El Arte Latinoamericano

UNIVERSIDAD TÉCNICA DE COTOPAXI

TRABAJO DE TÉCNICAS GRAFOPLÁSTICAS

EL ARTE LATINOAMERICANO EN LA EDAD MODERNA

INTRODUCCIÓN

Si bien en Arte Latino, cubrimos la producción latina a nivel global, llegando más allá de las fronteras continentales americanas para incluir además de España y Portugal al resto del planeta, consideramos pertinente una breve introducción a las manifestaciones plásticas latinoamericanas por separado debido a sus particulares características históricas y culturales.

Latinoamericano es considerado sinónimo de iberoamericano, término con el cual denominamos al conjunto de habitantes en América colonizados por los españoles y portugueses.

Por lo tanto, esta breve reseña sobre el arte latinoamericano abarcará a México, los países de América Central y el Caribe y Sudamérica.

OBJETIVO GENERAL

• Construir herramientas interpretativas para la comprensión de los procesos históricos que dan sentido a las prácticas artísticas actuales.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

• Reconocer la discusión conceptual de las teorías culturales (conceptos fundamentales).

• Proponer nuevos escenarios de análisis y acción a las problemáticas del arte y las sociedades que los producen.

• Relacionar los conceptos de arte latinoamericano para aplicarlo en el proceso de enseñanza y aprendizaje de técnicas grafoplásticas.

MARCO TEORICO

Comienza propiamente con la llegada a América de los pueblos latinos procedentes de Europa (españoles, portugueses, italianos, franceses). Si bien había previo a la llegada de los latinos un amplio desarrollo artístico de parte de las distintas culturas indígenas que habitaron el continente antes de la invasión española en el siglo XVI, y éstas influenciarían los desarrollos artísticos regionales, no se les puede catalogar como 'latinoamericanas' ya que estos pueblos no hablaban una lengua latina. El arte de estos pueblos se cataloga más bien como precolombino.

SIGLO XIX

El eurocentrismo artístico, basado en el clasicismo y el realismo enseñado en las varias academias fundadas por las nuevos estados, continuó su predominó tras la independencia. Entre los artistas de este período se puede mencionar a los argentinos Eduardo Sívori, Prilidiano Pueyrredón, Ernesto de la Cárcova, los chilenos Pedro Lira y Alfredo Valenzuela Puelma, los brasileños Victor Meirelles y Manuel de Araújo Porto-alegre o los mexicanos Santiago Rebull y José María Velasco, entre otros.

SIGLO XX

Ya a principios del siglo XX, el arte latinoamericano comenzó a inspirarse en los distintos movimientos surgidos dentro del modernismo europeo, como fueron el cubismo, el constructivismo o surrealismo y el muralismo. El muralismo es uno de los principales movimientos artísticos surgidos en Latinoamérica y es representado por pintores como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo en México, y Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado en Colombia. El uruguayo Joaquín Torres García fue un representante importante del constructivismo. Dentro del surrealismo algunos de los principales representantes lo fueron el cubano Wilfredo Lam, el chileno Roberto Matta, o la mexicana Frida Kahlo.

PRESENTE

En la actualidad el arte latinoamericano es altamente heterogénea e individual. Entre los artistas de la región que sobresalen internacionalmente cabe mencionar al argentino León Ferrari, los brasileños Vik Muniz y Cildo Meirelles, el chileno Claudio Bravo, el colombiano Fernando Botero, el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, los mexicanos Francisco Toledo, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Pedro Friedeberg, Ignacio Barrios, Jorge Marín, Luis Nishizawa Flores, los peruanos Teodoro Núñez Ureta y Fernando de Szyszlo, entre muchos otros.

EL EXPRESIONISMO.

“Corriente expresionista que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva”. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el Renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Aunque el termino expresionismo no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos. Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto por encima de su apariencia física. Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románicas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas. Los auténticos precursores del expresionismo vanguardistas aparecieron sin embargo a finales del siglo XIX y principios del XX, encontrando las figuras del pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch , que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.

“El arte es en esencia una representación ficticia de aquello que el hombre es capaz de ver, de sentir o de soñar”. “Un lienzo en blanco es una obra de arte en potencia en cuya realización van a intervenir dos factores esenciales: el artista, con su sensibilidad y mente creadora, y la forma, que se manifiesta como estilo o convención, de modo parecido a como utilizamos una lengua. Los movimientos que conocemos como Vanguardia lograron establecer el principio de libertad del artista frente al dogmatismo de la Academia y del arte oficial. Pero en el uso de su libertad los artistas se bifurcan en dos grandes corrientes que representan dos maneras de enfrentarse

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