Analisis Obra " LA PIEDAD " Miguel Angel

Material: Miguel Ángel eligió él mismo el bloque de mármol que iba a usar de las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana. El bloque tenía que ser el correcto, ya que la escultura está realizada con uno sólo, no varios unidos.

Técnica: Una de las cosas más llamativas es la técnica escultórica que Miguel Ángel usaba. Según él, la propia Naturaleza de la escultura estaba en el interior del bloque de piedra. El artista únicamente la sacaba a la luz, con paciencia y detallismo.

Armonía: Algo que caracteriza al arte renacentista y a Miguel Ángel es la armonía. Así, por ejemplo hay un contraste armonioso entre el brazo caído de Jesús y el brazo derecho de la Virgen. Otro rasgo armonioso es la diferencia entre el tratamiento de claroscuros de pliegues del vestido con la piel de Jesús, lisa. El último contraste son los ejes vertical y horizontal de las dos figuras.

Virgen: El rostro de la Virgen es el de una niña, joven y pura. Miguel Ángel es consciente que la diferencia de edad entre el Cristo muerto y su madre es demasiado evidente. Lo que se pretende hacer no es un retrato realista, sino idealizar la figura de la Virgen llena de pureza y juventud.

Sfumatto: Una técnica escultórica muy usada en el Renacimiento fue el sfumato. En este caso lo vemos en la forma de representar los músculos, que están como difuminados en la superficie marmólea.

Dolor: Miguel Ángel nos presenta un cuerpo muerto sin rasgos de sangre ni dolor. Después del Calvario, nos lo muestra con la dignidad del hijo de Dios. Por eso, se retoma la idea del retrato idealizado, no se pretende un retrato realista del dolor.

Cinta: Miguel Ángel realizó esta escultura con 24 años. De ahí que los críticos fueran suspicaces a la hora de su autoría. Miguel Ángel, con gran carácter, discutió con ellos y grabó con el cincel su nombre en la cinta que porta la Virgen. Por ello, la Piedad es la única escultura firmada por el artista.

Composición: En el Renacimiento, el arte estaba supeditado en gran medida a las formas geométricas, como esenciales y puras. Aquí, la composición se engloba en un triángulo desde la cabeza de la Virgen hasta la base más ancha del conjunto. No hay que olvidar la relación entre el triángulo y la divinidad.

1.-DESCRIPCIÓN:

Se observa una mujer de rostro joven sentada que en su regazo sostiene el cuerpo inerte de un hombre igualmente joven.

2.-ANÁLISIS: ASPECTOS TÉCNICOS

2.1.-Tipo de escultura y localización

La escultura es de bulto redondo, compuesto por dos imágenes, pertenece al tipo de “ grupo”

La escultura se instaló en la iglesia de Santa Petronella, ya que en ella descansaban los restos del cardenal que la encargó ( Jean Bilhères de Lagraulas, a través de Jacopo Galli, protector del artista).

Pero en 1749 fue trasladada a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

Ocupa una situación alejada del espectador.

2.2.- Materia y técnica utilizadas.

“La Piedad” está hecha en un ÚNICO bloque de Mármol de carrara. Este bloque de mármol se fue rebajando utilizando como instrumentos los cinceles dentados, sobre todo en la base, y el trépano para los cabellos. Otros instrumentos han sido las limas y la piedra pómez. El autor busca, en relación con su concepción clásica, la perfección técnica. Se percibe claramente la técnica y los materiales utilizados.

El Sfumatto: Una técnica escultórica muy usada en el Renacimiento fue el sfumato. En este caso lo vemos en la forma de representar los músculos, que están como difuminados en la superficie marmórea; modelados con suavidad y dulzura, a pesar del detallismo con el que el escultor representa músculos, tendones y piel.

2.3.-Acabado, textura y policromía.

La textura es tersa y dura y el acabado liso y pulimentado. La base de tierra áspera es de aspecto diferente. El delicado pulido refuerza el sentido de belleza ideal que se buscaba en el renacimiento.

2.4.- Forma.

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

*Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.

*Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida y conmiseración.

*Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

Es una obra figurativa naturalista idealizada con bastantes detalles. Miguel Ángel parece haber decidido no reproducir la horrible realidad, sino más bien un conjunto armónico idealizado, en el que María es hermosa en extremo joven y pura y Jesucristo con la dignidad del hijo de Dios, aún después del horror, la tortura y la muerte.

2.5.-Luz: efectos que produce en la escultura.

La luz incide de forma homogénea, claroscuro suave.

Resalta en toda la claridad del cuerpo del Jesús, parece estar pensada para recibirla desde el frente de la obra recayendo en el cuerpo desnudo y otorgando sombras en los pliegues del manto de la virgen.

El tratamiento del manto, cincelado con grandes cavidades, provoca contrastes de luz y sombra que realzan el valor plástico de la obra. Precisamente los rostros muestran una belleza idealizada en el sentido neoplatónico, ya que vemos que María es más joven que su hijo, lo cual no es sino un recurso para mostrarla “Eternamente Virgen”.

2.6.-Movimiento

Dentro de la concepción clásica general, la imagen muestra estabilidad y reposo. Sólo destaca el pequeño desequilibrio que denota el cuerpo del hijo, a punto de resbalar por el manto de la Virgen. El dramatismo del momento es contenido, apenas se exterioriza en algún aspecto, por ejemplo, la mano de la madre.

El movimiento de reposo está conectado totalmente con el tema representado, el del dolor y el desconsuelo de la Virgen con su hijo yacente en sus brazos.

2.7.- Volumen y Peso

a) En escultura exenta: La Piedad manifiesta claramente el espacio que ocupa, Es una escultura independiente respecto al entorno, no está sometida a las dimensiones arquitectónicas. Está concebida para ser contemplada desde un punto de vista frontal y existe el deseo, por parte del autor, de conseguir dar la sensación de tridimensionalidad.

La forma, el acabado y la luz contribuyen a la percepción del volumen. La obra parece estar condicionada en un primer momento según su primer destino aparente. Las dos figuras guardan proporción mutua a pesar de que si la virgen

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