Hollywood Se Come Al Arte

Hollywood se come al arte

En la última década se observa un fuerte avance de las películas hollywoodenses (cine industrial o “pochoclero”) frente al “de autor” e independiente, que en Argentina parece estar en vías de extinción.

En principio hay que diferenciar a lo que se conoce como cine industrial y a que cine de autor. El segundo surge en abril de 1951, gracias a una de la revistas más prestigiosas del mundo del cine, “Cahiers du Cinema”. La publicación tenía como editor a Varic Rohmer y conto con las colaboraciones de grandes directores como Godard, Chabrol o Truffaut.

Críticos inspirados por el texto de 1948 “La Cámara Plume” de Alexandre Astruc. Ellos se oponían a las ideas del “neorrealismo italiano”, el cual proponía que el autor cinematográfico era aquel capaz de plasmar la realidad tal cual era, sin ningún tipo de manipulaciones. Sin embargo para estos críticos el cine debía proponer una visión particular de la realidad y revelar la presencia de su autor-director. Ellos luego se convirtieron en cineastas como Francois Truffat y Jean Luc Godard quienes aportaron a la corriente “nouvelle vogue” francesa realizaciones importantes como “Los 400 golpes” (1959) del primero y “Al final de la escapada” (1960) del segundo.

Dichos cineastas impulsaron la teoría del autor que defiende la totalidad de la aceptación de las responsabilidades frente a las películas dirigidas, lejos de los grandes estudios y las espectaculares producciones que limitaban las decisiones y el contenido final y personal del producto.

Por su parte, en el cine comercial las grandes compañías destinan un elevado porcentaje a la contradicción de famosos actores y directores. Lo mismo ocurre con la inversión que se da en grandes escenarios, poderosos decorados y costosas postproducciones digitales. Priman en él los efectos especiales. La temática del cine industrial está pensada para evadirse de la realidad. Su lenguaje suele ser simple, se caracteriza por no hacer pensar. En Hollywood predomina la acción, las catástrofes, las recreaciones del mundo del comic y sobre todo la ciencia ficción. Y aunque se gastan grandes cantidades de dinero en contratar a estrellas, esto no quiere decir que las películas sean mejores.

En el cine de autor el director tiene un papel preponderante, además del guion se encarga de otros aspectos como el sonido, la fotografía en la medida que pueda.

Aunque hay ejemplos de directores de renombre que lograron realizar películas de autor dentro de la industria: Martin Scorsese, Woody Allen, los hermanos Coen, entre otros.

Poder filmar sin caer dentro de los esquemas del sistema de estudios es la libertad que desea todo director por ello buscan sus propias fuentes de financiamiento, por fuera de las grandes compañías estadounidenses, de las formas más increíbles. Por ejemplo, para filmar “Shadows”, John Cassavetes se nutrió del aporte de la audiencia del programa radial “Night People Story”, donde cada uno de los dos mil oyentes dono un dólar.

El cine de autor aborda temas que el cine convencional no tuvo en cuenta tradicionalmente: los homosexuales, las drogas, la prostitución, la mentira del sueño americano, la decadencia de la familia. Pero actualmente la gran industria absorbió dichos temas y los difundió, basta mencionar a “Secreto en la montaña” de Ang Lee, con una gran cantidad de nominaciones al Oscar incluyendo mejor película.

Finalmente la estética del cine de autor abarca diferentes formatos e ideas. Desde el blanco y negro, fotografía sucia, colores brillantes son algunos de los recursos utilizados. Como sostiene Johnatan Rosenbaum, “un cineasta de autor es alguien que tiene el control final sobre su trabajo”, lo que le permite mantener inmune su obra.

¿Cine independiente igual a cine de autor?

Lo independiente no tiene porque ser de autor ni lo de autor ser independiente.

El cine de autor si prospera y genera adicción, terminara convirtiéndose en clásico o en película de culto. No deja ser de autor pero pasara al cine grande.

Entre los exponentes de este estilo encontramos a Bergman, Luc Bresson, David Lynch. La esencia de este cine es reconocerlo al instante, que tenga la capacidad de hacernos asociar, mediante signos o elementos, sin tener que ser exclusivamente a un director pero si a una especie de microcosmos. Lo importante es fijarse en los detalles, sobre todo en lo inconsciente que es lo que más personalidad otorga. Sin ellos queda un producto impersonal.

Pero los Estados Unidos idearon el término “cine independiente”. Por éste se entiende aquel que fue producido sin apoyo comercial ni industrial, cosa hoy difícil de lograr porque hasta lo independiente genera moda y tiene apoyo publicitario. Basta mencionar que los grandes estudios como FOX o Warner tienen su propia división para filmar películas de este tipo.

Lo que caracteriza al cine independiente siempre existió porque siempre existieron lugares sin apoyo o prácticamente sin industria cinematográfica que trataron de sacar sus proyectos a la luz.

El concepto “de autor” está más arraigado en Europa, y lo independiente en América, pero hoy en día nadie tiene la exclusividad de nada. El cine independiente existe en la India, en Estados Unidos, o en China. Y el “de autor” también se ve en América o Asia.

Hoy las compañías fundadas por los cineastas independientes crecieron y se transformaron en la industria del cine actual que creó todo un sistema comercial. El término “independiente” es explotado como un género por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos. Son numerosos los festivales de cine independiente, como el Festival de Cine de Sundance o el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) aquí en

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