop, pop, R&B, y últimamente Reggaeton. Su primer disco, "Trampa de amor" fue lanzado en 1995 bajo el nombre Los Tinellers; el segundo disco Generation Next, se editó en 1999, éste fue el primer disco oficial y bajo el nombre Aventura. Tres años después regresaron con We broke the rules en 2002, disco que conteniene el temaObsesión, el cual se convertiría en su gran éxito. La salida de Love & Hate en el 2003 lo estableció de manera definitiva no solo en el mercado latino, sino también en el estadounidense gracias a sus canciones en inglés y en spanglish, que inclusive los llevó a tener éxito en Europa, donde adquirieron gran popularidad. En el 2005 regresaron a escena con la producción God's Project, y un año después editaron su disco en vivo K.O.B. Live; luego sacaron un DVD y dos CD cuando cantaron a casa llena en el Madison Square Garden en 2007. Luego sacaron su alegado último disco The Lasten 2009, después de 4 años sin sacar un disco grabado en estudio.

En febrero de 2010 el vocalista del grupo Anthony Romeo Santos dio unas declaraciones en una rueda de prensa en la República Dominicana, donde afirmó que el grupo sí podría separarse, pero de manera temporal. Dijo que cada cual debe desarrollar su talento como solísta, y así cuando se vuelvan a reunir el grupo tendría más éxito, expresó. El 12 de septiembre, Max el bajista del grupo puso en su Twitter "I'm also very happy for Romeo cause I would never wish him bad..But tham we build this together" ("También estoy muy contento por Romeo. Porque yo nunca le deseo mal.. Pero construimos esto juntos"), luego en otro comentario añadió "We all deserve to be up there.15 years of blood sweat and tears and we don't get the invite to our first VMA" ("Todos merecemos estar allí.15 años de sudor, lágrimas y sangre y no tenemos la invitación a nuestro primer VMA"). Esto se debió a que el vocalista del grupo Anthony Romeo fue solo a entregar un premio a los MTV Video Music Awards 2010.

El 22 de febrero de 2011 se presentaron en el Festival de Viña del Mar llevándose la antorcha de plata, antorcha de oro, gaviota de plata y la Gaviota de Oro. En abril de 2011, la agrupación anunció oficialmente su separación temporal. Se espera que vuelvan a reunirse en 2013.

Miembros

 Anthony "Romeo" Santos - Primer vocalista, letrista, compositor.

 Henry Santos - Backing vocalist, cantante

 Lenny Santos - Guitarrista, arreglista.

 Max Santos - Bajista

http://es.wikipedia.org/wiki/Aventura_(agrupaci%C3%B3n_musical)

Don Omar

(Nombre artístico de William Omar Landrón, Puerto Rico, 1978) Cantante y compositor puertorriqueño. Educado en Villa Palmeras, un sector poco favorecido de Puerto Rico, Don Omar empezó a componer sus primeras canciones y poemas a los doce años; pronto se sintió fuertemente atraído por el reggaetón, un género musical surgido en Puerto Rico a principios de los 90.

Sus inicios musicales se vinculan a la iglesia, a la que estuvo ligado como pastor. Durante cuatro años fue pastor en la Iglesia de la Restauración en Cristo en Bayamón, que abandonó por un desengaño sentimental (su conocido tema Aunque te fuisterecoge este episodio de su biografía). En ese periodo formó parte de varios grupos que cantaban en celebraciones religiosas.

En el año 2002 la carrera de Don Omar dio un giro cuando Héctor El Bambino, famoso integrante del dúoHéctor y Tito, lo escuchó y decidió apadrinarlo como productor musical. Fue entonces cuando Landrón adoptó el nombre de Don Omar y empezó a participar como compositor en producciones de otros artistas, como Las 9 plagas. Compuso varias canciones para Tito como solista, y tras destacar como compositor trabajó con el dúo Héctor y Tito en la producción A La Reconquista. Trabajó también al lado de MVP,Grayskull (Te estás calentando), The Godfather(Déjala), y Da'Flex, entre otros.

Pese a que sobre sus letras ha pesado la acusación de fomentar la violencia e invitar al sexo, el ritmo fuerte, bailable y sensual que caracteriza al reggaetón (una fusión de la Salsa clásica, la tradicional Bomba puertorriqueña y el ritmo urbano del Hip Hop) le ha proporcionado éxitos de ventas y una gran popularidad. Su última contribución al género ha sido la canción Dale Don dale, con la que ha vendido más 60.000 copias de su álbum The last Don, que ocupó durante varias semanas los primeros puestos de la Billboard latina.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/don_omar.htm

Don Omar

Shakira

(Shakira Isabel Mebarak Ripoll; Barranquilla, 1977) Cantante colombiana de pop-rock latino. Son muy pocas las estrellas latinoamericanas de la música pop-rock que han logrado un éxito internacional tan fulminante como Shakira, intérprete y compositora en castellano e inglés que ha alcanzado un puesto destacadísimo en los ámbitos de ambas lenguas.

