Fotografía Americana En La Primera Mitad Del Siglo XX

FOTOGRAFIA AMERICANA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

Dos periodos diferentes se suceden en la fotografía americana desde el final de la primera guerramundial en 1.918, hasta el final de la segunda en 1.945. En ambas, las fotos eran modernas, por cuanto sus formas y temas procedían de la vida y del arte contemporáneo. Sin embargo, en cada uno de ellos la fotografía parecía diferente, en respuesta a diferentes conjuntos de circunstancias sociales, políticas y económicas, poseedoras a su vez de estilos distintos. Durante la época de gran prosperidad económica que se extendió desde el final de la primera guerra mundial hasta el crack dela bolsa de Wall Street en 1.929, la fotografía americana estuvo dominada por un estilo actual moderno, caracterizado por atrevidas geometrías y por la fascinación en ellas ejercidas por losmateriales modernos y la maquinaria industrial, una fascinación de la que hacia gala la vanguardiaartística europea. Durante la depresión y la segunda guerra mundial, ese estilo moderno e intruso fue mayoritariamente abandonado en aras de otro estilo actual documental, que abría una ventanaaparentemente transparente sobre aquellos terribles acontecimientos contemporáneos.

Para acceder a una comprensión de las corrientes de los fotógrafos americanos de entreguerras, es preciso retroceder en el tiempo para ver lo que sucedió en el mundo de la fotografía en el siglo XIX y principios del XX. Desde la época de la invención, en 1.839, hasta aproximadamente 1.890, solo los profesionales y aficionados serios se molestaban en aprender las complicadas habilidades que requería la realización de fotografías; sus imágeneseran en general documentos realistas; lo mas habitual eran los retratos, seguidos por paisajes y fotos de viajes. De acuerdo con la estética naturalista imperante en aquellos días, sus mejores obras lograban reunir en ellas la satisfacción artística y la precisión realista, sin por ello ocultar que se trataba de fotografías. Tan solo algún que otro aficionado, como Oscar Rejlander o Julia Margaret Cameron en Inglaterra, realizaron fotografías con intención puramente estética, prescindiendo de propósitos utilitaristas o de representación.

Sin embargo dos innovaciones de fin de siglo hubieron de alterar esa placida mezcla de utilidad y arte. En 1.888, George Eastman presentó la primera cámara de instantáneas Kodak, susceptible de ser usada por cualquiera, aun careciendo de cualquier tipo de preparación, para dejar constancia de sus actividades cotidianas, tras realizar las exposiciones, la cámara se expedía en la fabrica, donde trabajando en serie, se llevaba a cabo el revelado y se hacían las copias. También durante los años ochenta de ese siglo, se creó el primer sistema eficaz de impresión de fotografías en prensas mecánicas junto con el texto, lo cual condujo a una conducción generalizada de imágenes fotográficas. En respuesta a la industrialización, comercialización yprofesionalización de la fotografía que representaban esas innovaciones, los fotógrafos aficionados hicieron hincapié en las cualidades artísticas de sutrabajo y comenzaron a llamarse a si mismos "pictorialistas", para enfatizar su pretensión de alinear a la fotografía con otros medios gráficos, como por ejemplo la pintura, el dibujo y el grabado; compartiendo muchas de las ideas e ideales de los reformadores ingleses John Ruskin y Willian Morris, y de los movimientos esteticistas y Arts and Grafts, los fotógrafos pictorialistas rechazaron el cómodo acceso a la fotografía que ofrecía la Kodak de Eastman. Insistían que el industrialismo degradaba el arte y amenazaba con despojarlo de toda vida. Para manifestar su protesta, se negaron a utilizarproductos fotográficos producidos industrialmente; en su lugar, experimentaron con técnicas anticuadas que otorgaban a sus fotos una apariencia artesanal; realizaban la exposición de la película sin enfocar o con objetivos blandos; dibujaban o pintaban en los negativos; hacían las copias en papel impregnado manualmente con sales de metales preciosos; las recubrían con maderas impregnadas coloreadas y las enmarcaban para que pareciesendibujos o grabados. A su vez, sus mejores fotos se exhibían a menudo en exposiciones internacionales organizadas en Europa y América bajo el patrocinio de Clubes pictorialistas; los mas importantes eran el Linked Ring de Inglaterra, el Photo Club de Paris y la Photo Secesión de Nueva York.

Esta ultima fue fundada en 1.902 por un grupo de fotógrafos americanos encabezados por Alfred Stieglitz. Siendo él mas progresista entre los partidarios de la fotografía artística, Stieglitz llevó a cabo su cometido mediante la lujosa publicación que editaba la Photo Secesión entre 1.903 y 1.917 (Camera Work), y también a través de las Little Galleries (pequeñas galerías) de la Photo Secesión, entre 1.905 y 1.907, en el 291 de la Quinta Avenida de Nueva York. Stieglitz permaneció fiel hasta 1.908 a las tonalidades brumosas y a los típicos temas del pictorialismo, tomadas del impresionismofrancés de la ultima época de la pintura victoriana y del arte simbolista de fin de siglo; a partir de ese momento se sumergió en lo mas reciente del arte europeo a través de los reportajes y las piezas que le enviaba desde Paris su colega y también miembro de la Photo Secession, Eduard Steichen. Hasta que la exposición internacional de arte moderno presentó obras recientes de Picasso, Duchamp, Picabia y otros artistas vanguardistas al numeroso publico de Nueva York, Boston, Chicago... etc. Stieglitz fue el promotor más visible de la modernidad europea en América. El fue quien dio a conocer a Rodin, Picasso y Matisse en Camera Work y en "291", también en parte para estimular a sus compañeros pictorialistas a abandonar aventajadosmodelos artísticos a favor de otros mas contemporáneos.

Entre los primeros fotógrafos americanos que reaccionaron a la luz de esa modernidad europea, se cuentan dos jóvenes colegas de Stieglitz, Paul Strand y Charles Sheeler. Trabajando en su casa estival de Conecticut durante los veranos de 1.915 y 1.916, Strand se sumergió en una serie de experimentosfotográficos, incluyendo primeros planos de bodegones con tazas y platillos, con la intención de investigar lo que el cubismo podía ofrecer a la fotografía. Los resultados de este intento se cuentan entre las fotografías que Stieglitz le publico en 1.916 y 1.917 en los dos últimos números de Camera Work. Sheeler, un pintor que en un primer momento se introdujo en la fotografía por razones económicas, estuvo experimentando, en unas fotografías realizadas entre 1.914 y 1.917, con la capacidad de la abstracción geométrica cubista para reducir los elementos arquitectónicos de su casa del condado de Bucks, en Pensilvania, a rígidos diseños. Alabado por Stieglitz y asimilado por Strand

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