ANÁLISIS DE POEMAS DE MONICA GONTOVNIK.

ANÁLISIS DE POEMAS DE MONICA GONTOVNIK

Por: Mayerlis Martínez Terán

BAILA LA POLILLA, HABLA EL FUEGO

Es muy conocida la atracción que sienten las polillas por la luz. No sólo por la natural, sino también por aquella que brota de los bombillos. De allí la presencia de la polilla y el fuego en el título: dos elementos que se atraen, aunque no sin consecuencias para el más débil. Se habla en el primer verso de una transformación. El sujeto femenino, que se intuye en la voz del poema, deslumbra por su aparente grandeza a un (a) admirador (a). En consecuencia se “hace pequeña”, se pone a la altura del (a) otro (a) para que la comunicación sea posible:

Dame una imagen, digo

Mientras me achico (metáfora)

Me hago pequeña

Para que te acerques

Luego pareciera venir un pequeño diálogo (la escena es confusa), pues el segundo parece ser un parlamento del interlocutor del hablante lírico, cuyo elemento pareciera ser el fuego. Pero el acercamiento es prudente, cuidadoso:

Suave y frágil una polilla, dices:

El fuego  me asusta

Aquí aparece el tema de la danza, una invitación a dar el paso siguiente en el camino de la conquista, a sincronizar los pasos en un mismo ritmo; a ponerse de acuerdo:

Baila conmigo

en los vacíos que el calor

No alcanza a quemar

Parpadea tus alas (sinestesia)

Delicadas armas que cuentan canciones (sinestesia)

Y huelen a heridas aún abiertas (sinestesia)

Huelen a heridas aún abiertas: se trata de alguien que ha sufrido, probablemente, por causa del amor. El mensaje entonces es este: date una nueva oportunidad conmigo; deja el pasado atrás. Naturalmente, no se puede prometer que esta vez todo saldrá bien. La disposición está, pero en todo caso se trata de la relación entre dos elementos, que, por su naturaleza, tienden a lastimarse. Por un lado está la fragilidad de la polilla, y por el otro la voracidad del fuego:

Las polillas mantienen el poder del vuelo

Aunque el fuego las ciegue.

El fuego solo puede esperar (metáfora)

Que termine todo mientras se consume

Entonces te pregunto qué escoges

Ser aquel que vuela libremente hacia el

peligro

O aquella que siendo fuego

No puede escapar a su naturaleza

ANTÍGONA EN LA VICTORIA

Este poema está dividido en dos partes, ambas de nueve versos. En la primera predomina un tono trágico; en la segunda se destaca el poder curativo de la danza. “Antígona”, como se sabe, es una de las tragedias más célebres de Sófocles. En ella se ve a la hija de Edipo condenada a morir por desobedecer la orden de su tío Creonte de no darle sepultura a su hermano Polinices. Si tuviéramos que buscar un adjetivo para definir a Antígona ese sería rebelde. Y detrás de esa rebeldía estaría oculto un sentimiento de libertad. En la primera estrofa (4 versos) puede evidenciarse, entonces, un tono melancólico, a través de la identificación del hablante lírico con Antígona:

Antígona:

Mi mente obsesa abraza (personificación)

Tu fantasma gordo y pálido

Que se alimenta de mi tristeza

 El fantasma de Antígona es gordo porque, lejos de ser considerado como un simple personaje literario, aparece robustecido ante la mirada del hablante lírico. Su palidez, por otro lado, es la misma de aquellos que no tienen ninguna razón para reír. En la tradición griega de antaño los fantasmas se alimentaban de sangre, pero Antígona ha encontrado otra sustancia nutricia: la tristeza del sujeto que lo invoca a través de la poesía.

En la parte siguiente (una estrofa de cuatro versos, y un verso independiente) se acentúa  la idea del sufrimiento:

Pierdo la piel de a gotas (Sinestesia)

Completando en mis hombros

El círculo perfecto que te carga (metáfora)

Si aterrada te nombro

Cadáver.

Perder la piel a gotas: morir lentamente. Y otra vez aparece el sentimiento de hermandad entre Antígona y el hablante lírico en el tercer verso, así como el terror y la presencia de la muerte. Profundo y desgarrador sentimiento de soledad.

El tono del poema cambia en la parte que viene a continuación. Es, como se anticipaba en un comienzo, un elogio a la danza. Si en un momento todo era oscuridad, ahora vuelve a incorporarse gracias a la danza. El hablante lírico ya no se dirige a Antígona, sino que se reafirma en su propio equilibrio con el uso de la primera persona del singular:

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