Shakira

Nacida en el seno de una familia de clase media, Shakira era hija de William Mebarak, de ascendencia libanesa, y de Nidia Ripoll, colombiana con antepasados catalanes. Desde los cinco años mostró indicios de su vocación artística, demostrando su notable talento en la interpretación de danzas y cantos árabes. No en vano su nombre, Shakira, significa en lengua árabe "llena de gracia".

A los ocho años compuso su primera canción, Tus gafas oscuras, que dedicó a su padre. Éste, al igual que su madre, comprendió pronto cuál era la vocación de su hija, que inició una carrera artística infantil presentándose en programas de radio y televisión. A los diez años ya escribía canciones de forma sistemática; participó por primera vez en el concurso de televisión Buscando artista infantil en 1988, en el que resultó vencedora, y repitió el triunfo en 1989 y 1990.

Siendo adolescente, Shakira firmó su primer contrato discográfico con Sony Music Colombia, sello para el que grabó su primer álbum, Magia (1991), con temas que había compuesto entre los ocho y los trece años, al que siguió dos años después un segundo álbum,Peligro (1993). Su personalidad impactó de inmediato al público y a los periodistas musicales; fue elegida para representar a Colombia en el Festival OTI, pero no pudo asistir por ser menor de dieciséis años.

La gran oportunidad le llegó cuando fue invitada a participar en el Festival de la Canción de Viña del Mar de 1993. Fue entonces cuando, con sólo dieciséis años, su interpretación de la balada Eres le abrió las puertas del mercado latinoamericano. Mientras terminaba sus estudios de secundaria, Shakira preparó el que sería su tercer álbum, Pies descalzos (1995). El disco, que incluía además del tema que le da título otros hits como Estoy aquí, Sueños blancos y ¿Dónde estás corazón?, fue un éxito en toda América Latina, con más de cuatro millones de ejemplares vendidos; sus canciones se erigieron en éxitos extraordinarios y le hicieron ganar millones de admiradores.

Su siguiente disco, ¿Dónde están los ladrones? (1998), producido por Emilio Estefan, la convirtió en la estrella indiscutible del pop-rock latino, con más de ocho millones de copias vendidas. Algunos de los temas que contenía este álbum (nominado al premio Grammy y que se mantuvo durante más de un año entre los diez primeros del Soundscand en Estados Unidos), como el que le da título o Inevitable, Tú, Ojos así y Ciega, sordomuda, redoblaron la popularidad de Shakira y proyectaron su figura en los mercados internacionales.

Shakira en concierto

Para asentar su creciente popularidad en los Estados Unidos, la cantante grabó en Nueva York Shakira MTV Unplugged (1999), un concierto en vivo con un especial sabor latino que constituyó la primera presentación acústica retransmitida en español por MTV en ese país. Por este trabajo ganó Shakira su primer Grammy (al mejor álbum de pop latino) y los Grammy Latino a la mejor cantante pop (por Ojos así) y a la mejor cantante de rock (por Octavo día).

Sabedora del potencial del mercado anglosajón, Shakira decidió entonces dar un paso más en su carrera y escribió un nuevo álbum: Servicio de lavandería/Laundry Service (2001), con nueve temas en inglés, entre ellos Underneath Your Clothes yWhenever, Wherever, y cuatro en español. El disco fue número uno en Argentina, Australia, Austria, Canadá, México, Nueva Zelanda, Países Bajos, Suecia y Suiza, y supuso su consagración mundial, con más de 13 millones de copias vendidas. La gira de presentación del álbum, el "Tour de la Mangosta", duró seis meses (de noviembre de 2002 a mayo de 2003) y dejó para el recuerdo el DVD Live and Off the Record (2004).

Cuatro años después de Servicio de lavandería, la colombiana, que no paró en todo este tiempo de seguir componiendo, sorprendió con la publicación, con pocos meses de diferencia, de dos nuevos álbumes: Fijación oral Vol. 1, en español (junio de 2005), y Oral Fixation Vol. 2, en inglés (noviembre de 2005). El primero incluía temas como La tortura, interpretado a dúo con Alejandro Sanz, La pared o Las de la intuición. En sólo tres días las ventas en todo el mundo alcanzaron el millón de ejemplares. El vídeo de La tortura fue, además, el primero en español programado de forma regular en MTV y VH1.

Al éxito de este disco no le anduvo a la zaga Oral Fixation Vol. 2, con el que, al igual que el anterior, la cantante batió sus propios récords. Uno de sus sencillos, Hips Don't Lie, en el que contaba con la colaboración del rapero y productor Wyclef Jean, fue el más vendido de 2006; alcanzó el número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos y convirtió a Shakira en la única artista colombiana en lograrlo. Asimismo, fue un fenómeno digital: en una sola semana se contabilizaron 266.500 descargas de la canción. Los galardones no se hicieron esperar:Fijación oral Vol. 1 obtuvo en 2006, entre otros, el Grammy al mejor álbum latino de rock/alternativo, el Grammy Latino al mejor álbum del año y seis premios Billboard a lo mejor de la música latina. Con ambas versiones en inglés y en español, la superestrella colombiana emprendió en junio de 2006 un ambicioso tour que la llevó a ciento cuarenta ciudades de América del Norte, América Latina, Europa, África y el Sudeste Asiático. La gira se prolongó hasta julio de 2007 y fue seguida en directo por más de cuatro millones de personas.

