ANÁLISIS COMPARATIVO FILMS

Santiago, 9 de Noviembre, 2012.

Pontificia Universidad Católica

Escuela de Diseño

ANÁLISIS COMPARATIVO FILMS

8 ½ DE FEDERICO FELLINI Y UNE FEMME EST UNE FEMME DE JEAN- LUC GODARD

Alumna: Aribel González

Profesor: José Román.

8 ½ de Federico Fellini

1.- Rasgos cine moderno:

ESTRUCTURAS PARAMÉTRICAS: Una constante durante el film son los contrastes entre ficción y realidad del protagonista Guido Anselmi. Hay una delgada línea casi imperceptible que separa las escenas de realidad y las escenas inmersas en el mundo onírico del personaje. En general lo onírico está situado en exterior con mucha luminosidad, por el contrario el presente (el mundo real) está situado en interiores con menor luminosidad. También hay superposición de escenas que muestran la separación del mundo onírico con el real (ej: la escena cuando recuerda su niñez en su casa se superpone con una escena en el hotel). Flashbacks constantes, el pasado irrumpe sin previo aviso.

En la primera escena hay un choque entre planos fijos con personajes estáticos, mientras que el personaje está en movimiento. Se hace un paneo sobre el plano, plano descriptivo.

En Godard se hace más evidente el uso de redundancias que expresan a cabalidad su estilo y de manera más sistemática.

REFLEXIVIDAD: El argumento trata del proceso de producción de un film, y por ende, de la labor de un director de cine. Como un director se enfrenta a una crisis creativa y debe luchar contra las presiones del medio (productores, actores, guionistas, etc). En medio de esta lucha sitúa este proceso como si fuera una ficción, mezclando sueños y recuerdos con la realidad, haciendo de su vida una comedia, un drama, un musical, etc. Es un film dentro de un film, todas las discusiones del proceso productivo ya son ejemplo de reflexividad. Si bien la reflexividad es una constante es al final de la película donde se hace 100% evidente, la escena en que se hace una exposición a los productores del casting actoral sitúa a los personajes en una sala de cine es claro ejemplo.

Se trata también la discusión sobre el nuevo cine de autor que se estaba estableciendo en la industria europea, en el que Fellini se ve reflejado.

2.- RASGOS RUPTURISTAS: En este film no existe una estructura clara de principio, desarrollo y final. Si bien la historia avanza sincrónicamente, se está constantemente en un ir y venir de recuerdos y sueños del protagonista. Guido no tiene un objetivo claro ni específico, no hay héroes ni villanos, tan sólo se expone la vida de un director (del cine moderno europeo de los 60s) en el proceso creativo de una película. Finalmente el film que le crea tantos problemas a Guido no se filma y queda un final abierto, en el que todos los personajes bailan como si estuvieran en un musical de Broadway.

En el principio del film la contraposición de imágenes estáticas con imágenes en movimiento rompe con la concepción clásica del cine. El argumento de la película no es tan importante como la forma en que se expresa el film, el fondo es subordinado por la forma.

Se construyen escenarios abstractos y situaciones inusuales, escenas con tintes circenses, apariciones de figuras muertas (como la madre de Guido), musicales que muestran la problemática íntima del protagonista (la analogía de Guido en su infancia y sus amantes).El film está lleno de metáforas y simbolismos.

Las escenas musicales distancian al personaje del espectador, establecen una barrera que define que lo que vemos es ficción, así el espectador no se identifica con el personaje como lo hace generalmente con una película clásica. Principio de indeterminabilidad entre ficción y realidad.

Hay una escena en cámara rápida (la persecución del pequeño Guido por los padres de su colegio) que sugieren un carácter cómico, parodia.

3.- IMAGEN TIEMPO / IMAGEN MOVIMIENTO

Si bien el objetivo del protagonista es llevar a cabo su película, el desarrollo de esta trama es errático, Guido está permanentemente en un plano que fluctúa entre la realidad y el mundo onírico, lo que evoca al espectador a un punto de indiscernabilidad entre ambos mundos. El límite entre realidad y ficción no se hace evidente, el montaje se plantea con una serie de flashbacks.

Guido se ve enfrentado a lo que se llama “situación límite” en que el impulso causal del film deriva del reconocimiento por parte del protagonista de que se enfrenta a una crisis de significado existencial (1), Guido deambula entre sus problemas pasados y el conflicto concreto que se presenta en ese momento (sacar a flote su film), he ahí la razón de la conducta errática del protagonista y del montaje, permite que se expresen conflictos mentales y por ende una imagen-mental. Este cine de imagen-tiempo se centra en el personaje más que en el argumento, en contraposición al cine clásico.

El personaje registra lo que ve en sus sueños, no hay acción directa, se pierde la imagen-movimiento, se hace la analogía al personaje-niño, en que el personaje no actúa sino es un espectador más de la su realidad. Según Deleuze la realidad subjetiva no se organiza como espectáculos sin hacerse objetiva y como da como ejemplo al telépata, es así como la delgada línea entre mundo real y mundo ficticio se hace más fina aún. El cotidiano se expresa como un espectáculo ambulante que vemos reflejado en una serie de conductas festivas y con tintes musicales (la escena final que tiene un tono circense). Estas fantasías se materializan en la imagen o en la banda sonora (imagen óptica-sonora) y no en la acción del personaje ni en los diálogos.

La subjetividad se ve reflejada en la distención del tiempo que se manipula con el montaje y en este caso vemos las imágenes congeladas en contraposición a otras en movimiento. La ambigüedad es el recurso más utilizado, se expresan

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