EL CUERPO HUMANO EN EL ARTE

JASSON SARMIENTO GUZMAN                 DISEÑO I

EL CUERPO HUMANO EN EL ARTE

Los seres humanos  siempre han  tenido la necesidad de expresarse conocerse y manifestarse. Al paso de los años la historia ha logrado cambiar el pensamiento sobre el arte y la cultura vemos como ha evolucionado en distintas culturas y épocas.

El cuerpo humano es una entidad viva cuya estructura y funciones propias le permiten diferenciarse de otros y percibir la realidad de acuerdo al contexto donde se desarrolla, siendo notable las diferencias representativas con el paso del tiempo, pero por que se considero el cuerpo humano como principal exponente del arte, el cuerpo humano como elemento de representación en el arte fue llamado "figura humana" por los artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de deseo, al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de estudio del arte.

En la prehistoria la representación humana se inicia pero no era claro el sexo ni los rasgos físicos, en la era mesopotámica las figuras eran frontales, con las manos juntas; no daban la sensación de movimiento, en Egipto las figuras humanas no eran realistas; dibujaron de perfil y sin movimientos, en Grecia el cuerpo humano era muy importante, las esculturas son claras manifestaciones, el arte romano se caracteriza por su realismo extremo en el tratamiento de la figura humana, en la época paleocristiana la figura humana pasa a segundo plano; el valor estaba en la representación y no en la estética, en el arte gótico la figura humana va tomando mayor importancia. Las mujeres son pintadas bellamente: el ropaje elegante, al cuerpo. En el arte bizantino la figura humana tenía los rasgos marcados y el hombre tenía la barba en forma triangular; el renacimiento ha sido uno de los movimientos más importantes dentro del ámbito del arte. El artista comenzó a interesarse por la anatomía humana, la cual fue hecha con perfección, de allí al manierismo donde los cuerpos tomaron la forma alargada, la cabeza pequeña y el semblante estilizado. Las posturas eran muy artificiales, en el barroco los artistas mostraron un gran sentido de movimiento y energía. Además, buscaron representar los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, reflejados en los rostros de sus personajes, en el rococó la figura humana pasa a ser más templada, se ven sonrisas en los rostros; utilizaron colores claros y los personajes fueron representados con elegancia. Los temas reflejaron la imagen de una sociedad en transformación, en el neoclasicismo las figuras humanas pasaron a formar parte de temas mitológicos, se utilizaron temas emotivos y con fondo moralizador. Utilizaron la línea y el volumen, en el romanticismo las figuras tenían las líneas más suaves y onduladas. El color era tenue y matizado; la composición fue más dinámica. La pasión y el sentimiento son transmitidos por la obra.

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