Tras esta gira, Shakira se encerró en la preparación de su siguiente álbum de estudio, She Wolf, que vería la luz en octubre de 2009. En el ínterin colaboró con artistas como Alejandro Sanz (Te lo agradezco, pero no), Beyoncé (Beautiful Liar) o Miguel Bosé (Si tú no vuelves) y coescribió y grabó dos temas para la película El amor en los tiempos del cólera (2007), basada en la novela homónima de su compatriota Gabriel García Márquez. She Wolf incluía temas comoLoba o Gypsy (en cuyo vídeo promocional estuvo acompañada por el tenista español Rafa Nadal), que volvieron a situarla en el primer plano de la actualidad

En el verano de 2010, tras presentar su propio perfume, S by Shakira, la cantante colombiana fue la encargada de despedir la Copa del Mundo de Fútbol de Sudáfrica, al ritmo del Waka, waka, una nueva versión de la canción camerunesa Zangalewo e himno oficial del Mundial. Pocos días después se trasladó a Barcelona (ciudad de la que se declaraba enamorada), donde grabó el vídeo de presentación de su nuevo disco, Sale el sol, esta vez en castellano.Sale el sol, en el que destacaba una colaboración con Calle 13, apareció en octubre y se presentó en una nueva gira, "El Tour de la Delicias", que recalaría en España en noviembre.

Pese a vivir en el firmamento de la popularidad, a Shakira no se le han subido los humos a la cabeza. Desde hace años compagina su carrera artística con las causas humanitarias. A mediados de la década de 1990 creó la Fundación Pies Descalzos, dedicada a ayudar a niños víctimas de la violencia en Colombia, otorgándoles servicios educativos, nutricionales, psicológicos y médicos. Fundó además ALAS (América Latina en Acción Solidaria), una institución sin ánimo de lucro que aspira a impulsar el desarrollo infantil temprano en América Latina. En 2003 fue nombrada embajadora de buena voluntad de Unicef, y en 2006 recibió el premio Espíritu de la Esperanza por su trabajo humanitario.

Desde el año 2000, Shakira compartió su vida con Antonio de la Rúa, hijo del que fuera presidente argentino Fernando de la Rúa; los rumores de boda se intensificaron hacia 2007, sin llegar a concretarse, lo cual alimentó los rumores de ruptura; en 2010 la propia cantante confirmó que se habían separado de forma amistosa. Desde 2011 está unida sentimentalmente al futbolista del FC Barcelona Gerard Piqué, romance que, como el anterior, ha inundado las páginas de la prensa rosa. Bella, de impresionante sensualidad (especialmente con sus inconfundibles movimientos de vientre y cadera) y con un absoluto dominio de los escenarios, la artista colombiana, que en 2012 llevaba vendidos más de 125 millones de discos en español e inglés, no hace más que renovar su éxito año tras año.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/shakira.htm.

Porfi Baloa y sus Adolescentes

Porfi Baloa y sus Adolescentes (antes conocida comoAdolescent's Orquesta y comúnmente llamada Los Adolescentes) es una agrupación musical del género salsa conformada por jóvenesvenezolanos, que nace en diciembre de 1993, anteriomente producida por el sello disquero Korta Record's y bajo la dirección musical de Porfi Baloa, creador y arreglista de la mayoría de los temas de la orquesta.

Historia

A finales del año 1994 bajo el nombre de Adolescent's Orquesta saca al mercado su primer disco "Reclamando Nuestro Espacio" el cual contiene temas como "Anhelo", "Hoy Aprendí", "No Puedo Ser Tu Amigo", entre otros y el cual se convierte en un suceso musical a pocas semanas de su lanzamiento logrando llevar al primer lugar del Record Report el tema promocional "Anhelo" el cual durante varias semanas fue el tema más difundido en las emisoras radiales de Venezuela.

Posteriormente en el año de 1996 sale a la venta la producción discográfica denominada "Persona Ideal" la segunda producción en donde se encuentran contenidos exitosos temas de la orquesta como "Arrepentida", "Clase Social", "Celos y Distancia", "Horas Lindas", y más, vale la pena destacar que esta producción marca un record en la historia discográfica Venezolana ya que todos los temas alcanzaron el primer lugar en la carteleras musicales.

En 1998 incursiona en el mundo de actuación y de la mano con el lanzamiento de la tercera producción "La Misma Pluma" realizan una exitosa serie televisiva denominada "Jugando a Ganar" la cual fue transmitida tanto en Venezuela como en varios países de América Latina como por ejemplo Perú, Chile, Colombia entre otros, también con mucho éxito.

