PARCIAL LENGUAJE VISUAL

1. Análisis pre-iconográfico

1.1 Frida es una foto-emblema ilustre del mundo contemporáneo, porque la hemos fijado con atributos propios a nuestra memoria colectiva. Basta con ver una imagen de ella para deducir grandes rasgos de su identidad. Ella es símbolo del feminismo, de los artistas latinoamericanos.

Por la época en que esta artista vivió, se vio la influenciada por la corriente del surrealismo y del expresionismo, las cuales surgen luego de la primera guerra mundial. Frida vive en una época de conflicto y guerras pues nace el 6 de julio de 1906 y muere el 13 de julio de 1954. Así que ella vive en un contexto marcado por la guerra y el conflicto; tiene además una vida envuelta en tragedia, tanto en su salud, como en sus relaciones amorosas. Y todo esto es representado en sus imágenes.

“Frida admiraba la pintura revolucionaria y la consideraba necesaria en su tiempo, pero era consciente que su pintura no lo era, así escribió: Mis cuadros están bien pintados, no con ligereza sino con paciencia. Mi pintura lleva el mensaje del dolor. Creo que cuando menos a unas pocas gentes les interesa. No es revolucionaria, para que me sigo haciendo ilusiones de que es combativa” “Según A. Rico, observamos en Frida Kahlo una preocupación en sus orígenes como individuo que pertenece y se empaña en descubrir la tradición cultural. Es así que en sus composiciones está evocando todo un mundo de costumbres todo un mundo de costumbres, de creencias de objetos, en fin, de maneras de ser y de sentir. Un aspecto inquietante de su obra es la frecuente disociación de ella misma en varios de sus autorretratos, esta dualidad puede nacer tanto de su propia historia como la de la fantasía del pueblo mexicano.”

En este cuadro evidenciamos el dolor que siente Frida, ya que, en su cuello tiene clavadas unas espinas, que en el contexto religioso se pueden tomar como la Corona de Cristo.

Frida pintó este cuadro en 1940, un año después de su divorcio con Diego Rivera en 1939.

A esta imagen la artista le imprime cierta masculinidad, acentuando sus cejas y mostrándola más pronunciada, además de la notoriedad de su incipiente vigor.

Este retrato de busto se complementa con objetos de significado simbólico como lo son el mono, el gato, el colibrí, el collar de espinas, las mariposas y las libélulas, en los cuales ahondaremos más adelante.

1.2.1 Convenciones de organización de la imagen :

Campo visual o encuadre: El autorretrato está contenido en un primer plano, el cual se corta en el pecho de la protagonista. De tal modo se representa de una manera cercana ante el espectador.

Equilibrio: la imagen está en total equilibrio, pues el rostro de la artista está totalmente en el centro y las fuerzas que actúan sobre esta imagen se compensan unas con otras, además la orientación vertical ayuda a distribuir el peso, también la agrupación de los objetos en el medio de la imagen ayuda a equilibrarla, hay que tener en cuenta la fuerza gravitatoria que tira los objetos hacia abajo. Pero las mariposas y las libélulas aparecen en el aire. Frida era una persona con varios desordenes en sus emociones y en su salud, el desequilibrio en el que estaba inmersa tras divorciarse de su amado Diego, en el cual está inspirado este autorretrato, puede ser una explicación psicológica de como como trata de restablecer la estabilidad en esta imagen.

Composición: la composición de ‘’autorretrato con collar de espinas y colibrí’’ es dinámica y, conseguida a través de elementos incompletos, como lo son el mono, el gato y Frida. Además las mariposas, las libélulas, el ave, el felino y el macaco están descentrados.

1.2.2 Convenciones estéticas específicas:

Tamaño: el tamaño original de esta imagen es de 61cm x 47cm, y la comparación con los demás objetos que componen el contenido de la imagen, hacen que Frida sea lo más notorio de esta. Además la relación que se establece con el espectador es de predominio por parte de la representación visual. Además el tamaño del collar de espinas con el colibrí es bastante grande y hace que el espectador centre su atención en el cuello de ella y en el dolor que este le causa.

Color: El manejo de los colores y de la vivacidad de estos, es algo que cabe destacar en la obra de Kahlo, quien al ser pintora, trabaja con colores pigmento. La luminosidad manejada en esta pintura es alta, ya que la tonalidad del cielo es clara y el verde de las hojas no es oscuro, a su vez viste de blanco, un color que es bastante luminoso y hace contraste con el negro, que es el color que predomina en los animales retratados junto a ella. En la hoja que se ve casi amarilla podemos notar una desaturación del verde, y mayor saturación de color en sus mejillas y labios. Además que la temperatura cálida de este autorretrato hace que los colores pesen y se acerquen.

El criterio simbólico de los colores, nos permite hacer la relación con el acontecimiento fundamental de su vida como lo fue su divorcio con el también artista mexicano Diego Rivera, pues el colibrí es negro, el gato y el mono también, este color es bastante asociado a la muerte, por ende representaría la muerte de ese amor y el ´´luto´´ en el que queda inmersa tras su ruptura.

Iluminación: En esta imagen la fuente de luz es natural, ya que se ve el azul del cielo en contraste con las plantas,

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