El Expresionismo Alemán a través del Cine

El Expresionismo Alemán

Curso: Historia del Arte IV

Docente: Alberto Paredes Tumba

Alumno: De la Cruz Pacheco, Luis

Código: 2016233373

Al término de la primera guerra mundial, Alemania perdió territorios, disminuyó una gran parte de su economía, generó una inestabilidad política, pero principalmente algo que perdió mucho fue la “Identidad”. ¿De qué identidad estamos hablando? Del gran nacionalismo alemán que se había construido con el paso de los años. Una Alemania devastada e inestable hizo que algunas personas como artistas y estudiantes empiecen a tomar cartas en el asunto, y expresar ese “estado emotivo” y el pensamiento del habitante alemán. Es así que a inicios del siglo XX surge un movimiento que revolucionaría el arte durante más de dos décadas y establecería los pilares del mismo y la representación en los próximos años; estamos hablando del “Expresionismo Alemán”. Uno de las artes en donde este movimiento se manifestó bastante, pero de forma tardía, es en el cine. A pesar de su llegada tardía, el cine llegó a grandes medidas y logró un rotundo éxito, que fue aclamado mundialmente.

En este ensayo me centraré en un aspecto específico como lo es la arquitectura. Y tomaremos como objeto de análisis una obra de cine de la época. “El Gabinete del Dr. Caligari”. Esta película es considerada como “La Madre del cine Alemán”. Por muchas razones, entre ellas pienso yo, ser uno de los primeros filmes en plasmar este estilo y esta marcada caracterización de los elementos del filme. Aparte de esto, la historia de cómo se llega a elaborar este filme y el cambio de director a último momento, con una propuesta muy arriesgada, hace de este un proyecto muy especial.

Para entender la arquitectura del expresionismo alemán tenemos que entender cómo es que esta se manifiesta en el filme, a través de la caracterización. Empezando con la distorsión de la forma, el espacio y la estética. Con la distorsión de la forma se lograba llegar a una subjetividad y una imaginación muy abierta, que permitía al espectador deformar su propia realidad, y sumergirse en el mundo de esta pieza cinematográfica. Al mismo tiempo le hacía a uno cuestionarse sobre qué tan similares podrían ser estas realidades, tomando en cuenta el contexto histórico que se vivía en esos tiempos. ¿La miseria, la destrucción, la tristeza y la vergüenza que se apreciaba en el filme no era la misma que se percibía en la realidad de la época? Esto hace que la obra se vuelva una pieza realmente hermosa, demostrando que el arte puede hacerte sentir todo tipo de sensaciones y experiencias, a un nivel muy elevado. Detalles tan sencillos como la inclinación de las puertas, columnas tetraédricas, ventanas triangulares y la trama irregular de todos los elementos en sí. El ritmo lineal es muy marcado y llega a un punto en donde vemos un desorden y un caos, pero que se armoniza con la proporción de las formas irregulares y los colores hirientes.

El “espacio”, o mejor dicho el escenario también sufrían una alteración que iba de la mano con la arquitectura del lugar. En el filme podemos apreciar que, así como había espacios muy amplios como el patio del quirófano o el dormitorio de Jane, también se distinguía un alto contraste con los mismos ambientes, pero en diferentes contextos, como lo es el espacio donde se desarrollaba la feria, y el dormitorio del Dr. Caligari. Los espacios reducidos nos hacían sentir el hacinamiento y la miseria de la época. Esto acompañado de la deprimente apariencia audiovisual resultaba un ingrediente perfecto para envolver al espectador en el filme. Por otro lado, los espacios amplios y los largos pasajes, así como las profundas escaleras y las oscuras calles nos hacen sumergirnos en una infinita soledad. Es importante mencionar que el género terror ayudaba mucho a comunicar el concepto de este tipo de filmes.

Finalmente, la distorsión de la estética. Empezando por los personajes. El estado de ánimo, las intenciones y la mentalidad de estos. Muchos de estos, con una ligera serenidad pero con una profunda tristeza. Otros agobiantes y perdidos en esa realidad. Otros hacinados pero felices. Los colores empleados también cumplen un papel importante. El filme será en blanco y negro, pero el estilo y los filtros que se aplican cumplen muy bien su función, a un punto en que sentimos que vemos todo a color, pero de un color muy agobiante o muy enérgico. Este recurso se usa inteligentemente. Nos ponen un filtro azul en momentos donde percibimos tristeza, un filtro verde cuando necesitamos calma o un aislamiento de todo, y un filtro amarillo en momentos tensos o muy elevados. Lo curioso aquí es que al momento de juntar los 3 puntos que estamos analizando, nos damos cuenta que todo este factor de la estética es como una traducción o una interpretación de lo que sienten y viven estos personajes. Solo que se vuelve material, se vuelve plástico. Tan solo al empezar el filme nos presentan a Francis junto a un hombre, en un cementerio. Un espacio totalmente amplio, pero vacío. Con una pequeña luz al fondo, y unas paredes y grutas totalmente descuidadas y olvidadas por el tiempo. Se ve a Jane caminar con una pena muy profunda, sin un rumbo fijo, y con la mirada clavada en la nada. Esto con el elemento final, que es el filtro azul nos sumerge directamente al contexto en que tenemos que ubicarnos. Incluso en la época en la que vivimos ahora, ver este filme después de tantas décadas y apreciar estos detalles nos permite ver la real complejidad, pero al mismo tiempo la tan sencilla elaboración de este estilo. Cómo todo lo complejo se vuelve simple, y cómo todo lo simple nos envuelve en lo complejo.

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