Pollock

La trágica noticia de la muerte de Pollock hace dos veranos era profundamente deprimente para muchos de nosotros. Nos sentimos no sólo una tristeza por la muerte de una gran figura, sino también una pérdida profunda, como si algo de nosotros mismos había muerto también. Éramos un pedazo de él: que era, tal vez, la encarnación de nuestra ambición por la liberación absoluta y un deseo secreto acariciado para revocar viejas tablas de vajilla y champán plana. Vimos en su ejemplo la posibilidad de una frescura increíble, una especie de ceguera en éxtasis. Pero había otra, morbosa, de lado a su significado. "Morir en la parte superior" por ser el tipo de artista moderno era para muchos, creo, implícita en la obra antes de morir. Fue esta implicación extraña que fue tan conmovedor. Recordamos van Gogh y Rimbaud. Pero ahora era nuestro tiempo, y un hombre que algunos de nosotros sabía. Este aspecto de sacrificio final de ser un artista, aunque no es una idea nueva, parecía en Pollock terriblemente moderno, y en él la declaración y el ritual era tan grande, tan autorizada y que todo lo abarca en su escala y atrevida que, sean cuales sean nuestras convicciones privadas, no podíamos dejar de ser afectado por su espíritu. Probablemente fue este lado sacrificial de Pollock que estaba en la raíz de nuestra depresión. La tragedia de Pollock era más sutil que su muerte, porque él no murió en la parte superior. No pudimos evitar ver que durante los últimos cinco años de su vida su fuerza se había debilitado, y durante los tres últimos apenas habíamos trabajado en absoluto. Aunque todo el mundo sabía, a la luz de la razón, de que el hombre estaba muy enfermo (su muerte fue tal vez un respiro de casi seguro futuro sufrimiento) y que él no murió como lo hicieron doncellas fertilidad de Stravinsky, en el mismo momento de la creación / todavía nos no pudo escapar de la inquietante picor (metafísica) que conectaba esta muerte de alguna manera directa con el arte. Y la conexión de los cincuenta, en lugar de ser culminante, fue, en cierto modo, sin pena ni gloria. Yo al final tenía que venir, llegó en el momento equivocado. ¿No era perfectamente claro que el arte moderno en general se deslizaba? O bien se había convertido en aburrido y repetitivo como el estilo "avanzado", o un gran número de pintores contemporáneos anteriormente cometidos fueron desertar a las formas anteriores. América estaba celebrando una "cordura en el arte", el movimiento y las banderas estaban fuera. Así, razonó, Pollock fue el centro de un gran fracaso: el Arte Nuevo. Su heroica postura había sido inútil. En lugar de liberar la libertad que en un principio prometió, provocó no sólo una pérdida de potencia y posible desilusión de bloqueo Pollock sino también que la plantilla se había levantado. Y aquellos de nosotros todavía resistentes a esta verdad terminaría la misma manera, casi en la parte superior.