La orquesta ha combinado durante muchos años la creación y el lanzamiento de discos con la realización de giras promociónales por todo el mundo visitando países como Chile, Colombia; Perú, Costa Rica, México, Ecuador, Argentina, Holanda, Bélgica, Alemania, Suiza, Italia, Estados Unidos, Japón, y muchos otros donde han tenido la oportunidad de participar en festivales como el de Milán o Turín y hasta en eventos religiosos como el Jubileo 2000, en donde tuvieron la oportunidad de cantar y compartir con el Papa Juan Pablo II"

Para el año 2009 se puede afirmar que cuatro continentes han disfrutado del sabor desbordado por esta orquesta la cual ha roto esquemas y de manera especial la barrera del idioma, logrando que hombres, mujeres, jóvenes y adultos coreen y bailen cada una de las melodías que interpreta esta agrupación que sin duda alguna se ha convertido en fiel embajadora de la música tropical y del talento venezolano.

Ha sido merecedora de diferentes premios entre los que destacan Premio "Mara de Oro", "Meridiano de Oro", "Estrella de Oro", otorgado en Nueva York como la orquesta Revelación del Año durante los años 1996 y 1997, así mismo destacan los premios A.C.E entregado por la Asociación de Cronistas del Espectáculo de Nueva York, premio Lo Nuestro (Nominación) y uno de los más recientes el premio "Globo de Oro" en la categoría tropical salsa.

Luego de casi 7 años de fundación regresa a los primeros lugares, con los temas de su cuarta producción "Ahora Más Que Nunca" la cual trajo variedad en ritmos y letras entre los que destacan la salsa de siempre, una bachata, un son montuno y para sorpresa de todos un merengue bomba que hizo vibrar a los venezolanos y que llevo como siempre a la cima de la popularidad a los Embajadores de la Salsa en Venezuela.

En su quinta producción, presentaron un renovado tren delantero integrado por Everson Hernández, Armando Davalillo, Ángel Delgado, Óscar Arriaga y Porfi Baloa además de los ocho y no menos importantes músicos de la orquesta Alex Gil, Julio Antillano, Edwards Pimentel, Eliécer Dabuy, Jesús "Godo" Puente, Johan "Condi" Muñoz, David González Jr. y César "Albóndiga" Monge, quienes fusionaron todo su talento y nos traerán temas como "Aquel Lugar", "Se Acabó el Amor", "Paco", "Búscame", "Si Supieras" y "Cuerpo Sin Alma", entre otros.

Separación de Korta Records

Para marzo de 2010 y tras varios años de problemáticas internas relacionadas con el manejo de los derechos de autor correspondiente a las obras creadas por Porfi Baloa de parte de su socio Luis Francisco Mendoza (Dueño de Korta Records), se produce una ruptura de las relaciones entre el músico y su casa disquera1 lo cual conllevo a la salida de Oscar Arriaga y de los músicos Oswaldo Lezama y Pablo Santaella, quienes quedaron a la orden de Korta Records.

A raíz de esta separación se ha generado una disputa por la titularidad del nombre "Adolescent's Orquesta", ya que Luis Francisco Méndoza dice poseer los derechos sobre el nombre, rearmando una orquesta con las voces Oscar Arriaga un recien ingresado (Lenin Pineda) y de dos de los ex cantantes y 90% de músicos nuevos, procediendo a relanzar con el nombre "Los Adolescent's" a ésta nueva orquesta, por lo cual Porfi Baloa optó por definir un nuevo nombre que le permita al público diferenciar entre la orquesta original que siempre ha dirigido y la rearmada por la disquera, originando el cambio a Porfi Baloa y sus Adolescentes y la renovación del cuerpo de cantantes que ahora está integrado por los ya establecidos cantantes Everson Hernández y Ángel Delgado y la inclusión de Charlie Cardona (Ex-Grupo Niche) y Marlon Araujo (Ex-Magia Caribeña).

Actualmente ya han editado dos temas en esta nueva etapa: "Sera o no será" interpretado por Everson Hernández y el tema "Así lo quiso" interpretado por Charlie Cardona, ambos temas se han ubicado en altas posiciones de los rankings dentro de Venezuela y el exterior. Actualmente se encuentran preparando lo que sería su séptimo disco en su historia bajo la Producción y Dirección del Maestro Porfi Baloa y el primero en esta nueva etapa, que será titulado "Punto y Seguimos" a lanzarse en el último trimestre del 2012.

http://es.wikipedia.org/wiki/Porfi_Baloa_y_sus_Adolescentes#cite_note-4

Celia Cruz

(La Habana, 1924 - Fort Lee, Estados Unidos, 2003) Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de 1924, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad.

Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y del ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos -Dolores, Gladys y Barbarito- y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Su madre, que tenía una voz espléndida, supo reconocer en ella la herencia de ese don cuando, con once o doce años, la niña cantó para un turista que, encantado con la interpretación, le compró un par de zapatos.

Con otras canciones y nuevos forasteros calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra, y no sin pesar intentó satisfacerle y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió en pago 15 dólares en Radio García Cerrá.

Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950 ya había intervenido en varias emisoras cuando pasó a integrar el elenco del cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de la Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Mirta Silva, la solista oficial de la orquesta.

