Historia del diseño Los ukiyo-e

Historia del Diseño
3er Semestre
Sigrid Maza Bando

“life of designer is a life of fight, fight against the ugliness”
-Massimo  Vignelli.

El diseño tiene sus inicios ya de manera más concreta, desde Japón en el siglo XVI con los ukiyo-e y los komon.

Los ukiyo-e son “imágenes del mundo flotante” traducido textualmente,  Los Ukiyo-e aparecieron por la demanda de las nuevas clases que surgieron en Japón con la urbanización que se produjo a finales del siglo XVI  y que dio origen a la burguesía, durante este periodo el país estuvo en total aislamiento de influencia extranjera, pero la vida dentro de las ciudades era dedicada al arte.

Los ukiyo-e eran producidos en masa, según la fama del autor se hacían mas o menos numerados y luego se quemaban los originales para asegurar su autenticidad, en estas imágenes solían representarse escenas de la vida cotidiana japonesa, así como escenas teatrales kabuki, geishas, samuráis, luchadores de sumo, ruta Tokaido ( Kyoto – Tokio )cosecha de arroz, monte Fujiyama.

Dos de los exponentes más importantes fueron Katsushika Hokusai y Utawaga Hiroshigue, Hokusai creo más de 30, 000 obras y es famoso por la serie de 36 vistas del monte Fuji, también creo “Hokusai Manga” una serie de caricaturas de humor que serían consideradas como el origen del cómic japonés actual.

KOMON
Se le denomina así a las insignias de los distintos clanes que existieron durante el periodo feudal en Japón, corresponden a símbolos, gran parte de ellos redondos, con diseños básicos o muy estilizados de flores, pájaros, plantas, fenómenos de la naturaleza, que representaban la marca personal o símbolo representativo de una familia japonesa. Los diseños creados estaban íntimamente relacionados con la historia familiar y sus antepasados.

Tiempo después fueron apareciendo en las banderas y estandartes que llevaban los samuráis en las guerras para que así en el campo de batalla, los diferentes emblemas sirvieran para distinguir a las líneas enemigas.
Hoy en día siguen existiendo los komones de las familias japonesas  pero sigue siendo de menor uso.
El período de la reina Victoria (siglo XIX) Inglaterra, se basa en la decoración ornamentaría, vuelve a la tipografía en un elemento central con una cara dura de base egipcia.
Sus características principales fueron:
- Un producto de la mezcla de lo mejor de otros estilos, regresando a lo medieval.

-La utilización de objetos de gran riqueza ornamental con formas curvas y el gusto de inspiración naturalista, gran exceso y saturación de las formas.

-Surge un gran interés por la decoración de los espacios habitables.

-Son utilizados temas medievales.

-La imagen femenina estilizada es un factor sumamente importante y recurrente.

-La mirada melancólica en las figuras humanas en las obras es predominante.

-La alusión a escenas  religiosas son de los temas principales de representación.

A su vez surgío un movimiento estudiantil que se denominaron pintores prerrafaelitas ( mitades del siglo XIX, al inicio del reinado de la reina Victoria) la pintura inglesa se estanca y se encuentra en un callejón sin salida creativo. En respuesta, tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, Hunt, Millais y Rossetti, fundan la cofradía prerrafaelita.
Estos iconoclastas ambicionan crear una nueva pintura, refiriéndose ya no al Renacimiento, sino al arte medieval; aquel anterior a Rafael, libre y auténtico, para ello fue de gran influencia John Ruskin. Sus cuadros son coloridos, múltiples símbolos y referencias literarias, referentes a la sensibilidad a la naturaleza y a las cuestiones sociales
.La cofradía se disuelve rápidamente, pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia inglesa, durante cerca de cincuenta años. La segunda generación, dominada por Edward Burne-Jones y William Morris, aplica los principios prerrafaelitas a la decoración, al mobiliario y a la ilustración de libros.

Después surge el movimiento Arts and Crafts y con el, el surgimiento de la clase media y la reproducción masiva, el miedo al vacío, una reflexión sobre la belleza y sobre lo que se consume. Fue un enorme movimiento de ambición intelectual y habilidad artística que abarca  desde broches esmaltados hasta iglesias, era un movimiento en torno a la integridad. Se trataba de respetar sus materiales, y la forma en que se utilizaban. Se trataba de mostrar cómo se construyeron las cosas, de modo que nunca parecían diferentes de lo que eran en realidad.
Se le da un sentido de reflexión a la palabra diseño; lo floral se convierte en un elemento de naturaleza y vida.
Un personaje que figuro en esta etapa fue Henry Cole un funcionario civil inglés, que junto a un grupo de seguidores, iniciaba en su país en 1845 un movimiento que pretendía eliminar la brecha existente entre lo industrial y el artista o diseñador, y estimular así el gusto de los usuarios. En palabras del propio Cole, el objetivo central era “demostrar la unión del mejor arte con la manufactura”, había que reformar la producción, y pensando que “una alianza entre arte y fabricante promovería el gusto del público”, convenció a destacadas empresas de la época para que aceptaran la colaboración del proyectista en la elaboración de sus productos. Consiguió además que la Society of Arts instituyera un premio anual a lo mejor del diseño ornamental, y presentara a partir de entonces exposiciones de productos industriales, modestas en principio. El siguiente paso fue editar el Journal of Design and Manufactures, primera publicación sobre diseño en la historia, que circuló de 1849 a 1852.

Aubrey Beardsley fue un Artista inglés. Su estilo de gran sensibilidad imaginativa y hedonismo así como su temática, en ocasiones macabra, le sitúan dentro del movimiento artístico europeo del fin-de-siècle. En su corta vida (su obra abarca únicamente un periodo de seis años), Beardsley se ganó la reputación de ser uno de los ilustradores ingleses más innovadores. Nacido en Brighton, asistió muy poco tiempo a la Westminster School of Art de Londres. Exceptuando ese breve periodo de aprendizaje formal, fue autodidacta. A los 20 años ya recibía encargos. Su obra se caracteriza por los grandes espacios en blanco y negro, las líneas curvas muy marcadas, la rica ornamentación y el rechazo de las normas convencionales de la perspectiva y la proporción. Se reconoce en su obra la influencia de los grandes grabadores japoneses y la de los pintores prerrafaelistas. La naturaleza fantástica, y en ocasiones erótica, de sus ilustraciones provocó grandes controversias sobre su trabajo. Beardsley fue editor artístico de la famosa publicación The Yellow Book (El libro amarillo) (1894-1895) y de The Savoy (1896), donde se publicaron sus propias obras. Ilustró La muerte de Arturo (1893-1894) de sir Thomas Malory, Salomé (1894) de Oscar Wilde, The Works of Edgar Allan Poe (Obras de Edgar Allan Poe, 1894-1895), Lisístrata (1896) de Aristófanes y Volpone (1898) de Ben Jonson. También diseñó carteles y escribió obras en prosa y poesía, que se recopilaron y publicaron póstumamente con el título de Under the Hill (Bajo la colina, 1904). Víctima de la tuberculosis que padeció toda su vida, murió en Menton, Francia, a los 25 años. Su estilo característico tuvo una enorme influencia en el diseño gráfico de todo el mundo.

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