La Comedia del Arte.

Commedia dell´ arte.

Etapa 1

La comedia del arte (Commedia dell' Arte) o comedia del arte italiana es un tipo de teatro popular nacido a mediados del siglo XVI en Italia y conservado hasta comienzos del siglo XIX. Como género, mezcla elementos del teatro literario del Renacimiento italiano con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario), recursos mímicos y pequeñas habilidades acrobáticas. Su aparición es contemporánea de la profesionalización de los actores y la creación de compañías estables.

En la commedia dell arte convergen elementos propios de la Edad Media con algunos de la nueva teatralidad: la actuación grotesca y graciosa proviene del espectáculo popular, a la vez que los primeros personajes tipo; mientras que el manejo del eje serio se toma tras el ingreso de la poesía elaborada y de las historias pastoriles.

Era un arte en constante construcción y en constante cambio, y aunque su estructura se mantuviese, los registros actorales iban cambiando.

Lugar de representación: la calle. Un lugar escaso de recursos técnicos, que depende del cuerpo y la voz del actor como únicos recursos escénicos, la movilidad de las compañías y la estructura dramática de las obras.

Estructura dramática:

Los espectáculos eran para el pueblo en general, implica que las tramas en si no podían ser demasiado complejas. Dada la influencia de lo pastoril conocemos que las tramas se componían por el desarrollo de una historia de amor (seria), lo que le imprime un carácter diferente es la inclusión de una historia paralela, que se relaciona con la seria pero cuyo objetivo es contrastarla. Esta representación de una vida completa donde lo serio, concebido como algo elevado, convive con historias graciosas, referidas a lo terrenal, son un punto fuerte para marcar ya que esta característica delimita las tramas además de que caracteriza a la commedia dell arte.

Las historias que se cuentan son llamadas scenarios y solían tener un número limitado ya que las mismas estructuras dramáticas se repetían, sufriendo mínimos cambios internos. La figura del dramaturgo y director no existían, dichas obras tenían supervisión de los mismos actores.

Los actores:

La actuación en este tipo de teatro representaba todo: en el cuerpo y la voz del actor recaía toda la acción, todo lo visual y lo sonoro.

Los actores de la commedia dell´ arte estaban muy conscientes del manejo de la energía en función de la obra, de los otros actores y en función de los espectadores, porque con su simple presencia, más extravagante o elevada, atrapaban a un público popular durante toda la representación.

Los cuerpos de los actores estaban lo suficientemente entrenados para realizar piruetas, para comunicar sin gestos faciales (solo con el cuerpo) y para manear energías.

Las tramas:

Lo serio y lo grotesco se presentan como una contradicción no solo gracias a la historia sino en mayor medida por el contraste en la existencia de distintos registros de actuación.

La actuación de los zannis, mucho más activa, corpórea, energética, predispuesta a la acción y al movimiento, inestable y desequilibrada en apariencia pero siempre preparada, graciosa y grotesca. Es una actuación que toma lo burlesco como mecanismo para representar las pasiones humanas. Por el otro lado está la actuación de los enamorados, una actuación más elegante, altiva, dialéctica, quieta, estable, que trata de retratar el sentimiento más elevado que todo ser humano comparte: el amor. Estas dos actuaciones que contrastan por sus métodos y las pasiones que representan, constituyen el elemento más trascendente de la commedia dell arte porque gracias a estos se construyen los elementos más conocidos de ella: el uso de masaras para caracterizar a los zannis por la prioridad de ellos en lo corporal, la falta de ellas para los enamorados, quienes, por su quietud, tienen sus rostros y voz para comunicar.

La figura del zanni por excelencia, el arlequín, es el que nos representa de mejor manera el teatro italiano. Poco a poco su cuerpo se va convirtiendo en uno elevado, con posturas erguidas poco puestas a la acción, donde la actuación se asemeja más a la de los enamorados. Esta necesidad de elevarse está muy ligada a la cultura francesa por la necesidad de presentarse todo muy bello, estilizado y muy real.

Su vestimenta se modifica en función de su nuevo actuar, ya que ahora no necesita un vestuario confortable que le permita realizar piruetas, aunque sigue presente la máscara lo que implica que el texto no tendría el valor que tomaría más tarde, por ejemplo, con Moliere.

El teatro francés:

En este teatro tomaremos como hincapié a Moliere. Además de ser escritor era a su vez actor, y su principal trabajo era en la corte donde tenía como objetivo de sus obras, divertir al Rey Sol. Este dramaturgo solo escribía piezas cómicas, ya que la academia, estableció que solo debían existir los dos géneros principales: comedia y tragedia. Esta es una de las diferencias con la commedia dell arte ya que esta hacia convivir el eje del elevado y lo cómico, de lo serio y lo gracioso.

El teatro francés toma un lineamiento más cercano al del espectáculo donde lo fastuoso, que incluía grandes decorados y maquinarias, vistosos vestuarios, cantos y bailes, primaba ya que además de entretener, la obra teatral, debía sorprender.

La diferencia con respecto a la commedia dell arte es muy clara, ya que, aunque ambos tomen muy en cuenta lo visual y musical, uno es una representación mucho más despojada y “pobre”, mientras que la otra es algo, que por querer acercarse a la ilusión, termina siendo un espectáculo de grandes dimensiones.  

Sin embargo hay muchos elementos que aun conviven, sobre todo en Moliere, quien se influencio mucho de este tipo de arte.

Algunos dirían que no existen en el teatro francés los personajes tipo ya que Moliere “copia” las características para los personajes de personas reales. Moliere aclara que él lo único que hace es tomar los defectos o cualidades de ellos y los imprime en personajes.

En cuanto a las actuaciones se diría que todas ellas se estilizan y tienden al antecedente de la actuación elegante: el recurso más importante para transmitir pasa a ser el rostro y la voz.

El lugar de representación de estas obras era en un palacio en un lugar cerrado, con iluminación artificial, con una planta con un escenario al fondo, donde el punto privilegiado de visión era para el Rey quien se ubicaba frontalmente y podía percibir todo lo que acontecía en escena; tras él se encontraba su corte en un orden determinado.

Los vestuarios debían ser lo más lujosos posibles ya que representaban un espectáculo visual en sí mismos, sin que correspondieran con el lugar y fecha de la representación.

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