A lo largo de los años cincuenta Celia Cruz y la Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo... La Cuba de Chico O’Farril y su Sun sun babae, la de La conga de los Habana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú... Celia aportó su Cao Cao Maní Picao y se convirtió en un éxito, y otro posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.

Celia Cruz se había ganado ya varios de los apodos y títulos con que quisieron distinguirla. Fue la Reina Rumba, la Guarachera de Oriente y, desde las primeras giras -por México, Argentina, Venezuela, Colombia, la Guarachera de Cuba.

Era la Cuba corrupta y bullanguera de Fulgencio Batista. Cuando el dictador se vio obligado a refugiarse en la República Dominicana ante el triunfo de los castristas, el 1 de enero de 1959, la orquesta tuvo que andar otros caminos. Según la cantante, desde entonces soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio de 1960 la banda en pleno consiguió el permiso para presentarse en México y, una vez allí, en parte impulsada por el agravamiento de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar.

Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se mudaba a Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su furibunda militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al Comandante».

Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965, en que ambos dejaron la Sonora, se convirtió en su representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall, cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.

Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania. Ya era famosa en 1974, cuando grabó el disco Celia & Johnny con el flautista dominicano Johnny Pacheco, considerado el primer clásico del género.

Desde entonces, el éxito fue una constante en centenares de conciertos coreados por un público entregado al grito de su Bemba colorá. Esa voz electrizante, su alegría contagiosa y el llamativo vestuario fueron pronto una bandera de identidad de los inmigrantes. Ella, a su vez, terminó por asumir el rol de estandarte del anticastrismo.

Como tal, Celia Cruz quiso dejar su impronta también en el cine, y participó como actriz -ya lo había hecho varias veces como cantante- en Los reyes del mambo (1992) y Cuando salí de Cuba (1995), porque ambas películas reflejaban historias de los primeros exiliados cubanos, en parte cercanas a la suya. Aunque la suya fue única, y así lo entendieron los miles de compatriotas que desfilaron ante sus restos después de que falleciese el 16 de julio de 2003, a los setenta y ocho años de edad, en Miami y Nueva York, donde recibió sepultura.

También los cubanos de la isla, pese a la prohibición oficial de su música después de más de cuarenta años, reconocían su valor de guarachera universal, la más grande embajadora musical de Cuba. Pocos días después de su fallecimiento fue homenajeada por sus compañeros de profesión en la gala de entrega de los Grammy latinos.

«¡Azúcar!» era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo. Difícilmente alguien ha bailado más -y ha hecho bailar más- que esta cubana de sonrisa contagiosa y persistente que conquistó adeptos de todas las latitudes a lo largo de más de cincuenta años de exitosa trayectoria. Cantante de guarachas, danzones, sones y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista consagrada.

Así se erigió en la imagen distintiva de la salsa con orquestas como las de Tito Puente, Willie Colón, Ray Barretto o Johnny Pacheco, y así llegó a cantar incluso rock o tango, y a unir su poderosa voz a la de intérpretes tan dispares como el británico David Byrne, el rumbero gitano Azuquita, el grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs, los españoles Jarabe de Palo y el rapero haitiano Wyclef Jean, además de improvisar duetos con sus amigas Lola Flores y Gloria Estefan, y con Dionne Warwick o Patti Labelle.

Enfundada en sus fastuosos y extravagantes vestidos, tocada con pelucas imposibles y encaramadas sobre esos zapatos únicos de alto tacón inexistente, Celia Cruz conservó hasta casi el último momento una vitalidad insólita. Feliz con su flamante Grammy al mejor álbum de salsa por La negra tiene tumbao, en el verano de 2002 celebró su 40º aniversario de matrimonio con una fiesta que le organizó la cantante Lolita Flores en Madrid.

En noviembre, durante un concierto en el Hipódromo de las Américas de México, D. F., empezó a perder el control del habla. Al regresar a Estados Unidos se sometió a la extirpación de un tumor cerebral, pero al final no hubo remedio. Aun así, el 13 de marzo apareció por última vez en público cuando la comunidad latina le tributó un homenaje en el teatro Jackie Gleason de Miami, que ella rogó que no fuera como una despedida. Se sentía optimista y con fuerzas. Por esos días, entre febrero y marzo, grabó un último disco que no llegó a ver editado, Te entrego el alma.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cruz.htm

(La Habana, 1924 - Fort Lee,

Celia Cruz en 1950

Salsa (género musical)

La salsa es el término usado a partir de los años setenta para definir al género musical resultante de una síntesis de influencias musicales cubanas con otros elementos de música caribeña, música latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano. La salsa fue desarrollada por músicos de origen latino en el Caribe hispano y la ciudad de New York.

La salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la salsa romántica y la timba.

