La propuesta deWalter Benjamin sobre las posibilidades de la técnica de reproducción de imágenes

Tal como afirma Oliveras: “Autenticidad, aura y culto

son términos asociados (…) En su origen las obras estuvieron

ligadas al cumplimiento de un valor ´cultual´”2,

es decir, estuvieron ligadas al cumplimiento de un ritual,

mágico o religioso.

De todos modos cuando Benjamin se refiere a la “recepción

cultual” también este tipo de recepción se da

en el Renacimiento. En el Renacimiento la obra sigue

siendo cultual, la diferencia es que no se rinde culto a

lo sagrado sino al original.

Cuando la obra se libera de lo cultural (a través de la

reproductibilidad) aumenta lo que Benjamin llama

“valor de exhibición”. Desligada del ritual, la obra de

arte adquirirá un nuevo valor que Benjamin denomina

“exhibitivo”.

Estas técnicas de reproducción estética suponen una

transformación radical en la experiencia estética en general

y en particular en la experiencia de la irrepetibilidad

de la obra de arte.

Resulta apasionante reflexionar, a partir de la propues-

Resumen: A partir de la propuesta de Walter Benjamin acerca de las posibilidades de reproducción técnica de las imágenes

favorecidas por la aparición de la fotografía y el cine, el texto se propone analizar algunos circuitos de producción artística y

circulación de obras y sus implicancias en el campo cultural contemporáneo.

Palabras claves: arte – fotografía – cine – recepción masiva – sociedad – reproducción – paradigma.

[Resúmenes en inglés y portugués en la página 74]

ta de Benjamin, acerca del modo en que los nuevos medios

modifican el concepto de “arte”. En este sentido es

prácticamente obsoleto juzgar a las obras surgidas de

nuevos paradigmas con los mismos parámetros del paradigma

anterior. Es decir, los términos que heredamos

de paradigmas del pasado (tales como “singularidad”,

“originalidad” e “irrepetibilidad”) ya no nos explican

las nuevas formas de arte: “Por lo tanto la cuestión

principal no es tanto si la fotografía o el cine son “arte”

sino cómo sus condiciones particulares de producción

han modificado la misma noción de arte, cómo han ampliado

su campo tradicional y cómo han influido en sus

manifestaciones institucionalizadas.

De hecho, la aparición de la fotografía ha producido

importantes cambios en la pintura. Matisse sostenía

que el pintor ya no tenía que preocuparse por detalles

insignificantes, ´pues para eso está la fotografía que lo

hace mucho mejor y más rápido´”3.

La reproductibilidad técnica de la imagen elimina esa

actitud reverencial que teníamos ante el arte del pasado,

así el arte deviene un producto más en la sociedad

de consumo.

Vivimos a tal punto en una cultura de la imagen que

nuestra experiencia de las cosas se funde con nuestra

experiencia de las imágenes tecnológicamente producidas

de las cosas.

Jiménez analiza esta problemática en un interesante artículo

titulado “Arte es todo lo que los hombres llaman

arte”4. Allí se propone rastrear los avatares por los que

pasó una de las imágenes tal vez más globalizadas: La

Mona Lisa de Da Vinci.

Si bien es cierto, nos explica Jiménez, que los contemporáneos

a Da Vinci ya consideraron a La Mona Lisa

como una gran obra de arte que abría un nuevo horizonte

ligado al retrato en escorzo, al descubrimiento

del sfumatto (para evitar la rigidez sobre todo de los

contornos de la boca y los ojos) y a la invitación extendida

hacia el espectador para que participe de la “creación”

de la obra, este hecho no explica por qué ante

una reproducción de La Mona Lisa inmediatamente la

reconocemos. Muchas otras obras maestras han sido

profusamente interpretadas y sin embargo no son tan

inmediatamente reconocidas por los espectadores.

La pregunta entonces que podríamos hacernos es ¿por

qué esta imagen nos resulta tan familiar? Jiménez, en

una especie de rastreo histórico de la obra, nos explica

el motivo. En el año 1911 La Mona Lisa fue robada del

Museo del Louvre. Este hecho hizo que los periódicos

de la época, tanto en Francia como en el exterior, comenzaran

a reproducir masivamente la obra. Es decir,

que la imagen se volvió sumamente familiar.

Incluso algunas artistas populares y famosas de la época

fueron fotografiadas posando como la Mona Lisa,

peinadas como ella y con una ropa similar.

Asimismo, comenzaron a circular una proliferación de

tarjetas postales que contenían la imagen de la Mona

Lisa en poses de lo más disparatadas (vistiendo una

mini falda, en actitud de burla, llevando un atuendo

festivo, etc.) o bien aparecía en diversas postales saludando

desde diferentes ciudades, dando a entender

que la Mona Lisa podía estar en manos del ladrón en

cualquier otra capital europea.

Cuando en 1914 se logró recuperar esta obra, una vez

más comenzó una ola de nuevas reproducciones.

Lo interesante de esta historia es que nunca antes una

obra de arte había sido reproducida tanto como la obra

de Da Vinci en un lapso de tres años.

Es decir que por primera vez en la historia una obra de

arte se introducía de una manera violenta en la cadena

de comunicación de masas: “Desde ese momento, comenzaría

un proceso imparable por el que la imagen de

la Mona Lisa se independizaría de la obra original de

Leonardo explicándose así la inmediata familiaridad

que sentimos hoy ante ella”5, y de alguna manera, este

hecho marca de forma irreversible la entrada del arte en

la era de la reproducción técnica.

La reproducción pone al alcance de cualquiera la imagen

de las obras y en este sentido la reproducción convierte

al arte en un objeto más de consumo.

La imagen se desdobla, se fragmenta, se distorsiona. La

imagen se multiplica: ¿por qué contentarse con una,

con dos o con cuatro? Como nos muestra Warhol en el

mundo de hoy “todos queremos más” y por eso “Treinta

son mejor que una” (este es el título de la obra de

Warhol en la que reproduce treinta veces la imagen de

la Mona Lisa).

En una era de reproductibilidad

...