Pero más de dos años han pasado. Lo que sentimos entonces era lo suficientemente genuino, pero nuestro homenaje, si era eso en absoluto, era un ser limitado. Fue sin duda una reacción manifiestamente humana por parte de aquellos de nosotros que se dedica a los artistas más avanzados que nosotros y alrededor sintió el choque de ser expulsado por nuestra cuenta. Pero no parecía que Pollock efectivamente había logrado algo, tanto por su actitud y por sus dones muy reales, que van más allá incluso los valores reconocidos y reconocidas por artistas y críticos sensibles. El acto de pintar, el nuevo espacio, la marca personal que construye su propia forma y significado, la maraña interminable, la gran escala, los nuevos materiales son por ahora los clichés de los departamentos de arte de la universidad. Se aceptan las innovaciones. Se están convirtiendo en parte de los libros de texto. Pero algunas de las implicaciones inherentes a estos nuevos valores no son tan inútil como todos comenzamos a creer; este tipo de pintura no tiene por qué ser llamado el estilo trágico. No todos los caminos de este moderno arte plomo a las ideas de carácter definitivo. Me aventuro la conjetura de que Pollock podría haber percibido vagamente esto, pero no pudo, por enfermedad o por otros motivos, de hacer nada al respecto. Creó algunas pinturas magníficas. Pero también destruyó la pintura. Si examinamos algunas de las innovaciones mencionadas anteriormente, puede ser posible ver por qué esto es así. Por ejemplo, el acto de pintar. En los últimos setenta y cinco años, la reproducción aleatoria de la mano sobre el lienzo o el papel se ha convertido cada vez más importancia. Strokes, manchas, líneas, puntos cada vez menos unido a los objetos representados y existe cada vez más por su cuenta, de manera autosuficiente. Pero desde el impresionismo hasta, digamos, Gorki, la idea de un "fin" a estas marcas fue lo suficientemente explícito. Incluso Dada, pretendía estar libres de consideraciones tales como "composición", obedeció la estética cubista. Una forma coloreada equilibrada (o modificado o estimulada) otros, y estos a su vez se jugaron fuera en contra (o con) todo el lienzo, teniendo en cuenta su tamaño y forma, en su mayor parte muy conscientemente. En resumen, de parte a todo o relaciones de parte a parte, por muy tensa, era un buen 50 por ciento de la elaboración de una imagen (la mayor parte del tiempo que estuvieron mucho más, tal vez el 90 por ciento). Con Pollock, sin embargo, el llamado baile de goteo, Herramientas Opina Sh roza, apretando. embadurnando, y todo lo que se fue en una obra coloca un valor casi absoluto en un gesto de diario. Fue en couraged en esto por los pintores surrealistas y poetas, pero al lado de su su trabajo es consistentemente "arttu arreglado y lleno de aspectos finura del control externo y la formación Con el enorme lienzo colocado en el suelo, por lo que es difícil para el artista para ver la totalidad o una sección extendida de "partes. Pollock verazmente podía decir que estaba "en" su trabajo. Aquí la aplicación directa de un enfoque automático para el acto deja en claro que no sólo no es esto el viejo arte de la pintura, pero tal vez está al borde de sí mismo ritual, que pasa a utilizar la pintura como una de sus materiales. (Los surrealistas europeos pueden haber utilizado el automatismo como ingrediente, pero casi no se puede decir que realmente practican todo corazón. De hecho, sólo los escritores entre y sólo en unos pocos casos disfrutaron de cualquier éxito de esta manera. ellos En retrospectiva, la mayoría de los pintores surrealistas parecen haber derivado de un libro de psicología o una de la otra: las vistas vacías, el naturalismo básica, las fantasías sexuales, las superficies sombrías tan característico de este período han impresionado artistas más estadounidenses como una colección clichés de poco convincentes. Apenas automática, por lo que. Y, más que los otros asociados con los surrealistas, tales verdaderos talentos como Picasso, Klee y Miró pertenecen a la disciplina más estricta del cubismo; tal vez es por eso que su trabajo se nos presenta, paradójicamente, más libre. Surrealismo atrajo Pollock como una actitud más que como una colección de ejemplos artísticos.)Pero he usado las palabras "casi absoluta" Cuando hablé del diaris gesto tic a diferencia del proceso de juzgar cada movimiento sobre el lienzo. Pollock, interrumpiendo su trabajo, juzgaría sus "actos" muy astutamente y con cuidado durante largos períodos antes de ir a otro "acto". Él sabía la diferencia entre un buen gesto y una mala. Esta fue su arte consciente en el trabajo, y él una parte de la comunidad tradicional de pintores hace. Sin embargo, la distancia entre las obras relativamente independientes de los europeos y los aparentemente caóticas, obras de expansión de la