Esencia de la salsa

El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como «un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación» y «una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York». El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así.2

El célebre músico neoyorquino de ascendencia puertorriqueña, Tito Puente, negaba la existencia de la salsa como género en sí mismo y afirmaba que "lo que llaman salsa es lo que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come, no se oye, no se baila».[cita requerida]

No obstante autores como Héctor A. García señalan como un elemento fundamental en el surgimiento de la salsa en los años setenta al quehacer musical de los músicos puertorriqueños y su cultura, tanto en la isla de Borinquen como en su diáspora neoyorquina. Se señala el peso específico de los puertorriqueños en New York que, aunque minoría, eran numéricamente muy superiores a cualquier asentamiento latino. También se aduce que cierta merma en el intercambio cultural entre Cuba y E.E.U.U. fruto del advenimiento de la revolución cubana de 1959 potenció el protagonismo de los boricuas en la escena musical latina de New York.3

Características

La salsa presenta las siguientes características:

Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4.

Melodía: En muchos casos las melodías usadas en la salsa se corresponden con las empleadas tradicionalmente en el son montuno aunque puede asimilarse también a otros géneros de la música cubana y caribeña tradicional, inclusive melodías de la música popular latinoamericana.

Armonía: Se corresponde con la utilizada en la música occidental.

Instrumentación: Usa instrumentos de percusión cubanos popularizados desde los años veinte como pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas y conga (se diferenciaba de otros tambores afro latinos por su herraje de afinación). La instrumentación se complementa con piano, contrabajo (en muchos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón, trombón, flauta y violín. La influencia del jazz afrocubano viene determinada por el arreglo aunque no es una condición imprescindible en la salsa.

Historia y expansión

Durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, la música afrocubana era consumida ampliamente por los sectores de origen latino en la ciudad de Nueva York. Los cubanos en Nueva York, los puertorriqueños y otros músicos de otros países, fundamentan su música en gran medida en los elementos de origen afrocubano.

Según algunos músicos e historiadores, salsa es un nombre comercial dado a toda la música cubana en los años setenta. En esta corriente se ubican Ray Barretto, Rubén Blades, Larry Harlow, Papo Lucca, Johnny Pacheco, Tito Puente, Roberto Roena, Bobby Sanabria y Bobby Valentin.

La salsa se expandió a fines de los años setenta y durante los ochenta y noventa. Nuevos instrumentos, nuevos métodos y formas musicales (como canciones de Brasil) fueron adaptados a la salsa. Nuevos estilos aparecieron como las canciones de amor de la salsa romántica. Mientras tanto la salsa se convirtió en parte importante de la escena musical en Colombia, Venezuela, Panamá y lugares tan lejanos como Japón. A la llegada del siglo XXI, la salsa se ha convertido en una de las formas más importantes de la música popular en el mundo.

Orígenes y evolución

En los años treinta, los septetos y sextetos (que solo usaban bongó) eran muy populares en Cuba. Cuando Gerardo Machado prohibió el uso del bongó, las charangas (que solo usaban timbales) se popularizaron, llegando a presentarse algunas agrupaciones en Estados Unidos. La censura fue levantada en los finales de los años treinta y los bongos fueron utilizados nuevamente.

Cerca de 1940, el Conjunto Llave de Rafael Ortiz introdujo las tumbadoras o «congas» en una orquesta, instrumentos que anteriormente solo se usaban en música folclórica afrocubana. Arsenio Rodríguez popularizó el uso de las congas al integrarlas a su conjunto, introduciendo el son montuno a nivel comercial.4 La integración de las tumbadoras ybongos en los conjuntos que tocaban son montuno sería una de las fuentes fundamentales de la instrumentación de orquestas de baile.

En los años cuarenta, Machito le agregó trombones al son montuno y la guaracha y estas innovaciones influenciaron a músicos como José Curbelo, Benny More, Bebo Valdés. Mario Bauza, director y arreglista de la orquesta de Machito «Los Afro-Cubans», está considerado el padre del jazz afrocubano. En su álbum Tanga de 1943 fusionó la música afrocubana con el jazz.

La influencia del jazz afrocubano y del mambo de Dámaso Pérez Prado en 1948 determinó que se introdujera el saxofónen las orquestas de son montuno y guaracha. Enrique Jorrín en 1955 le agrega trompetas a las orquestas de charangaque hasta ese momento solo usaban violín y flauta.

En los años cincuenta, la música bailable cubana, como el son montuno, mambo, la rumba y el chachachá, fueron música de corriente principal en los Estados Unidos y Europa.5 En la ciudad de Nueva York, el «estilo cubano» de las bandas fue formado fundamentalmente por músicos cubanos, puertorriqueños y dominicanos. Como ejemplo, podemos mencionar a Machito, Tito Rodríguez, el director catalán Xavier Cugat, Johnny Pacheco y Tito Puente. Por otro lado, fuera del círculo de Nueva York, grupos como la Orquesta Aragón, la Sonora Matancera y Dámaso Pérez Prado y su mambo lograron una importante proyección a nivel internacional.6 El mambo fue influenciado por el jazz afrocubano y el son y las grandes bandas de este género mantuvieron viva la larga tradición del jazz dentro de la música latina, mientras los maestros originales del jazz se limitaban a los pequeños espacios de la era del bebop.

En 1969 Juan Formell introduce el bajo eléctrico en los conjuntos soneros de Cuba.

