Interpretación De Sanata Ana, La Virgen, El Niño Y San Juan. Leonardo Da Vinci

Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan por Leonardo da Vinci.

Existe ese gran parecido entre el rostro de Mona Lisa y Santa Ana. Las exigencias que planteaban esos otros

intereses hicieron que la pintura quedase incompleta, siendo de otro pintor la figura del cordero.

En la composición se delata un incipiente manierismo (barroquismo). Lo que hace inusual a esta pintura es que hay

dos figuras colocadas de forma oblicua, superpuestas: María y Santa Ana, con la primera sentada sobre las rodillas

de la segunda. María se inclina hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras éste juega, de manera bastante

brusca, con un cordero, símbolo de su propio sacrificio. Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran

parecido entre madre e hija.

La escena se desarrolla en un paisaje atemporal rocoso, como ocurre en la Virgen de las Rocas, que delata el

interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda

La luz proviene de una fuente indeterminada. Las pinceladas son ligeras, en el típico sfumato leonardesco,

mediante una técnica de veladuras sucesivas que crean un efecto neblinoso. La defectuosa conservación ha

aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana.

Desde el punto de vista iconográfico, la representación de este grupo de figuras proviene del culto a Santa Ana,

surgido en la Edad Media. Las narraciones sobre Santa Ana se incluyeron en la "Leyenda Dorada" (obra del siglo

XIII escrita por un monje), y en los siglos posteriores se difundió el culto a la santa por Occidente

Además del simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro Novellara, un monje de la orden carmelita vio

un significado simbólico más profundo en esta pintura. Creía que la serena expresión de Santa Ana, que contrasta

con la ansiedad de María hacia el Niño, «quizá representa a la Iglesia, que no desea evitar la Pasión de Cristo».

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