Pintores Del Siglo XIX

Historia del Arte

Trabajo practico n° 8

1) Gustav Klimt: Nacio en Viena, en el año 1862. Fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban

Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante.

“Judit”

"Judit I" es un óleo sobre tela de 84 x 42 cm pintado en 1901 por el pintor austríaco Gustav Klimt, una obra que representa la madurez artística del autor y está considerada como la primera de su "período dorado", caracterizado por un lenguaje de fuerte abstracción simbólica y el uso de oro como material junto a los pigmentos al óleo.

Apoyada en una cornisa de cobre repujado, Klimt pinta por primera vez a la bella heroína bíblica, ya que una segunda Judit se completará en 1909.

El sujeto se utiliza como metáfora del poder de seducción femenino, que logra vencer a la mayor fuerza viril. El clima del cuadro se presta obviamente a resaltar la figura de Judit como "mujer fatal", cruda y seductora, que lleva a la ruina y a la muerte a su amante.

La imagen tiene una dimensión vertical muy acentuada con la figura de Judit, de gran fuerza erótica, que domina casi completamente la composición. La cabeza de Holofernes aparece apenas en escorzo, abajo a la derecha, tallada en la mitad inferior del borde de la cornisa. Es notable la diferencia entre la carnalidad de la figura principal, que presenta una resolución tridimensional, y el vestido, tratado con un decorativismo bidimensional muy acentuado.

Detrás de la cabeza de Judit se representa un paisaje arcaico y estilizado de colinas y árboles, que recuerda los motivos decorativos de la cerámica micénica.

2) Die Brücke: Los pintores que integraron tal grupo pretendían reunir determinadas formas de expresión primitivas con el arte de su tiempo. La situación estaba radicalizada: por un lado pintores de pésima catadura que se dedicaban a un arte blandengue y carente del más mínimo interés (floreritos, paisajitos, señoras estupendas para colgar del cuarto de estar); y por otro la vanguardia radical, la sucesión vertiginosa de los "ismos", alimentados de sí mismos de tal manera que habían logrado alejarse por completo de la comunicación con el público, incapaz de asimilar las rupturas que planteaban. Especialmente era el cubismo, tan racional, tan mesurado en su aséptica geometría, el mayor rival de estos pintores. Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva.

Para lograr esta meta, los integrantes de Die Brücke trataron de recuperar métodos "auténticos", directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del Pacífico, Oceanía y África.

Esta recuperación se refirió tanto a temas, como a técnicas: reaprovechan la xilografía por lo rudo de su realización.

3) Marc Chagall: se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos

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