El cuatro puertorriqueño fue introducido por Yomo Toro en la orquesta de Willie Colón en 1971 y el piano eléctrico en los años 70 por Larry Harlow.

La música latina interpretada en Nueva York desde 1960 fue liderada por músicos como Ray Barretto y Eddie Palmieri, fuertemente influenciados por ritmos cubanos importados como la pachanga y el chachachá). Después de la crisis de los misiles de 1962, el contacto cubano-estadounidense decayó profundamente.7 El resultado fue el crecimiento de la influencia puertorriqueña en la salsa en el Nueva York de los años setenta. La comunidad puertorriqueña de Nueva York, llamada por los estadounidenses «nuyoricans», se hizo del liderazgo de la música latina, aunque siempre influenciada por la música de reconocidas celebridades cubanas como Miguelito Valdés, Machito, José Curbelo, Chano Pozo y Arsenio Rodríguez.

Surge la salsa

La palabra salsa para designar la música hecha por los latinos en Estados Unidos, comenzó a usarse en las calles de Nueva York a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Por esta época, el pop latino no era una fuerza importante en la música que se escuchaba en los E.E.U.U. al perder terreno frente al doo wop, al R&B y al rock and roll. El surgimiento de la salsa abre un nuevo capítulo de la música latina en la música popular estadounidense.

http://es.wikipedia.org/wiki/Salsa_(g%C3%A9nero_musical)

Maelo Ruiz

Ismael Ruiz Hernández, conocido como Maelo Ruiz, nació un 22 de octubre de 1966 en Nueva York.

Nace en los Estados Unidos pero a los 4 años de edad se trasladó junto a toda su familia a Puerto Rico de donde eran originalmente. Comienza su carrera en la música muy joven a la edad de 16 años cuando empieza a cantar en la "Escuela Libre de Música de Caguas". A pesar de esto comienza realmente su carrera en la música a la edad de 19 años cuando comienza su internacionalización siendo la primera voz de Pedro Conga y su orquesta Internacional a la cual perteneció 7 años y grabó 4 producciones junto a Pedro Conga. Los éxitos “No Te Quites La Ropa” sobrepasaron las 50,000 unidades en ventas mereciéndose su primer Disco de Oro en Puerto Rico, Atrévete, Vicio (Disco de Oro en Colombia), Quiero Volver, Si Supieras, Te Quiero Amor y Me Niegas Tanto Amor fueron éxitos que dieron a conocer a Maelo Ruiz en Latinoamérica.

En 1994 lanza su Primera producción como solista "Solo" (1994) donde se destacó el tema "Te Necesito Mi Amor", colocándose cuatro semanas consecutivas Primer lugar en Colombia, Panamá, Venezuela, Chicago, Los Ángeles, Miami. En Perú y Ecuador fue galardonado como Mejor Salsero de 1995 con Premio Rumba de Oro.

En su Segunda producción, "Experiencia" (1996), este joven sonero extiende su talento al mercado mexicano y tejano y se escuchan fuertemente los temas "Te Amo", "El Reloj Cucú", "La Primera Noche", "La Dueña de Mi Corazón", entre otros. En su Tercera producción "Maelo Ruiz" (1999) expande su fanaticada hacia Europa interpretando temas románticos "Oh Mujer", "A Media Luz" y "Maldito".

Es en junio de 2004 que graba su cuarta producción como solista "En Tiempo De Amor" (2004) y la primera bajo el sello Codiscos, S.A., producción dirigida por el maestro Diego Galé donde se destacan temas románticos "Así Eres Tú" de Axel Martínez, "Será Que Si" de Luis Lambis, dos baladas "Por Favor Señora" de Juan C. Calderón, "Te Va a Doler" de Álvaro Torres y un medley de éxitos de Maelo.

Para el año de 2007, Maelo lanza, de la mano de esta misma disquera, su disco "Puro Corazón", donde versiona algunos temas románticos clásicos de los años 90 como "Entrégate" (originalmente interpretada por Luis Miguel).

También versionó el sencillo "Amor, amor" interpretado originalmente por Camilo Sesto.

Actualmente, es administrativo y socio mayoritario de la Universidad Autónoma de Guadalajara Campus Tabasco, impulsando a los jóvenes para poder continuar con sus estudios, abriendo talleres musicales, buscando talentos e impulsando a la música de tal manera que los jóvenes desarrollen sus potenciales.

http://es.wikipedia.org/wiki/Maelo_Ruiz

Maelo Ruiz

Tito Puente

(Ernesto Antonio Puente; Nueva York, 1920 – 2000) Compositor y percusionista estadounidense de origen latino. Conocido como "el rey de los timbales" por sus vigorosas interpretaciones con este instrumento, fue uno de los grandes difusores de la música latinoamericana en Estados Unidos. Considerado universalmente como el padre de la salsa y el jazz latinos, dedicó más de seis décadas de su vida a hacer música, actividad en la que dejó una prolífica obra que abarca más de cien álbumes grabados entre 1949 y 1994.

