Fenomeno Sonoro

El fenómeno sonoro en el cine

Desde los inicios del cine mudo (en el que no existía sonido

directo), existió una necesidad imperante de acompañar imagen

con música. La música ha sido siempre considerada el arte por

excelencia de transmisión de sentimientos y emociones, pero

también de las pasiones y del drama humano. A partir del

periodo romántico que comienza a principios del siglo XIX, la

música se convierte en una expresión del ego del individuo y se

desliga cada vez más de otras motivaciones como las religiosas,

que en siglos anteriores habían sido muy importantes. Por otro

lado, la música se vio desde sus inicios ligada a ceremonias

rituales, y más tarde a las artes dramáticas, comenzando por la

tragedia griega hasta llegar al teatro y a la ópera, pero también

con otro tipo de expresiones dramáticas de otras culturas como

podría ser el teatro de sombras de Indonesia que es acompañado

por una orquesta de gamelán. El sonido tiene tal poder de crear

atmósferas, de darle profundidad a sentimientos creados por el

intelecto, de darle vida a algo inanimado, que se entiende

perfectamente que las artes dramáticas se hayan servido de la

música como un complemento casi indispensable.

El cine mudo en sus inicios se sirvió de la música

instrumental basada en las formas musicales de la época

romántica, es decir, que los productores de cine pretendieron en

un principio que el nuevo arte fuera aceptado por las clases altas

y aristocráticas que escuchaban aquella música. Es importante

analizar y ver como la utilización de la música y del sonido en

general en el cine han estado siempre vinculados con las

motivaciones de la producción de una película, con su estética,

con el público al que ésta película pretende llegar, etc. El cine se

ha convertido en el arte1 más caro de producir que jamás haya

existido, y a diferencia de la ópera (que antes del cine

probablemente fue el espectáculo de arte más caro), la mayor

parte de la producción cinematográfica ha estado desde hace ya

varias décadas dedicada principalmente a las masas y se ha

convertido en un fenómeno capitalista por excelencia. Este

fenómeno comercial ha afectado al arte cinematográfico así como

a la música generada para el. EUA es el país que ha dictado de

algún modo las reglas de hacer cine. Afortunadamente, los

gobiernos de ciertos países Europeos, Asiáticos, y de otros países

del mundo en vías de desarrollo con un arraigo cultural

1 Aunque cada vez existen menos películas que se puedan llamar de arte,

asumimos que el cine es un medio de expresión artístico.

importante, siguen financiando y auspiciando la creación de

películas “de arte” propias a sus respectivas culturas.

Volvamos de nuevo atrás y analicemos que sucedió con el

fenómeno sonoro en el cine y cómo se fueron desarrollando sus

distintas vertientes. La gran época clásica de Holliwood que

comienza con la aparición del cine sonoro, utiliza música

generalmente orquestal basada en la tradición romántica. Varios

de los grandes compositores del cine norteamericano de esa

época fueron inmigrantes de la Europa central que contaban con

una formación musical sólida basada en la tradición clásica y

romántica. Tal es el caso del Austríaco Max Steiner, quien hizo la

música de Lo que el viento se llevó (1939), o del compositor

Kronongold quien fue discípulo de Richard Strauss2.

Además de que la música de carácter romántico le iba como

anillo al dedo al cine de Holliwood, los productores Americanos

estaban convencidos de que al utilizar música clásica neoromántica

le estaban haciendo un gran favor a la comunidad

Estadounidense, dándoles acceso a la música de concierto del

siglo XIX a través del cine, aunque con una música menos

pretensiosa. Los compositores de ésa época fueron muy buenos,

pero nunca se les podría comparar con sus antecesores

románticos. Otro aspecto musical del cine Holliwoodense de esos

tiempos fue el de comenzar a utilizar temas de canciones

influenciadas por el JAZZ, de compositores como Cole Porter,

George Gershwin, etc. Esto lo considero como un hecho muy

positivo, pues la música popular de calidad estaba escrita por los

mejores compositores de la época, y éstas canciones tienen en sí

mismas un valor musical propio independiente.

En la música de Cine existen aspectos distintos, está la

música incidental destinada a servir de apoyo al desarrollo del

drama en la imagen, y por otro lado está la música que en sí

misma representa una composición, una canción, o un tema. Esta

música puede también en un momento dado servir de apoyo a la

imagen de manera dramática. En este sentido, podemos ver como

muchos cineastas se han limitado en algunas de sus películas a

usar música ya escrita, como es el caso de la película 2001 odisea

del espacio de Stanley Kubrick (1969), en la que utiliza la

composición Así hablaba Saratustra de Richard Strauss, los valses

2 En una época posterior, el mismo Igor Stravinsky quien vivía en Los

Angeles intentó hacer música para cine en Holliwood debido a problemas

económicos, y al parecer no tuvo mucho éxito. Tal vez su música era

demasiado fina. De todos modos, éste es de los pocos compositores de música

seria que intentaron incursionar en el campo de la música para cine.

vieneses de Johann II Strauss, y la composición Lux Aeterna de

uno de los compositores de música contemporánea más

importantes del siglo XX, György Ligeti. Creo que la utilización de

temas o de música estructurada que tiene un valor en sí misma

ha resultado más enriquecedora para el cine que la utilización de

música incidental , y no hablo tan solo de música ya existente de

grandes compositores como Richard Strauss o Ligeti, sino de

música escrita específicamente para una película pero con un

valor musical independiente, como es el caso de toda la música

que Nino Rotta escribió para Fellini, o de la música con influencia

gitana del compositor Goran Bregovic que hizo la música para la

película Tiempo de Gitanos de Emir Kosturika (1989).

La música incidental ha tenido

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