Apreciación estética en la historia del arte

Obra

Investigación

Sentimientos o emociones que despierta.

Apreciación con ojo crítico. ¿Por qué existe esa emoción? ¿Coincide con la intención del autor y su contexto histórico?

Decouflé, P. (2008). 3 boys dance fight [video]. Consultado el 8 de septiembre de 2015 de https://www.youtube.com/watch?v=T0jV67WVyfM. [Investiga sobre la trayectoria de su autor y su propuesta.]

Philippe Decouflé es un bailarín y coreógrafo francés nacido en París en 1961.

Formado en diversas disciplinas como el circo y el mimo. Es uno de los creadores franceses de más proyección internacional, también uno de los más conocidos por el gran público: quizás porque sus trabajos sobre los escenarios se han combinado con otros para la publicidad -ha desarrollado, por ejemplo, campañas para las marcas Dior, France Télécom o Polaroid-, para la industria musical -firmó un vídeo clip de Fine Young Cannibals- y también con montajes de gran formato.

Otro rasgo que define los espectáculos de Decouflé es su gran complejidad técnica, derivada de los trucos visuales que gustan al artista y del empleo de efectos especiales.

También el humor, la poesía y cierto optimismo son algunos ingredientes de sus espectáculos previos, alguno de los cuales se han podido ver en Barcelona y Madrid.

Este video me parece chistoso, y al verlo me produzco risa, el modo de cómo se golpean unos a otros pero no con agresión sino de forma cómica. Las caras de los protagonistas dan la sensación de sorpresa y enojo a la vez.

Sus movimientos me sorprenden ya que son muy exactos para hacerle creer a cualquiera que los golpes son reales. Me parecen buenos actores.

Me produce risa y sorpresa, estas emociones coinciden con la intención del autor, ya que uno de los rasgos de sus obras es el humor y la complejidad técnica para llevar a cabo los trucos visuales.

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Modigliani, A. (1919). Jeanne Hébuterne [pintura]. Tomada de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:1919_Modigliani_Jeanne_Hebuterne_anagoria.JPG. [Investiga sobre la vida y obra del autor y cuál fue el triste final de su esposa.]

Amedeo Clemente Modigliani, nació en  Livorno, Italia el 12 de julio de 1884 y murió en París el 24 de enero de 1920.

Fue un pintor y escultor italiano. Muerto prematuramente a los 35 años, trabajó principalmente en Francia. Es conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente.

La obra de Modigliani es profusa en pinturas y dibujos.

Cuando el muere a causa de meningitis tuberculosa, Jeanne Hébuterne, es llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso después del funeral de Modigliani, embarazada por segunda vez. La hermana de Modigliani que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana.

La pintura como primera intención no me causa nada ya que me parece muy pobre en cuanto a colores y trazado, pero al conocer la vida del autor y la muerte de su esposa me causan tristeza ambos, pues el siendo muy joven y talentoso muere de enfermedad y ella desesperada por la muerte de su amado se suicida, no importando que estaba embarazada.

Me produjo tristeza la historia del autor y la protagonista del cuadro, pero la pintura no, lo cual no coincido con la intención del autor en cuanto causar algún sentimiento, solo coincido con el estilo que lo caracterizaba: el alargamiento de los rostros y las figuras.

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Botticelli, S. (1472). Regreso de Judith a Betulia [pintura]. Tomada de https://es.wikipedia.org/wiki/Historias_de_Judit#/media/File:Sandro_Botticelli_020.jpg. [Investiga sobre el mito al que hace alusión y sobre Botticelli.]

Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. La trayectoria artística de Sandro Botticelli se inició con obras de temática religiosa.

La historia bíblica de Judith es la inspiración de este autor para este cuadro y fue una de las favoritas del Renacimiento en Florencia, poniendo en un lugar elevado la figura femenina. Cuenta la historia que ante el grave riesgo que suponía para los judíos establecidos en Betulia la presencia de las tropas del rey asirio Holofernes, la heroína fue la única persona de su pueblo que demostró suficiente valentía para matar al tirano.

La emoción que me produce esta obra es admiración y valentía, y a la vez al mirar los rostros se ven tan serenos y tranquilos, la escena que fue elegido por Botticelli para su composición presenta a la bella heroína bíblica (la cual porta la espada de Holofernes y un vestido blanco y una rama de olivo la cual era el símbolo de la paz, y se usaba como una oferta de paz a ejércitos enemigos y los que eran vencidos, y pedían paz, las cargaban en sus manos) y a su criada con la cabeza del tirano, en un paisaje, donde las dos figuras las cuales parecen que van apresuradas, pues los pliegues de sus ropas que simulan como si el viento las moviera.

Me produce  admiración, valentía y serenidad, junto con el efecto de la manera de representar un amplio paisaje tras ambos personajes es un importante logro en esta escena lo que le da un efecto de delicada belleza a la obra, Lo cual coincide con la intención del autor y su contexto histórico, ya que estos elementos eran muy comunes en la obra de Botticelli.

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Rodin, A. (1889). El beso [escultura]. Tomada de https://es.wikipedia.org/wiki/El_beso_(Rodin)#/media/File:Der_kuss.jpg. [Investiga sobre la escultura y su contexto así como  sobre el autor.]

