Capítulo 3. Del Arte Objetual Al Arte Conceptual Y Consolidación Del Diseño Gráfico (segunda Mitad Del S XX A Inicios Del S XXI) Tema 10: Revolución Tecnológica En Las Artes Y En La Comunicación Visual.

Cuestionario

El arte entre los siglos xx y xxi

1. Describe qué son, en qué consisten, cuáles son sus características y de ser posible cuándo y dónde se desarrollaron las siguientes manifestaciones artísticas:

a) arte conceptual (idea art)

Es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta.

En su origen el arte conceptual era una empresa dedicada a: un examen teórico del concepto "arte" y a la producción de conceptos como arte. La necesidad de semejante empresa nació de la crisis de la pintura y del callejón sin salida en que se encontraban las estéticas minimalistas y formalistas.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras laII Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: Marcel Duchamp y el compositor estadounidense practicante del budismo zenJohn Cage.

En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada. En Japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia,Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo.

Características:

•Se trata de un arte que no da la máxima importancia a la forma física en la representación de los objetos a menos que uno los describiera como “objetos de pensamiento” o a usar medios artísticos tradicionales.

•Búsqueda e investigación.

•La reflexión sobre la naturaleza de su reflexión y de modo obsesivo planean y clasifican su discurso en un intento por descubrir una estructura o un objetivo.

•Arte teórico: búsqueda de una nueva síntesis de teoría y práctica.

•El arte es un producto de liberación humana consciente y las obras de arte son ante todo significados e intenciones, devuelve a la profesión del artista una dignidad que estaba en peligroso trance de perderse.

•Requiere una mayor implicación del espectador no solo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación.

•En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art, performance art, arte povera.

•Abogaban por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del consumo de arte.

•El arte conceptual va a suponer también la introducción de nuevos enfoques y temas que harán de la narración, la apariencia, el texto, la autobiografía, la política feminista, la fragmentación y las ideas los principales actores de sus obras, las nuevas identidades sexuales, la espectacularización de lo social o nuestra relación con la violencia y con la muerte.

•Entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Weiner, el grupo inglés Art and Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

El arte conceptual es, un arte crítico y corrosivo, pone énfasis en lo mental, en la ideación de las obras, relegando en importancia su realización material o sensible. La obra de arte no sólo se da a ver, sino se da ha entender, se ofrece como asunto del pensamiento y esto, en la medida, en que se sustrae al régimen de la visibilidad.

b) Arte de acción (-happening, performance, environment-, puedes buscar también como action art o live art)

Es una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto, El primero en usarlo fue Jakson Pollock y el término fue acuñado por el crítico norteamericano Harold Rosenberg para designar la técnica pictórica gestual de Pollock.

Dicha técnica (Dripping) consiste en salpicar con pintura la superficie del lienzo de manera espontánea y enérgica, mediante un movimiento semiautomático sometido casi únicamente a las reglas del azar, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” donde el artista descarga la tension que ha acumulado. Las referencias estéticas tradicionales (forma, color, composición, dibujo) no deben tenerse en cuenta y deben dejar paso al acto mismo de la creación de la obra, las acciones realizadas por el artista mientras lo pinta. Es una reacción del artista intelectual contra el artista técnico, no representa ni expresa ninguna realidad.

Los colores que emplea son los que fabrica la industria, esmaltes sintéticos, pinturas metalizadas, utilizando un bote agujereado donde se vierte la pintura, o un simple palo goteando, no se sitúa ante la tela, sino que dispuesta en el suelo, gira en torno a ella, se excita con los colores y traslada a sus movimientos con la materia esa excitación hasta que la pintura le impone su ritmo, transformando los sentimientos del artista en acción visible mas allá de los límites del soporte.

La Action Painting llegó a ejercer influencia sobre muchos artistas europeos, generando movimientos paralelos como el tachismo, practicado por artistas como el francés George Mathieu, y también afectó a otros aspectos del arte moderno, principalmente a la idea de que una obra de arte debía exhibir claramente la impronta de su proceso creativo.

CARACTERÍSTICAS

- Ausencia de toda relación con lo objetivo.

- Rechazo de todo convencionalismo estético.

- Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

- Ejecución totalmente espontánea.

- Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.

- Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.

- Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.

- Empleo de manchas y líneas con ritmo.

Los principales representantes de este arte son: Arshile Gorky, Hans Hofmann, Robert Motherwell, Franz Kline, Willem de Kooning (que fue el único que esbozó figuras) y el mayor representante de todos: Jackson Pollock.

c) Arte de

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