American indica en el mejor de una tenue conexión con "pinturas". (De hecho, Jackson Pollock en realidad nunca tuvo una sensibilidad malerisch. Los aspectos pictóricos de sus contemporáneos, como Motherwell, Hofmann, de Kooning, Rothko, y aún así, apuntan hacia un momento por una deficiencia en él y en otro momento una característica liberadores. Elijo considerar el segundo elemento de la importante.) Estoy convencido de que para comprender el impacto de un Pollock correctamente, debemos ser acróbatas, constantemente yendo y viniendo entre la identificación con las manos y el cuerpo que arrojó la pintura y estaban "en" el lienzo y la sumisión a las marcas objetivas, lo que les permite enredan y asalto nosotros. Esta inestabilidad es de hecho muy lejos de la idea de una pintura "completa". El artista, el espectador y el mundo exterior son demasiado indistintamente involucrado aquí. (Y si nos oponemos a la dificultad o la comprensión completa, estamos pidiendo demasiado poco de la técnica) forman entonces. Para seguirlo, es necesario deshacerse de la idea habitual de "Forma", es decir, un principio, un medio y un final, o cualquier variante de este principio como la fragmentación. No entramos un cuadro de bloqueo de Pol en un mismo lugar (o cien lugares). En cualquier lugar está en todas partes, y nos mojamos y salir cuando y donde podamos. Este descubrimiento ha llevado a los comentarios que su arte da la impresión de ir para siempre una verdadera visión que sugiere cómo Pollock ignorado los límites del campo rectangular a favor de un continuo ir en todas las direcciones simultánea- mente, más allá de las dimensiones literales de cualquier trabajo. (Aunque la evidencia apunta a un debilitamiento del ataque como Pollock llegaron a los bordes de muchos de sus lienzos, en los mejores que compensa esta virando gran parte de la superficie pintada alrededor de la parte posterior de sus camillas) Los cuatro lados de la pintura por lo tanto son una abrupta dejando fuera de la actividad, lo que nuestra imaginación continúan infinitamente hacia fuera indefinida, como si se niega a aceptar la artificialidad de una "final". En una obra mayor, el borde era una cesura mucho más preciso: aquí terminó el mundo de la artista comenzó allá del mundo del espectador y la realidad. Aceptamos esta innovación como válido porque el artista comprendió con perfecta naturalidad "cómo hacerlo". El empleo de un principio iterativo de unos pocos elementos altamente cargados constantemente sometidos a variación (improvisar, como en gran música asiática), Pollock nos da una all-over unidad y al mismo tiempo un medio para responder continuamente a una frescura de elección personal. Pero esta forma nos permite el mismo placer en participar en un delirio, un amortiguamiento de las facultades de razonamiento, una pérdida del "yo" en el sentido occidental del término. Esta extraña nación combi de la individualidad extrema y el desinterés hace que el trabajo re- markably potente pero también indica un marco de referencia más amplio, probablemente psicológico. Y por esta razón cualquier alusiones a Pollock de ser el fabricante de texturas gigantes son completamente incorrectos. Pasan por alto el punto, y la incomprensión está obligado a seguir el actual modo de pintar. Pollock nos ofrece tal familiaridad, y nuestro mundo cotidiano de la convención y el hábito se sustituye por el creado por el artista. Revertir el procedimiento anterior, la pintura se continúa hacia la habitación. Y esto me lleva a mi último punto: Espacio. El espacio de estas creaciones no es claramente palpable como tal. Podemos enredarse en la web hasta cierto punto y moviendo dentro y fuera de la madeja de líneas y Ings salpicaduras pueden experimentar una especie de extensión espacial. Pero aún así, este espacio es una alusión mucho más vago que incluso las pocas pulgadas de espacio de leer ofrece trabajo cubistas. Puede ser que nuestra necesidad de identificarse con el proceso, la realización de todo el asunto, impide una concentración en Los detalles de delante y detrás de tan importante en un arte más tradicional. Pero lo que creo que es claramente discernible es que toda la pintura viene hacia nosotros (somos participantes en lugar de observadores, a la derecha en la habitación. Es posible ver a este respecto cómo Pollock es el resultado de terminal de una tendencia gradual que se trasladó desde el espacio profundo de los siglos XV y XVI al edificio desde el lienzo de los collages cubistas. En el presente caso, la "foto" se ha movido hasta ahora que el lienzo ya no es un punto de referencia. Por lo tanto, aunque hasta el pared, estas marcas nos rodean como lo hicieron el pintor en el trabajo, tan estricta es la correspondencia alcanzado entre su impulso y el arte resultante.

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