Hasta los diez años de edad, el pequeño Tito sólo ambicionaba ser bailarín profesional, pero tras lesionarse un tobillo mientras montaba en bicicleta, su vocación dio un giro radical; se decidió a estudiar composición musical y empezó a tocar con bandas locales. Considerado por su familia y amigos un niño prodigio, su primera actuación tuvo lugar a temprana edad con la banda de Los Happy Boys en el Hotel Park Place, y poco después, ya en la adolescencia, se unió a Noro Morales y la Orquesta Machito.

Tras el paréntesis que supuso la Segunda Guerra Mundial, que pasó en la marina, retomó su carrera musical. Se matriculó en la Escuela Juilliard para estudiar dirección de orquesta, orquestación y teoría musical, materias éstas en las que se graduó en 1947 con las mejores calificaciones a la edad de veinticuatro años. Por aquel entonces conoció a Charlie Spivak, a través del cual Puente comenzó a interesarse por la composición para big band.

Durante su estancia en la Escuela Juilliard Puente tocó con José Curbelo, con Pupi Campo y con Fernando Álvarez y su Grupo Copacabana. En 1948 formó su propia banda, los Picadilly Boys, pronto conocida como la Orquesta de Tito Puente, con la que grabó su primer éxito, Abaniquito, para la firma Tico Records al año siguiente. En 1949 firmó un contrato con la casa RCA Victor y grabó el sencillo Ran Kan Kan.

Los éxitos de Tito Puente empezaron a llegar con la década de los cincuenta, momento en que el mambo gozaba de la máxima popularidad; grabó algunos grandes temas que se convirtieron en favoritos de la radio, como Barbarabatiri, El Rey del Timbal, Mambo la Roca y Mambo Gallego. Con la firma RCA editó Cuban Carnival, Puente Goes Jazz, Dance Mania y Top Percussion, cuatro de sus álbumes más populares.

Hacia 1960 Puente se encumbró como el principal músico de mambo de la década y, con su fama ya consolidada, a finales de la misma desarrolló una singular fusión de mambo, big band y jazz. Resumió así en su persona el movimiento de fusión de la música latina y el jazz de la época.

Empezó también a colaborar de forma asidua con otros músicos, como el trombonista Buddy Morrow, Woody Herman y con los músicos cubanos Celia Cruz y La Lupe. En 1963 grabó para la Tico Records, arropado por Carlos Santana (con el que grabaría también Para los rumberos en 1974), el tema Oye cómo va que introdujo la música de Puente en una nueva generación. En 1967 Tito dio a conocer sus composiciones en la Ópera Metropolitana del Lincoln Center.

Su música no se puede catalogar como salsa hasta la década de los setenta, ya que también contenía elementos de big band y de jazz en su composición. Una de las giras más importantes fue la realizada en 1979 a Japón, por las posibilidades de abrirse a la audiencia oriental. Tras su regreso de Japón, el músico actuó para el presidente de los Estados Unidos, Jimmy Carter, en la celebración Mensual de la Herencia Hispana. Ese mismo año recibió el primero de los cuatro premios Grammy con que fue reconocido a lo largo de su trayectoria por A Tribute to Benny More. Los otros llegaron en 1983 por On Broadway, en 1985 por Mambo Diablo y en 1989 por Goza Mi Timbal. Contó, además, con otras ocho nominaciones al premio, más que ningún otro músico latino anterior a 1994.

Tito Puente grabó sus últimos discos con big band en 1980 y 1981. Realizó giras por ciudades europeas con el Latin Percussion Jazz Ensemble, y grabó discos con este grupo durante los años ochenta. Además, continuó dedicándose a la composición, grabación e interpretación musical a lo largo de los años ochenta, pero sus intereses se ampliaron en esta etapa y se extendieron hacia otros campos, como el cine o la televisión.

En la televisión se estrenó en 1968 como presentador del programa The World of Tito Puente, y desde mediados de los años ochenta hizo varias apariciones en programas de máxima audiencia televisiva, como The Bill Cosby Show o los conocidos dibujos animados The Simpsons. También apareció en las películas Días de Radio (1987), Armadas y peligrosas (1986) y Los reyes del mambo (1991)

En 1991, a la edad de 68 años, grabó su álbum número cien, titulado precisamente El Número Cien y distribuido por Sony para RMM Records. Tres años más tarde grabó con su grupo Golden Latin-Jazz Allstars dos grandes álbumes: Master Timbalero, en el que se integraban grandes clásicos como The Peanut Vendor y Nostalgia in Times Square, e In Session.

Además de las distinciones ya mencionadas, a su muerte contaba en su haber con el más prestigioso de los premios de la música, el que concede la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (1994) y había sido nombrado doctor Honoris causa por la Universidad de Old Westbury. Formaba parte del elenco del America Who's Who y tenía su propia estrella en el paseo de la fama de Hollywood. En 1969 el alcalde de Nueva York, John Lindsay, le había hecho entrega de las llaves de la ciudad. No se olvidó tampoco de los desfavorecidos de la fortuna, para los que creó la Fundación de Becas Tito Puente con la finalidad de ayudar a los niños con talento musical y pocos medios.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/puente_tito.htm

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