Rodin, «El padre de la escultura moderna», ideó esta estatua para sus Puertas del Infierno. En principio representaba a Paolo y Francesca, dos personajes de La Divina Comedia de Dante, que fueron asesinados por el marido de la chica al sorprenderlos besándose. Sin embargo el escultor se dio cuenta de que la escultura transmitía más bien felicidad y sensualidad, por lo que decidió convertirla en una obra autónoma e independiente, y el público la acabó bautizando Le Baiser (El Beso), título abstracto que traduce bien su carácter universal.

Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura.

Esta escultura al observarla me produce, pasión y sensualidad, ya que el modo en que se está besando esta pareja es muy apasionada, y a su vez delicada en el modo de cómo se están abrazando, reflejan erotismo.

Existe la emoción de sensualidad y pasión, lo cual coincide con la intención del autor cuyo contexto histórico era transmitir felicidad y sensualidad por que cual decidió convertirla en una obra autónoma e independiente.

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Pistoletto, M. (1974). Venus of the rags [escultura y textil]. Tomada de: http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/courses-and-workshops/reframing-realism. [Investiga sobre el arte povera como movimiento.]

Expresión italiana que significa “arte pobre” y que define una corriente estética aparecida en Turín hacia 1967 como reacción frente al arte tradicional en la medida en que éste es considerado bello y de materiales nobles.

El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, trivial y ajeno a denominaciones como bello, hermoso o exquisito. Se propone dar valor a estructuras primarias conseguidas con materiales groseros y hasta repulsivos, pero siempre intentando dotarles de un espíritu poético. Para ello trata de llevar la atención del espectador hacia aspectos cotidianos anónimos y rutinarios a los que nunca se había atribuido ninguna cualidad artística, pero sobre todo se define como contrapeso de la cultura tradicional, a la que considera inalienable y cerrada a la averiguación de las nuevas perspectivas revolucionarias.

Entre los artistas que cultivan el arte povera destacan Antonio Tàpies, Giovanni Anselmo, Mario Merz, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Michalangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Pino Pascali, Janis Kounellis, Lawrence Weiner, Richard Serra, Robert Morris y Hans Haacke.

Me produce un sentimiento de desconcierto y pobreza pues al mirar cómo pudo el autor mezclar estos dos elementos: la belleza de la venus me recuerda a la antigüedad, y el montón de ropa dan a entender el modo de representar el proceso de transformación de las modas que pasan.

Me produce desconcierto y pobreza lo cual coincide con la intención del autor en cuanto a lo pobre, porque representa la permanencia de la historia y, al mismo tiempo, el cambio cotidiano, y el contexto  histórico sobre el  arte povera ya que se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico y ajeno a denominaciones como bello, hermoso o exquisito.

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(s. a.). (s. f.). Vista general del techo de policromos, Cuevas de Altamira, España [pintura rupestre]. Tomado de https://es.wikipedia.org/wiki/Cueva_de_Altamira#/media/File:12_Vista_general_del_techo_de_pol%C3%ADcromos.jpg. [Investiga sobre ellas y sobre el sentido “propicitorio” que se le atribuía.]

La cueva de Altamira es una cavidad natural en la roca en la que se conserva uno de los ciclos pictóricos y artísticos más importantes de la prehistoria. El estilo de gran parte de sus obras se enmarca en la denominada «escuela franco-cantábrica», caracterizada por el realismo de las figuras representadas. Contiene pinturas polícromas, grabados, pinturas negras, rojas y ocres que representan animales, figuras antropomorfas, dibujos abstractos y no figurativos.

En la actualidad sigue siendo un misterio para los prehistoriadores definir la función y significado de estas obras, sin embargo, la teoría que tiene mayor aceptación es la del Abate Breuil que estableció un significado mágico-propiciatorio. Según esta teoría, estas pinturas serían un objeto de culto y veneración hacia los animales representados, que además suponían, la principal fuente de alimento. Además consistirían en un rito que propiciara la caza de los mismos. Las cuevas serían así una especie de santuario místico-religioso donde se establecería una continuidad entre la realidad y la imagen representada, en lo que se ha venido en llamar "magia simpática". 

El sentimiento que me provoca es fascinación y misterio, pues al admirarlas es increíble el modo en que fueron pintadas y el significado de estas pinturas sigue siendo un misterio.

El sentimiento que me provoca de fascinación y misterio coincide con  la intención estética en que Breuil lo describe, es decir, una especie de santuarios o lugares solo usados para pintar, de ahí que se defienda su carácter de pintura con fines mágico-propiciatorio. Y el contexto histórico sobre las pinturas rupestres en cuanto al sentido artístico en donde las figuras no sólo se perfilan, sino que también se decoran en su interior con un profundo sentido naturalista (variedad cromática, sentido del volumen, movimiento). Las figuras, no forman escenas, en las que casi nunca aparece la figura humana, en cambio es muy frecuente la aparición de signos y símbolos, que se relacionan con el carácter mágico-religioso que se les atribuye a estas manifestaciones artísticas primitivas, como rituales realizadas para propiciar la caza.