Noche estrellada van Gogh

Asignatura: Historia del Arte

Autora del trabajo y curso: María Paula Bravo Muñoz

Grupo 1ºB Grado en Turismo

“LA NOCHE ESTRELLADA” Vincent Van Gogh, 1889

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• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Dimensiones: 73,7 cm x 88,2 cm
• Localización actual: Museo de Arte Moderno de Nueva York

La noche estrellada es la obra maestra del pintor postimpresionista Vincent Van Gogh. Con una dimensión de 73,7 cm x 88,2 cm. El cuadro fue realizado por él mismo en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde estuvo recluido hasta el final de su vida, esta obra nos muestra una vista nocturna de el sanatorio, concretamente una vista desde la ventana de su habitación. Dicha obra fue pintada en 1889. Forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1941. Es considerada como la gran obra de arte de Van Gogh, y es conocida como una de las pinturas más famosas de la historia.

1. ANÁLISIS FÍSICO DE LA OBRA DESDE TODOS LOS PUNTOS DE VISTA: Materiales; técnicas; estado de conservación; tipología; descripción formal de estructura y decoración; localización, descripción, transcripción y traducción de inscripciones, firmas, marcas y estampillas.

Con respecto a las técnicas, la usada por el pintor es el óleo, aplicado en abundancia, técnica del empaste, con pinceladas vigorosas y cortas que contribuyen a la fuera expresiva de la obra. La gama cromática usada por Vincent es fría con predominio de azules, celestes, verdes y grises, aunque también como contrapunto cromático usa el naranja y amarillo de las estrellas, colores complementarios al azul dominante en la obra. En el arte las líneas mantienen su forma básica y pueden ser reales, implícitas, verticales y horizontales. En esta obra, van Gogh utilizó líneas reales en el giro de las formas de las estrellas vistas en el firmamento. Las líneas son horizontales y actúan como indicadores de movimiento direccional, y el sentido rítmico, sugiriendo planos o volúmenes, conduciendo la vista del espectador hasta el extremo superior de la composición. Estas líneas son el centro de interés, en toda la obra, y es lo primero que se nota al verla. Las líneas son curvas en su mayoría. Expresan un movimiento ondulante, marcando recorridos visuales, algunos más importantes que otros, como los que recorren el cielo, o las líneas sinuosas del ciprés del primer plano, y que se convierten en ejes direccionales. Las únicas líneas rectas son las de los tejados de las casas. Los contornos de las casas del pueblo están marcados con gruesos trazos de tonos oscuros. La textura está implícita en la obra. Las gruesas pinceladas de Van Gogh provocan que la pintura parezca tener una textura rugosa. Las líneas pintadas en el cielo y árboles en el fondo parecen ser tridimensionales. La textura crea contraste, y hace que las colinas y estrellas de la pintura parezcan remarcadas en un plano distinto al resto de los elementos.                                                                                                            La pincelada de Vincent en la época era pastosa y alargada, no había planos de color, sino que éste se creaba con infinidad de trazos de pincel. La pincelada define el contorno, la estructura y la descripción interna de cada elemento, fabricando con esto el cromatismo.

En la obra, van Gogh utiliza el color para dar balance, armonía, contraste y ritmo a la pintura; algo común en los artistas para darle emoción y significado a sus obras de arte. El protagonista es el color azul, uno de los favoritos del artista. La variedad cromática es pequeña y la luna presenta el color complementario del azul; el naranja, por eso la vibración es intensa. Los amarillos, grises y blancos están aplicados a manera de contraste o diafonía del propio azul que domina todo el cuadro.

La composición está dividida en dos partes: la inferior con la ciudad y las montañas que abarca aproximadamente un poco más de un tercio del total del cuadro y la superior con el cielo estrellado que abarca lo restante. Ambas zonas están ligadas por los cipreses en el primer plano, cuya gama cromática oscila entre un verde azulado, pasando por el pardo y unos ligerísimos toques de color casi blanco. El amarillo brillante de la luna y las estrellas se repite, creando un ritmo y trayendo balance a la composición. El amarillo contrasta contra el azul del cielo nocturno y de la aldea. El cual hace que el amarillo resalte aún más. El balance entre luz y oscuridad también crea armonía en toda la obra.

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1.  COTEJO CON LOS PARÁMETROS ESTABLECIDOS POR LA HISTORIOGRAFÍA DEL ARTE QUE PERMITEN SU SITUACIÓN EN UNA ÉPOCA Y UN ESTILO O CORRIENTE ESTÉTICA:

La obra pertenece al género: pintura del paisaje.

El postimpresionismo es un movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como continuación y contraposición al impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.

Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por eso para entender el postimpresionismo debemos saber que a éste se le debe la libertad artística en su conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y contemporáneos. Lo que lo caracteriza son las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época. Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, sino que se observa como un conjunto. El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de las ramas destacadas del postimpresionismo es el “japonismo”, sub-estilo del cual Vincent Van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo, con obras como: “un cangrejo de espaldas”.

En la composición de la noche estrellada, Van Gogh aborda el tema de los cuadros nocturnos de las épocas de Arles y París. Es una de las pocas pinturas donde el pintor renuncia a la observación directa de la naturaleza para crear formas y colores y se entra para ello a las consignas de su fantasía, estableciendo de este modo una atmósfera de notoria originalidad.

En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas, los colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de finales de 1800. Las barreras de la razón se destapan por completo y dan lugar a una cultura inclusión e igualdad que hasta hoy perdura.

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