Las diferentes técnicas de dibujo de artistas italianos

Escorzo

Escorzo es reducir la longitud de los objetos según las reglas de las perspectivas. Escorzo es el término usado para referirnos a un cuerpo en posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual. El efecto de escorzo existe en todos los cuerpos con volumen.

Cuando la proyección de un objeto no es ortogonal y se produce una contracción proyectiva. P.e. “Lamentación ante Cristo muerto” de A. Mantegna y “Sonrisa” de A. Rodchenko. Según Arnheim, también hay escorzo cuando aun existiendo proyección ortogonal, la imagen no ofrece un aspecto característico de la totalidad. Dice que, en realidad, toda proyección implica escorzo, ya que todas las partes de un objeto representado sufren una deformación de sus proporciones al ser trasladadas de su forma tridimensional al plano bidimensional. Para entenderlo mejor, un escorzo de la figura humana por ejemplo sería aquella parte del cuerpo que fuese en dirección al espectador. El escorzo de una mano sería dibujarlo o esculpirlo de manera que la palma se muestre en paralelo al suelo, haciendo que el espectador solo pueda observar de ella la punta de los dedos.

El escorzo comenzó a utilizarse con frecuencia en el arte a partir de la época Helenística (313 a.C) y dejó de utilizarse hasta la Edad Media que lo utilizaba para dar mayor intensidad de volumen y perspectiva al cuadro. Anteriormente, los pintores no lograban exitosamente representar la tercera dimensión en sus pinturas.

Sfumato

El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista.

La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci.

Perspectiva aérea

La perspectiva aérea o perspectiva atmosférica es el método con el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura, al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a distancia media y lejana

El término fue acuñado por Leonardo da Vinci, pero la técnica pudo haber sido empleada ya en las antiguas pinturas murales grecorromanas de Pompeya. Se descubrió que el polvo y la humedad en el ambiente causaban la dispersión de la luminosidad; siendo la luz de longitud de onda corta (azul) más diseminada y la luz de longitud de onda larga (roja) menos esparcida.

Los pintores italianos de los tiempos de Leonardo usaron el procedimiento; siendo aprovechado en el siglo XV por los artistas europeos del norte y después por Joseph Mallord William Turner.

La Perspectiva Lineal

Cuando en una imagen las líneas paralelas parecen unirse en la distancia, se crea un impresión de profundidad, esto es conocido como perspectiva lineal y se puede emplear en la fotografía para atraer la mirada del observador dentro de la escena.

Si se mira una carretera parece que las líneas se juntan más cada vez hasta tocarse en un punto junto al horizonte, allí tiene un ejemplo de lo que es perspectiva lineal, así puede usted ver las vías del tren, las avenidas, el reflejo del Sol en el mar al atardecer. La elección de la perspectiva y del objetivo es importante a la hora de intensificar el efecto de la perspectiva lineal. Cuanto más inclinado es el ángulo de las líneas convergentes en una imagen, más efecto tridimensional tiene.

Pintura de caballete

Pintura sobre lienzo, tabla o cobre portátil, a diferencia de la pintura mural.

Manierismo

El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento (c. 1530) hasta los comienzos del período Barroco, hacia el año 1600..

El manierismo se originó en Venecia, gracias a los mercaderes, y en Roma, gracias a los Papas Julio II y León X, pero finalmente se extendió hasta España, Europa central y Europa del norte. Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.

El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales.

Su origen etimológico proviene de la definición que ciertos escritores del siglo XVI, como Giorgio Vasari,para quien maniera significa todavía "personalidad artística", es decir, estilo, en el más amplio sentido de la palabra.1 Asignaban a aquellos artistas que pintaban "a la manera de...", es decir, siguiendo la línea de Miguel Ángel, Leonardo o Rafael, pero manteniendo, en principio, una clara personalidad artística. El significado peyorativo del término comenzó a utilizarse más adelante, de parte de los clasistas del siglo XVII, cuando esa "maniera" fue entendida como una fría técnica imitativa de los grandes maestros, como un ejercicio artístico rebuscado, en clichés, reducible a una serie de fórmulas.

Escenografía

Escenografía son todos los elementos visuales que

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